Monday, June 29, 2009


O compositor de jazz e regente musical Ralph Burns nasceu no 29 de junho de 1922 em Newton, Massachusetts. Em 1974, Ralph Burns inicia a primeira colaboração com Bob Fosse no filme Lenny (1974), que conta a história da vida do comediante Lenny Bruce.
A colaboração entre Ralph Burns e Bob Fosse gerou All That Jazz - O Espectáculo Vai Começar (All That Jazz) (1979), e Star 80 - A Tragédia (Star 80) (1983). Em 1989, o seu último trabalho como compositor de jazz com o filme de animação de Don Bluth: "Todos os Cães Merecem o Céu" (All Dogs Go To Heaven) (1989).

Musical conductor and jazz composer Ralph Burns was born June 29, 1922, in Newton, MA. Musical conductor and composer, known for his work on films and Broadway musicals. Performed with Charlie Barnet's band, then with Woody Herman, 1944-45.

Academy Award, best music (scoring original song score and/or adaptation), 1973,for Cabaret; Academy Award, best music (original song score and its adaptation or best adaptation score), 1980, for All That Jazz; Emmy Award (with Ian Fraser and Billy Byers), outstanding achievement in music direction, 1980, for IBM Presents Baryshnikov on Broadway; Academy Award nomination, best music (original song score and its adaptation or best adaptationscore), 1983, for Annie; Grammy Award nomination (with Frank Foster),best arrangement accompanying vocals, National Academy of Recording Arts andSciences, 1985, for Beyond the Sea (La Mer); Emmy Award nomination (with others), best music direction, 1987, for Liberty Weekend-Opening Ceremonies.
Ralph Burns died in November, 2001.

Sunday, June 28, 2009


It would seem that trumpeter Pete Candoli born june 28th 1923, had been biding his time in the wings of many years. While Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, have long enjoyed broad public recognition; Pete finally attained the level of popular acceptance that the quality of his talents as a jazz trumpeter deserves.
Within the Music World Pete Candoli was regarded as one of the most precise and eloquent interpreters of jazz. He and his trumpet playing brother Conte have what amounts to a cult following among aficionados.
A trumpet player of major importance, Pete's association with top bands reads like a “Who's Who” of jazz. He has been featured with Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc... in fact, he has played with over 27 of the top named bands.
Although Pete Candoli was best known for the jazz trumpet, his musical background and experience is as varied as it can be. He is equally expert with classical music and pop. He conducted music seminars and concerts at some (30) universities and colleges when he is not playing a jazz festival, concert, or nightclub somewhere. Altogether he worked over (5000) record dates.
He composed and arranged music and conducted for Judy Garland, Ella Fitzgerald, and Peggy Lee among others. Having played first trumpet for Igor Stravinsky’s “Ebony Concerto” written for the Woody Herman Orchestra. Pete received much acclaim for his versatility as a solo trumpeter.
Pete Candoli won awards as outstanding trumpet player from Downbeat and Metronome Magazines, the 20 most prestigious publications in the music business. Pete also won the Esquire Magazine and the Look Magazine Awards as one of the (7) all-time outstanding jazz trumpet players. The (6) were Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie and Bobby Hackert, there is more.
Pete began playing lead and jazz for Sonny Dunham’s Orchestra in 1941, followed by a long string of other name bands including Woody Herman’s famed “First Herd.” Pete settled into the studio scene in the 50’s after tenures with Herman, Tex Beneke, Jerry Gray and Stan Kenton among others. He and Conte also co-led a band (1957-62).
As a preeminent lead trumpeter, Pete played for the Orchestras of Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, as well as Frank Sinatra.

Pete Candoli died in January 2008.

Click to enjoy Pete playing his music together with Al Hirt, Don Ellis and Dizzy Gillespie..

http://www.youtube.com/watch?v=Bd0fgpN_Rcg
TIERNEY SUTTON, ELA ESTÁ COM A BANDA.
A cantora de jazz Tierney Sutton nasceu no 28 de junho de 1963 em Wisconsin. Cinco anos depois de sua primeira apresentação profissional os jornais de Boston a apontavam como substituta natural da maravilhosa Ella Fitzgerald. Para muitos, a comparação não passou de exagero momentâneo. Entretanto para aquela garota de voz afinada com qualidade de entonação, habilidades rítmicas e de improviso, com ou sem letra, o cumprimento era uma honra e cabia muito bem no seu caso.

Na Universidade Wesleyan onde estudou russo e literatura russa, ouviu pela primeira vez os gigantes do jazz e se apaixonou pelo gênero. Ganhou uma bolsa de estudou que abriu para ela as portas da Berklee College em Boston. Não levou muito tempo para começar a se apresentar em vários lugares da Nova Inglaterra, fazendo pré-shows de estrelas como Max Roach e Billy Taylor Trio. Em 1998 foi semi-finalista no concurso de voz Thelonious Monk Jazz.
O primereo CD “Introducing Tierney Sutton” aconteceu em 1999 e recebeu critica positiva e ainda por cima lhe deu indicação para o Premio Indie de Melhor Disco de Vocal Feminino de Jazz. No segundo CD “Unsung Heroes” ela adicionou letra à musicas clássicas de jazz que normalmente somente tocadas. Com o passar do tempo Tierney passou a ser bem referenciada pelos criticos.

Lançou o CDs “Blue in Green” em 2001, “Something Cool” em 2002, “Dancing in the Dark" em 2004, “I’m in the Band” em 2005, “On the Other Side” em 2007 (por estes dois ultimos ganhou indicação para o Grammy) e “Desire" (foto) em 2009.

Tierney é acompanhada por uma banda de peso, formada por musicos de classe mundial, como Christian Jacob no piano, Trey Henry no baixo acústico e Ray Brinker na bateria. O quarteto está gravando e se apresentando com esta formação a 15 anos anos.
Clique para ouvir e ver Tierney Sutton falando sobre a banda e CD "Desire".
http://www.youtube.com/watch?v=vOf3ZdC49hQ

Tierney Sutton was born june 28th 1958 ion Wisconsin and only five years after her first professional performance, Boston newspapers were complementing Tierney Sutton with comparisons to the great Ella Fitzgerald. For most, the use of such a comparison would simply be exaggeration. Yet, for this Wisconsin-born choir girl with superb intonation, rhythmic skills, and the ability to improvise, with or without lyrics, the complements are both honorable and well-deserved.Tierney Sutton was a Russian major at Wesleyan University when she first heard the greats and fell in love with jazz. A scholarship took her to Berklee College of Music in Boston, where within a few years she performed throughout New England, opening for such notables as Max Roach and the Billy Taylor Trio. In 1998, she was a semi-finalist in the Thelonious Monk Jazz Vocal Competition. Her first solo CD, Introducing Tierney Sutton (1999), was released to rave reviews and nominated for a 1999 Indie Award for Best Jazz Vocal Album.Since her second solo album release, Unsung Heroes (Telarc, 2000), in which she took popular jazz standards that are usually performed instrumentally and put vocals to them, Tierney has become one of the critics’ most talked about jazz musicians.With the release of her latest Telarc CD, Blue in Green (2001), and subsequent national tour, Tierney has received glowing reviews and filled jazz venues across the country. In Blue in Green Tierney’s multi-colored voice penetrates the soul with pensive and warmhearted intimacy with music written by or associated with pianist Bill Evans.Tierney also heads the Jazz Vocal department at the University of Southern California (USC), and has given vocal clinics throughout the U.S. and abroad.A versatile studio singer, Tierney’s unique voice has been featured on a variety of movie and television soundtracks as well as on commercials for BMW, Coca Cola, Dodge and J.C. Penney.Tierney’s band features world-class pianist Christian Jacob, Trey Henry on bass, and Ray Brinker on drums. The quartet has been touring and recording together for fitteen years.

In 2005 she released “I'm with the Band”, and in 2007 “On the Other Side” for both she received Grammy nominations and helped raise Sutton's profile nationally. In 2009, Sutton -- a practicing believer in the Baha'i faith -- returned with Desire. Although the album includes Sutton's interpretations of jazz standards, it also features several recited passages from -The Hidden Words of Bah’u’llah, a sacred Baha'i text.

Reference, All Music Guide
Tradução – Humberto Amorim

O compositor americano Richard Charles Rodgers nasceu em Nova York no 28 de junho de 1902. Compôs mais de 900 canções e quarenta musicais para Broadway, sendo os mais notórias "The King and I", "The Sound of Music" e "Oklahoma", além de trilhas para cinema e televisão.


É mais conhecido por suas parcerias com os letristas Lorenz Hart e Oscar Hammerstein II. Suas composições como "The Lady is a Tramp" e "My Funny Valentine" têm tido um impacto significativo sobre a música popular até os dias atuais.


Rodgers e Marvin Hamlisch são os únicos a terem ganho os prêmios Oscar, Grammy,Emmy, Tony Award e o Premio Pulitzer.


Clique ouvir Matt Giraud cantando de Richard Rogers "My Funny Valentine"


http://www.youtube.com/watch?v=biw2lABwAuI



The American composer Richard Charles Rogers was born in June 28th , 1902 in New York City and was one of the most successful and celebrated composers of the 20th century. His partnerships with lyricists Lorenz Hart (1895-1943) and Oscar Hammerstein II (1895-1960) resulted in dozens of hit musicals for the stage and screen, from Babes in Arms to The Sound of Music. A published songwriter by the age of 17, Rodgers and Hart began collaborating in the 1920s. Between 1920 and 1943 they wrote dozens of musicals for the New York stage and Hollywood movies, including The Boys of Syracuse and Pal Joey. In 1943 Rodgers teamed with Oscar Hammerstein II to write Oklahoma!, a box office smash and a landmark in the history of musical theater. Rodgers and Hammerstein went on to write and produce hit musicals such as Carousel, State Fair, The King and I and The Sound of Music, all of which were adapted for the movies. After Hammerstein's death in 1960, Rodgers continued composing, sometimes writing his own lyrics. Rodgers was known for his catchy melodies and ability to incorporate other musical styles into popular tunes. Some of his songs, such as "My Funny Valentine" and "The Lady is a Tramp" have become jazz standards.
Rodgers also composed for television, winning an Emmy for the music of the documentary series Victory at Sea (1952).

Richard Rogers died in December 1979.

Saturday, June 27, 2009

DOMINGO MEIO DIA EM PONTO, A HORA DO JAZZ EM MANAUS.
Ao meio dia deste domingo o programa " Momentos de Jazz", pelas ondas da Radio Amazonas FM 101,5 (www.amazonasfm.com.br) vira cenário radiofônico para acolher o encantamento da voz de Francis Albert Sinatra.
Frank Sinatra, cantor e ator, foi um dos maiores fenomenos vocais do século XX ao lado de Elvis Presley. Sem nenhum treinamento formal desenvolveu um estilo altamente sofisticado. Sua habilidade em criar uma longa e fluente linha musical sem pausas para respiração (recurso vocal normalmente encontrado em ópera), sua manipulação de frases (apenas encontradas em Billie Holiday e Mabel Mercer) o conduziu bem mais longe do que o usual dos cantores pop. Eis aqui a constatação de uma outra magia Sinatriana: Sinatra não era um cantor de jazz, mas cantava jazz como poucos, amava e respeitava os musicos das orquestras e grupos que o acompanhavam.
Ele apareceu em mais de 50 filmes, teve seu proprio show de TV durante vários anos e nos anos 90 continuou na ativa em concertos e gravações onde lançou uma série de duetos, inclusive via satélite, utilizando recurso da mais moderna tecnologia.
The Voice ( a Voz) ou Blue Eyes (Olhos Azuis) como também era conhecido, por certo continuará influenciando outras gerações.
Os ouvintes que participarem do programa pelo telefone 3216-5504 e acertarem o nome do guitarrista que acompanhou Sinatra no show de Paris em 1964 e durante muitos anos, estarão concorrendo a receber , o ultimo album do cantor (importado), lançado pela familia Sinatra em maio ultimo, o CD "Sinatra Live at the Meadowlands".
Conto com tua audiência e participação.
O melhor está a caminho.
Enaqunto seu lobo não vem, ouça Sinatra cantando para a maravilhosa Ava Gardner, amor de sua vida.
Humberto Amorim
Produtor/Apresentador
This profile was inspired by an exceptional article published on "All About Jazz" webpage by Derek Taylor called “St. Elmo’s Fire” where he focuses and expands on Elmo Hope’s music and recordings. Please read it!!


St. Elmo Sylvester Hope was born in New York on June 27, 1923, began piano studies by age seven and went on to win prizes for his piano recitals. He was a childhood friend of Bud Powell, and Thelonious Monk and they would play piano for each other. He continued to play and improve and upon his return from the army in 1943, he dedicated his life to jazz piano, paying his dues in small clubs in the Bronx, Greenwich Village, and Coney Island.


There were recording sessions while he was working with ex-Lionel Hampton trumpeter Joe Morris between 1948 and 1951, but that didn’t really garner much exposure. It was not until June of ’53 where dates with Lou Donaldson and Clifford Brown for Blue Note started to give Elmo Hope a name in jazz circles. He followed quickly with some sessions as leader, and another with Frank Foster, both for Prestige. There were further Prestige sides cut with top players as John Coltrane, Donald Byrd, with Paul Chambers bass and Philly Joe Jones on drums. These were originally called “Informal Jazz”, but as Coltrane became a bigger name the title was changed and Hope became regulated to the role of sideman.


His piano style was overshadowed by the growing popularity of both Powell and Monk, and though he was in there since the beginning of the bebop movement, he was compared to and judged against the other two. His cabaret license was pulled for a previous drug conviction and this severely limited where he could work if at all. This would start a cycle of disillusionment and frustration that would hound him all his life.



California seemed like the place to try it next, and so in 1957 he went west with Chet Baker. Hope was suffering from respiratory aliments, and the dry climate suited him just fine. There was a brief spell working with Lionel Hampton, then joining Harold Land, with whom he recorded “The Fox” in ’59, followed by a session with his own trio. He married in California in 1960, and was at least happy and healthy.


But there was not much work out on the coast for a bebop pianist, and he grew restless again. So it was back to New York, where in ’61 he recorded “Homecoming” (Riverside) with Blue Mitchell, Jimmy Heath, and Frank Foster, these sessions included Percy Heath on bass and Philly Joe Jones on drums, who were on his trio sides at this time. There was a solo piano effort where he was joined by his wife Bertha, also a pianist. There were a couple of more recordings in ’61 for the Celebrity and Beacon labels, which were remakes of some of his older material.


Elmo Hope would reemerge in 1963 to record “Sounds from Riker’s Island” (Audio-fidelity) and it was not until 1966 he would record two more as a trio for the same label. These last two were released years later, as many of his recordings were, in a posthumous revival of his music, heralded as a cult figure in the shadows of bebop. In 1967 he was hospitalized with pneumonia, and consequently suffered a heart attack. Elmo Hope died on May 19, 1967.


I intentionally did not dwell too much on the negative aspect of Elmo Hope’s life. Just shedding a brief light on a pianists short career, in the tough world of bebop jazz in the ‘40’s and ‘50’s where there were not many who survived the rigors of the lifestyle and the demands of the music. A lot of players, not just pianists, fell by the wayside, but the music lives on, and we are all better for it.

Friday, June 26, 2009


O cantor, compositor, ex-ministro da Cultura Gilberto Gil, nasceu em Salvador, no 26 de junho de 1942 e passou a infância em Ituaçu, no interior da Bahia, onde começou a se interessar pela música das bandas da cidade e pelo que ouvia no rádio, como Orlando Silva e Luiz Gonzaga.


Aos 9 anos muda-se para Salvador com a irmã, para terminar o colégio, e começa a aprender acordeom. Durante a juventude intensifica os estudos musicais, formando aos 18 anos o conjunto Os Desafinados. No fim dos anos 50, João Gilberto se torna uma influência importante para Gil, que passa a tocar violão. Na faculdade, faz contato com a música erudita contemporânea por meio do vanguardista grupo de compositores da Bahia, que incluía Walter Smétak e Hans Joachim Koellreuter.


Em 1962 grava o primeiro compacto solo ("Povo Petroleiro" e "Coça Coça, Lacerdinha"), e conhece Caetano Veloso, Maria Bethânia e Gal Costa. No ano seguinte, com a entrada de Tom Zé no grupo, fazem o show "Nós, Por Exemplo", no Teatro Vila Velha, em Salvador, que inaugura a carreira dos quatro artistas. Logo em seguida Gilberto Gil se muda para São Paulo, onde trabalha na empresa Gessy-Lever durante o dia e freqüenta bares e casas de show durante a noite.


É nessa época que conhece Chico Buarque, Torquato Neto e Capinam. Começa a se tornar mais famoso no programa de televisão O Fino da Bossa, comandado por Elis Regina. Lá apresenta, entre outras, suas composições "Eu Vim da Bahia" e "Louvação". Com o sucesso, abandona o emprego na Gessy-Lever e assina contrato com a Philips, que lança seu primeiro LP, "Louvação", em 1967. Já radicado no Rio de Janeiro, Gil participa de festivais da Record e da TV Rio e chega a ter seu próprio programa na TV Excelsior, o Ensaio Geral. Separado da primeira mulher, passa a viver com a cantora Nana Caymmi, que defende "Bom Dia" (parceria dos dois) no 3º Festival da Record, em 1967. No mesmo festival Gil toca "Domingo no Parque" acompanhado pelos Mutantes, uma das músicas mais impactantes do festival, classificada em segundo lugar. "Alegria, Alegria", de Caetano Veloso, classificada em quarto no mesmo festival, formaria junto com "Domingo no Parque" o embrião do movimento tropicalista, em boa parte por causa da inserção de guitarras elétricas em uma música que não era rock.


Em 1968 lançou o LP "Gilberto Gil", dando início ao Tropicalismo, e tendo ele e Caetano Veloso como principais figuras. Com uma proposta de antropofagia de valores culturais estrangeiros baseada em idéias de Oswald de Andrade, o tropicalismo se concretizou com "Tropicália ou Panis et Circensis", disco que contou, além de Caetano e Gil, com Os Mutantes, Torquato Neto, Capinam, Gal Costa, Tom Zé, Nara Leão e arranjos do maestro Rogério Duprat.


Em 1969 foi preso pela ditadura militar, e lançou a irônica "Aquele Abraço", uma de suas músicas mais famosas. Em seguida partiu com Caetano para o exílio na Inglaterra. Voltou em janeiro de 1972, para um show em que lançou músicas como "Oriente" e "Back In Bahia", do seu disco seguinte, "Expresso 2222". Desde o final dos anos 60 Gilberto Gil se consolidou como uma das mais criativas e influentes personalidades da música brasileira.


Sempre em sintonia com o que ocorre de novo na música mundial, seus discos são lançados em diversos países e sua carreira internacional já lhe rendeu inclusive um Grammy na categoria Melhor Disco de World Music em 1998, pelo álbum "Quanta Ao Vivo".


Em 72, revitalizou a cultura nordestina no LP "Expresso 2222", mais tarde, reviu a brejeirice sertaneja em "Refazenda". Em 79, o álbum "Realce" foi um divisor de águas em sua carreira, quando começou a flertar com o reggae e o pop. São desta fase ainda os LPs "Luar", "Um Banda Um", "Extra", "Raça Humana", "Dia Dorim, Noite Neon" e "O Eterno Deus Mu Dança".


Sua atualidade pode ser percebida por meio de seus discos, caso do pioneiro CD "MTV/Unplugged" (1994), que lançou uma verdadeira mania de discos acústicos no Brasil, e de "Tropicalia 2" (ao lado de Caetano Veloso), em que flerta com o rap na faixa "Haiti". Entre os discos "Quanta" e sua versão ao vivo, "Quanta Gente Veio Ver", lançou, sem maior publicidade, "O Sol de Oslo", pelo selo Pau Brasil, ao lado dos músicos Marlui Miranda, Rodolfo Stroeter, Bugge Wesseltoft e Toninho Ferragutti. Em 2000 teve seu maior sucesso radiofônico em vários anos com o xote "Esperando na Janela", de Targino Gondim, da trilha sonora do filme "Eu, Tu, Eles", interpretada por Gil. No mesmo ano iniciou parceria com Milton Nascimento, cristalizada no disco "Gil e Milton".


Dentre seus muitos sucessos em mais de 35 anos de carreira, os maiores foram "Preciso Aprender a Só Ser", "Refazenda", "Expresso 2222", "Eu Só Quero um Xodó" (Dominguinhos/ Anastácia), "Maracatu Atômico" (Jorge Mautner/ Nelson Jacobina), "Punk da Periferia", "Parabolicamará", "Bananeira" (com João Donato), "Divino Maravilhoso" (com Caetano), "Filhos de Gandhi", "Haiti" (com Caetano), "Sítio do Pica-pau Amarelo", "Soy Loco por Ti America" (com Capinam), "Realce", "Toda Menina Baiana", "Drão", "Se Eu Quiser Falar com Deus", "Estrela" e muitas outras.


Nos anos 80 foi vereador em Salvador militando por causas ecológicas no Partido Verde. Atualmente, abandonou, pelo menos aparentemente, a politica e retoma a carreira artistica pouco a pouco.
Clique pra se alegrar com a musica de Gil.

O pianista, produtor,arranjador, executivo e bandleader Dave Grusin nasceu no 26 de junho de 1934, em Littletown, Colorado. Apesar de tocar piano com certo índice de excelência, foi na composição para trilhas sonoras de filmes e para televisão que desenvolveu maior destaque profissional.

Seu primeiro grande trabalho foi como diretor artístico e pianista do cantor Andy Willimas de 1959 a 1966, quando então partiu para compor de forma mais freqüente para televisão.

Dave gravou com Benny Goodman e também com Milt Hinton e Don Lamond no inicio dos anos 60. Com um quinteto tocou com Thad Jones e Frank Foster. Fez arranjos e gravou com Sarah Vaughn, Quincy Jones e Carmen MacRae nos anos 70. Tocou keyboard eletrônico com Gerrty Mulligan e Lee Ritenour e ajudou a formar a gravadora GRP.

Atualmente, Dave Grusin participa de inúmeros projetos que vão da fusão, pop, até orquestras sinfônicas.
Clique para acompanhar Dave Grusin em ação com o fabuloso saxman Michael Brecker.
http://www.youtube.com/watch?v=x_sVUoYJxfo



Dave Grusin has been a highly successful performer, producer, composer, record label executive, arranger, and bandleader. His piano playing ranges from mildly challenging to competent to routine, but he's primarily an accomplished film and television soundtrack composer. Grusin played with Terry Gibbs and Johnny Smith while studying at the University of Colorado. He was the assistant music director and pianist for Andy Williams from 1959 to 1966, and then started his television composing career. Grusin recorded with Benny Goodman in 1960 and recorded with a hard bop trio who included Milt Hinton and Don Lamond in the early '60s. He also played and did a session with a quintet including Thad Jones and Frank Foster. Grusin did arrangements and recorded with Sarah Vaughan, Quincy Jones, and Carmen McRae in the early '70s. He played electric keyboards with Gerry Mulligan and Lee Ritenour in the mid-'70s.

Grusin continued recording through the '80s and '90s, doing numerous projects, from fusion and pop to working with symphony orchestras. He has also conducted the GRP Big Band, scored such films as The Fabulous Baker Boys, and performed duet sessions with his brother, Don, and Ritenour.

Reference - All Music Guide
Tradução - Humberto Amorim

A "All That Jazz", a mais pura e swingada banda jazzistica de Manaus volta a se apresentar logo mais a partir das 22h00 no Bar e Café Adrianópolis, desta vez, para prestar homenagem ao compositor norte-americano Cole Porter que nasceu no mês de junho em 1892 na cidade de Peru, no Estado de Indiana, no Meio-Oeste americano.

Cole Porter foi um grande letrista e compositor de canções populares, tanto para os palcos quanto para as telas de cinema. Suas letras e composições tinham grande sofisticação, virtuosidade técnica e um estilo singular.


Praticamente todas as suas canções viraram clássicos como Begin the Beguine, I Got You Under My Skin, Night and Day, I Get a Kick Out of You e I love Paris, entre outras.


Estamos te esperando por lá.
Humberto, Roger, Leonardo, Guilhermino e Jr. Leal
MICHAEL JACKSON ( 1958 - 2009 ) Michael Jackson, o ícone da musica pop, que durante 45 anos encantou, confundiu e decepcionou a tanta gente em todo o mundo, saiu definitivamente de cena. Seu legado musical torna-se, de agora em diante, patrimonio incontestável de todos que consideram a musica o grande reator dos sentimentos humanos, seja ela na forma que for.
Vai-se o homem, fica o mito, o estilo que fazia dele "the one and only".

Escolhi, para homenagea-lo, gravação que ele fez da musica "Smile", composta por Charlie Chaplin, outro gênio que como ele, fez a diferença, sendo diferente.

Como dizia Michael (está registrado no clip):

Whatever happens, just keep on smiling.
We will, Michael,we will.
R.I.P

http://www.youtube.com/watch?v=iu-rLA4POkI



"Musicians don't retire; they stop when there's no more music in them."

Louis Armstrong

Thursday, June 25, 2009

TRÊS ANOS DE JAZZ.





Na noite do dia 18 de junho enquanto os integrantes da banda " All That Jazz" celebravam com os aficionados do genero jazz, no Bar e Café Adrianópolis, os três anos de felizes atividades, recebi de presente do casal de queridos amigos Sandra e Edson Costa o livro sobre a vida de Frank Sinatra "The Sinatra Treasures" que trouxeram dos Estados Unidos especialmente para marcar a ocasião.

Para todos os presentes, foram momentos inesquecíveis de congraçamento com muita fraternidade e a afirmação incontestável de que estamos no rumo certo promovendo a cultura jazzistica em Manaus, que se firma a cada dia como a capital brasileira do jazz.


Obrigado mais uma vez pelo apoio, incentivo e aplausos. O melhor está a caminho.

Humberto Amorim
Roger Vargas
Robson Silva
Leonardo Pimentel
Guilhermino Souza
Junior Leal
Nelson Nery






JOE CHAMBERS, UM PERFECCIONISTA DEDICADO.
O baterista de jazz Joe Chambers nasceu no 25 de junho de 1942 e muito cedo começou a ser influenciado, não só pelos sons do rock “n” roll de Louis Jordan e Slim Gaillard mas também pela musica clássica de Vivaldi,Wagner, Beethoven e Mahler. O amor pela bateria nasceu bem cedo. Ele declarou certa vez que quem escolhe o musico é o próprio instrumento. Aos quatro anos de idade, tirava sons de panelas e frigideiras dispostos em conjunto, de forma bem instintiva.

A atração maior sobre si, foi exercida através dos sons de Lionel Hamptom e Lester Young que acabaram prevalecendo. Apesar disso, integrou-se a uma banda de R&B que tocava house rock.
Foi somente depois de ouvir Miles Davis que ele foi fisgado definitivamente, para o jazz, aos treze anos.

Os pastores pregavam contra o jazz e as pessoas pararam de dançar e, conseqüentemente, as “big bands” desapareceram. O bebop elevou o jazz da condição folclórica para de um gênero musical mais “cult” e intelectualizado. Foi então que a R&B se popularizou para preencher a lacuna causada pela ausência de um ritmo mais ao gosto do proletariado. O bebop se tornou musica Cult , e Chambers foi personagem de todo este processo revolucionário.

Apesar de toda a sua brilhante trajetória e legado musical, Joe Chambers permanece sem receber, tanto da mídia especializada, quanto do grande público, o devido reconhecimento pelo conjunto de sua obra.

Ao ouvir o CD “ Mirrors”, o leitor vai entender melhor a veracidade desta infeliz realidade.

Clique para ouvir e ver Paul Chambers em ação.

http://www.youtube.com/watch?v=4_GskCCFBnI
Born and raised near Philadelphia to a musical family, Joe Chambers heard not only the rock and roll of Louis Jordan and Slim Gaillard, but the classical of Vivaldi, Wagner, Beethoven and Mahler. Drums came early. “I think an instrument picks you. I used to play on post and pans when I was little. I was setting them up like a kit at four years of age, so the instincts were there.”
More taken with Lester Young and Lionel Hampton than Little Richard, Chambers nonetheless soon joined a band playing all the R&B hits of the day. “We played 'house rock,' horn players walking the bar like Big Jay McNeely and Tiny Bradshaw. But then I started hearing esoteric jazz like Miles Davis, and that grabbed me. When I heard that at age 13, immediately I was hooked.”
Preachers used to preach against jazz. Then the people stopped dancing, killing the big bands. Bebop moved jazz from folkoric to a more cult-oriented and intellectual sound. That's why R&B came in. There was a need for more proletarian music. Bebop became cult music. It was a revolutionary time. I witnessed all of that.”
A member of the '60s fraternity that recorded some of Blue Note's greatest music, Joe Chambers can lay claim to a place alongside such innovative artists as Freddie Hubbard, Wayne Shorter, McCoy Tyner and Bobby Hutcherson. Chambers' intense drumming, a trademark blend of cymbal-driven forward motion, deep rhythmic continuity, and explosive creativity, graced many landmark albums which fostered one of the most fertile eras in recent jazz memory. Chambers' credits include Hubbard's Breaking Point, Hutcherson's Components, Shorter's Schizophrenia and Etcetra, Hill's Compulsion, and Tyner's Tender Moments, as well as Archie Shepp's New Thing at Newport, Charles Mingus' Like a Bird, and Chick Corea's Tones for Joan's Bones and many others.
Chambers' legacy is not only as drummer extraordinaire. A conservatory trained musician, Chambers' compositions have been covered by Hutcherson, Hubbard, and M'Boom. More recently, folowing a handful of fine solo recordings, Chambers scored soundtracks for several Spike Lee films, including Mo' Better Blues.
Still, for all his accomplishments, Joe Chambers is a very humble, almost self-deprecating musician. For all the profound music of which he's played a role, Chambers views his legacy as a day in the life. “When we were making those records we weren't thinking about making history, we were just doing it at the time. You have to realize, I was engrossed in all the subplots of the '60s. In those days it was a different mind set. It was tied to the anti-establishment, anti-war peace and love thing. I was hooked up with that. We didn't talk about peace and love, but we were definitely spaced out. We were making the music.”
His CD “Mirrors” lineup reflects Chambers' past and present: Vincent Herring, saxophones; Eddie Henderson, trumpet; Mulgrew Miller, piano; and Ira Coleman, bass. Chambers performs on both drums and vibraphone.
Like a suite, Mirrors tells a story where each tale is connected, where the musician's performances reveal deeper shades of meaning upon repeated listening.

Tradução – Humberto Amorim
Reference- Fonte – Jass.com

Wednesday, June 24, 2009


Elza Soares nasceu em 23 de Junho de 1937 no Rio de Janeiro. Filha de uma lavadeira e de um operário, foi criada na favela de Água Santa, subúrbio de Engenho de Dentro. Cantava, desde criança, com a voz rouca e o ritmo sincopado dos sambistas de morro.
Aos 12 anos, já era mãe e aos 18, viúva. Foi lavadeira e operária numa fabrica de sabão e, com 20 anos aproximadamente, fez seu primeiro teste como cantora, na academia do professor Joaquim Negli, sendo contratada para cantar na Orquestra de Bailes Garan e a seguir no Teatro João Caetano. Em 1958, foi a Argentina com Mercedes Batista, para uma temporada de oito meses, cantando na peça Jou-jou frou-frou.
Quando voltou, fez um teste para a Rádio Mauá, passando a se apresentar de graça no programa de Hélio Ricardo. Por intermédio de Moreira da Silva, que a ouviu nesse programa, foi para a Rádio Tupi e depois começou a trabalhar como crooner da boate carioca Texas, no bairro de Copacabana, onde conheceu Silvia Teles e Aluísio de Oliveira, que a convidou para gravar.
No seu primeiro disco, gravado em 1960, pela Odeon, cantou Se acaso você chegasse (Lupicínio Rodrigues e Felisberto Martins), alcançando logo grande sucesso. Esse samba fez parte de seu primeiro LP, com o mesmo titulo da música. A seguir, foi para São Paulo SP, para trabalhar no show Primeiro festival nacional de bossa nova, no Teatro Record e na boate Oásis, gravando depois seu segundo LP, A bossa negra. Em 1962, como artista representante do Brasil na Copa do Mundo, que se realizava em Santiago, Chile, cantou ao lado do representante norte-americano, Louis Armstrong.
Nessa época ficou conhecendo o futebolista Garrincha, com quem casaria mais tarde. No ano seguinte, gravou pela Odeon o LP Sambossa, tendo como destaque as músicas Rosa morena (Dorival Caymmi) e Só danço samba (Tom Jobim e Vinícius de Moraes); e, em 1964, lançou pela Odeon Na roda do samba (Orlandivo e Helton Meneses), faixa-título do LP.
Realizando inúmeras apresentações pelo Brasil e nas emissoras de televisão, os LPs se sucederam: em 1965, foi a vez de Um show de beleza, pela Odeon, com, entre outras, Sambou, Sambou (João Melo e João Donato), e Mulata assanhada (Ataulfo Alves); em 1966, saiu pela mesma gravadora o LP Com a bola branca, onde cantou Estatuto de gafieira (Billy Blanco) e Deixa a nega gingar (Luís Cláudio).
Apresentou-se, em 1967, no Teatro Santa Rosa, no show Elza de todos os sambas, e, novamente pela Odeon, gravou em 1969, o LP Elza, Carnaval & Samba, cantando sambas-enredo, como Bahia de todos os deuses (João Nicolau Carneiro Firmo, o Bala, e Manuel Rosa) e Heróis da liberdade (Silas de Oliveira, Mano Décio da Viola e Manuel Ferreira). Em 1970 foi para a Itália, apresentando-se no Teatro Sistina, em Roma, e gravando Que maravilha (Jorge Ben e Toquinho) e Mascara negra (Zé Kéti).
Nesse mesmo ano, gravou o LP Sambas e mais sambas, pela Odeon, interpretando músicas como Maior é Deus (Fernando Martins e Felisberto Martins) e Tributo a Martin Luther King (Wilson Simonal e Ronaldo Bôscoli). De volta ao Brasil, em 1972, lançou, pela mesma etiqueta, o LP Elza pede passagem, onde interpretou Saltei de banda (Zé Rodrix e Luís Carlos Sá) e Maria-vai-com-as-outras (Toquinho e Vinícius de Morais), e apresentou-se no teatro carioca Opinião, no show Elza em dia de graça. Ainda nesse ano, passou uma temporada realizando um show no navio italiano Eugênio C, fez um espetáculo de duas semanas na boate carioca Number One, cantou no Brasil Export Show, realizado na cervejaria Canecão, do Rio de Janeiro, e recebeu o diploma de Embaixatriz do Samba, do conselho de música popular do Museu da Imagem e do Som, do Rio de Janeiro.
Em 1973, gravou o LP Elza Soares, pela Odeon, cantando Aquarela brasileira (Silas de Oliveira) e Pranto de poeta (Nelson Cavaquinho e Guilherme de Brito); e apresentou-se no show Viva Elza, que estreou no T.B.C., na capital paulista, e que depois foi levado em vários Estados. Nos dois anos seguintes, lançou pela Tapecar mais dois LPs, Elza Soares, com Bom-dia, Portela (Davi Correia e Bebeto de São João) e Chamego da crioula (Zé Di); e Nos braços do samba, com faixa-título de Neoci Dias e Dida. Gravou ainda Pilão+Raça=Elza (1977), Somos todos iguais (1986) e Voltei (1988).
A partir de 1986, com a morte de Garrinchinha, seu filho com o jogador de futebol Garrincha (1933 – 1983), passou nove anos na Europa e nos EUA De volta ao Brasil, gravou em 1997 o CD Trajetória, só de sambas, com músicas de Zeca Pagodinho, Guinga e Aldir Blanc, Chico Buarque, Noca da Portela, Nei Lopes e outros.
Nesse mesmo ano, saiu o livro "Cantando Para Não Enlouquecer", biografia escrita por José Louzeiro (Editora Globo).
Clique para ouvir e ver Elza no melhor de si em "Dor de Cotovelo".

Bassist Milt Hinton probably appeared on more records than any other musician in the world, and he remained a vital figure in jazz even into his 80s. He grew up in Chicago and worked with many legendary figures from the late '20s to the mid-'30s, including Freddie Keppard, Jabbo Smith, Tiny Parham (with whom he made his recording debut in 1930), Eddie South, Fate Marable, and Zutty Singleton.
He was with Cab Calloway's orchestra and his later small group during 1936-1951. Considered the best bassist before the rise of Jimmy Blanton in 1939, Hinton was featured on "Pluckin' the Bass" (1939) and was an ally of Dizzy Gillespie in modernizing Calloway's music.After leaving Calloway, Hinton worked in clubs with Joe Bushkin, had brief stints with Count Basie and Louis Armstrong's All-Stars, and in 1954 became a staff musician at CBS, appearing on a countless number of recordings (jazz and otherwise) during the next 15 years; everything from Jackie Gleason mood music and polka bands, to commercials and Buck Clayton jam sessions.
By the 1970s, Hinton was appearing regularly at jazz parties and festivals, and his activities did not slow down for the next two decades; in 1995, he toured with the Statesmen of Jazz. Although a modern soloist, Hinton also kept the art of slap bass alive.
A very skilled photographer, Hinton released two books of his candid shots of jazz musicians, including one (Bass Line) which has his fascinating memoirs. Milt Hinton recorded as a leader for Bethlehem, Victor (both in 1955), Famous Door, Black & Blue, and Chiaroscuro, and as a sideman for virtually every label.

Blues shouter, pop singer, ballad interpreter Helen Humes was born June 24, 1913, in Louisville, KY . This singer often told of beginning her musical life as soon as she was able to reach the keyboard of the piano in her Louisville home. Her attorney father and teacher mother provided generous encouragement as Helen worked her way through aborted tries at the trumpet and clarinet, before settling upon the piano for serious study.
Humes was equally generous in praising her major teacher, Miss Bessie Allen, under whose tutelage many fortunate Louisville youngsters got their start, including such jazz stalwarts as trombonist Dickie Wells and trumpeter/leader Jonah Jones.
With this group and others, frequently led by Miss Allen, Humes performed in a variety of settings in and around Louisville, including those at community center and church affairs, as well as dances and county fairs, often both singing and playing piano. During this period, she recorded in St. Louis at age 14; it is thought that guitarist J. C. Johnson was at this session.
In his American Singers: 27 Portraits in Song, Whitney Balliett describes Humes's early singing: "It was a kind of singing that we can barely imagine learning now. It preceded the microphone and demanded a strong voice, Ciceronian diction, and an outsize presence. The singer was alone onstage. It was also a kind of singing that relied on embellishment and improvisation, on an adroit use of dynamics, and on rhythmic inventiveness. The singer jazzed his songs."
Eventually, she did end up in Harlem's Renaissance Ballroom, on a night when jazz's super scout and promoter, John Hammond, was in the audience. Largely through his encouragement, Humes finally did join Basie's band, replacing Billie Holiday, but only after recording with the fledgling band of trumpeter Harry James in December, 1937, and January, 1938.
By now, the Basie band was deservedly being recognized as the swing powerhouse remembered by all. Its lineup was stocked with jazz legends, including premier blues shouter Jimmy Rushing. Assigned mostly ballad vocals, Humes nevertheless acquired a reputation as a blues singer.
After about three years of recording and traveling with Basie, she worked as a single in several New York clubs, including the Famous Door, the Three Deuces and the Cafe Society Downtown, and recorded in 1942 with the Pete Brown band. Beginning in 1944, Humes appeared in Norman Granz's Jazz at the Philharmonic tour, her first of many. During this period she also toured with pianist Connie Berry, finally settling in California for an extended residence, punctuated by various far- ranging tours.

Helen Humes passed away in 1981.

Click to watch her singing.
http://www.youtube.com/watch?v=H5WKpLvptfY
SHEILA JORDAN, ALIVE AND KICKING.
A veterana cantora de jazz Sheila Jordan que celebrou esbanjando jazz, os seus bem vividos 80 anos de idade durante todo ano passado, tem demonstrado sua classe como cantora de jazz em uma carreira que tem quase 60 anos.


Ela tem um articulado senso de ritmo e fraseado e pode improvisar em torno de uma nota, mas a emoção que retira das letras a faz fora do comum. Jordan prova sua qualidade , outra vez , no CD “Winter Sunshine” , que ela gravou ao vivo no “Upstairs”, um clube de jazz em Montreal em Fevereiro de 2008.


Esta seleção de bem afiados “standards” e originais é de primeira linha. Jordan personifica as palavras e traz um senso de propriedade para sua interpretação. A intimidade, sua vívida interação com a platéia e uma banda composta por músicos excelentes, transforma a experiência em algo afetuoso.A voz de Jordan tem uma graça elegante que se expõe em "Comes Love".


Seu ágil senso de suingue e uso de “scat” elegante dentro do ritmo, bem como seu jeito pulsante de improvisar leva a audiência a marcar a batida. Ela enfeitiça-os e os mantém na palma da mão até a última nota que ela emite na noite. Jordan homenageia Miles Davis em "Ballad For Miles" relembrando os anos prósperos, quando Davis tocava no “Village Vanguard” com Wynton Kelly, Jimmy Cobb, Paul Chambers e John Coltrane. Evoca Billie Holliday na narrativa e segue em "It Never Entered My Mind", fazendo-a soar em tom melancólico. Sua mistura de "All God's Chillun',Got Rhythm/Little Willie Leaps" é outro ponto de destaque.


A melancolia insere-se primeiro antes de passar para a segunda canção. Sheila utiliza elementos do “bop” e usa “scats” com vivacidade e dá pistas de como a letra podem ter sido escritas. Seus “scats” emolduram as performances e a levam a um ponto alto.


Algo poderia ficar inoportuno se a banda não fosse segura. Steve Amirault apresenta idéias cintilantes no piano, com Keiran Overs no baixo e Andre White na bateria adicionando brilho ao ritmo. Jordan continua muito bem obrigado e , não importa o meomento, seu “Winter Sunshine” é mais do que benvindo.


Faixas:


Comes Love; I Remember You; Lady Be Good; Whose Little Angry Man Are You?; Dat Dere; Ballad For Miles/It Never Entered My Mind; All God’s Chillun Got Rhythm/Little Willie Leaps; The Crossing; Sheila’s Blues.


Clique e acompanhe Sheila prestando tributo a Billie Holiday.

http://www.youtube.com/watch?v=NSe3Vf_UGrI




Fonte : All About Jazz
NO ECOP, OPERAÇÃO CENSITÁRIA 2010.
No programa "Encontro com o Povo" desta quinta-feira a partir das 20h40, horário de Brasilia, pelo Amazon Sat canal 44, ( aberto) Net Canal 13 (fechado) e internet www.amazonsat.com.br , os convidados para falar sobre os trabalho que serão realizados pelas Comissões Municipais de Geografia e Estatística, serão o Sr. Jonatas Bentes Picanço, Gerente de Projetos da Unidade Estadual do IBGE Amazonas e Substituto do Chefe da Unidade Estadual e o Sr. José Ilcleson Mendes Coelho, Coordenador Operacional dos Censos 2010 no Estado do Amazonas.
Em 2010 o IBGE realizará o XII Censo Demográfico que se constituirá no grande retrato em extensão e profundidade da população brasileira e das suas caracteristicas sócio-economicas e, ao mesmo tempo, na base sobre a qual deverá se assentar todo planejamento publico e privado da proxima década.
A fase preparatória da operacão censitária teve inicio em 2007 e seus trabalhos foram intensificados a partir de 2008. A coleta está fixada para começar em 1 de agosto de 2010 e o inicio da divulgação dos resultados em dezembro do mesmo ano.
Contamos com tua valiosa audiência.
Humberto Amorim
Apresentador
Livia Braga
Produtora

Tuesday, June 23, 2009


Saxofonista Donald Harrison nasceu no 23 de junho de 1960 e foi apontado como um dos mais importantes músicos do novo milênio. Também ficou conhecido nos meios jazzísticos como o “Rei do Novo Swing” por suas experiências de fusão do jazz clássico com o swing acústico, R&B, Hip-Hop, reggae e a musica típica do Carnaval de Nova Orleans (Mardi Gras) conhecida como Musica Indígena.

O registro emblemático de “Indian Blues”, na qual Harrison captura toda essência da cultura do Carnaval Mardi Gras através de um contexto jazzístico, tornou-se um divisor de águas. Seu mais recente trabalho intitulado “The New Sounds of New Orleans” eleva para patamar superior a categoria da musica de Nova Orleans. Harrison habilmente mescla os sons do Mardi Gras com o Hip-Hop, R&B e o Funk.

A clássica gravação em jazz no CD “Heroes” já está disponível e envolve um trio que tem a participação dos inovadores do jazz o veterano baixista Ron Carter e baterista Billy Cobham.

Apesar de toda projeção, o saxofonista continua intrinsecamente ligado às suas raízes musicais de Nova Orleans e se firma cada vez mais como um artista de versatilidade impar que passeia por todos os estilos, com originalidade.

Clique para ouvir Donald Harrison executando uma de suas muitas composições.

(The King of Nouveau Swing)
Jazzman Donald Harrison was born June 23,1960 in New Orleans, and is called one of the most important musicians of the new millennium.
A list of his accomplishments shows that he has developed into a musical category unto himself. In the classic jazz genre, he is the originator of the “Nouveau Swing” style which merges acoustic swing with modern R&B, second-line, hip-hop, Mardi Gras Indian music (New Orleans African American roots culture), and reggae rhythms.
His ground-breaking recording, “Indian Blues” captured the essence of Mardi Gras Indian culture within a jazz context. His latest New Orleans recording, “The New Sounds of Mardi Gras,” updates New Orleans music. It puts the sounds of Mardi Gras into Hip-hop, R&B, and Funk. Harrison’s newest Classic Jazz recording, “Heroes,” is now available. The CD is a trio recording with the great bass innovator Ron Carter and drum innovator Billy Cobham.
Today the saxophonist is regarded as one of the most influential musicians of these times, yet he remains inextricably tied to his New Orleans roots. The son of late great Mardi Gras Indian Chief Donald Harrison, Sr. began working with Roy Haynes at age 19 and Jack McDuff at age 20.
He also worked throughout the 90's with a wide variety of world-class talents. Such notables include Lena Horne, Spike Lee, Latin jazz giant Eddie Palmieri, and the smash hip-hop groups, Jazzmatazz, The Notorius BIG, and Digable Planets. All of this diverse experience fuels Harrison's dynamic sound.
He is one of the few musicians who can play it all - from traditional New Orleans, to swing, bop, post-bop, modern, smooth, avant-garde, and beyond. Yet, Harrison has developed his own personal style that traverses and synthesizes all these mediums with great success. Through talent and perseverance, Harrison has developed into one of the most significant artist to emerge in the last twenty years!
BENNY GOLSON, NEW TIME, NEW TET.
Degustei neste fim-de-semana o CD "New Time New Tet"e recomendo sem hesitar, para meus leitores de bom gosto, este disco de estréia , lançado em janeiro ultimo, do novo “jazztet” do saxofonista Benny Golson (na foto), que revive o sexteto com um saxofone, um trompete e um trombone na linha de frente, que apresenta um trabalho compacto e som sofisticado.


Liderado pelo veterano saxofonista e compositor Benny Golson, detentor do Grammy pelo conjunto de sua obra, a nova versão do “jazztet” apresenta o trompetista Eddie Henderson, o trombonista Steve Davis, o pianista Mike LeDonne, o baixista Buster Williams e o baterista Carl Allen.


“New Time, New Tet” apresenta uma suíte em que Golson une novas composições inspiradas por Giuseppi Verdi e Frederic Chopin ao repertório clássico do jazz. As faixas incluem o clássico de Golson “Whisper Not” (com o vocalista Al Jarreau), “Gypsy Jingle-Jangle”, “Airegin ” de Sonny Rollins, “Uptown Afterburn”, “From Dream To Dream,” “Love Me In A Special Way,” “Verdi’s Voice” e “Bronislau Kaper.”


Por três anos , entre 1960 e o fim de 1962, o “jazztet” original, co-liderado por Benny Golson e Art Farmer , produziu sete álbuns. Golson, que completou 80 anos no dia 25 de Janeiro, foi homenageado no “The Kennedy Center” em Washington, D.C., por diversas estrelas , entre as quais estão Al Jarreau e The Clayton-Hamilton Big Band .


Foi, também, publicado o livro “Whisper Not: The Autobiography of Benny Golson” e uma coletânea das melhores performances de Golson lançada também em Janeiro pela própria “Concord Jazz”.


Este CD, foi direto para minha lista de prcciosidades. É um "must have" para os aficionados do genero jazz.
Click para acompanhar Benny Golson na companhia do trompetista Freddie Hubbard em "Whisper Not"

Monday, June 22, 2009



Ray Mantilla was born June 22, 1934 in the rhythm rich, dance-crazed atmosphere of the South Bronx in New York City where Afro-Cuban rhythmic forms transmogrified with jazz harmonies and sensibilities in the streets, the homes and dance halls.


By 21, Mantilla was on the bandstand playing conga drums along with contemporaries Eddie Palmieri and Ray Barretto, playing that unique Neo-Nuyorican synthesis known as 'salsa'.With flutist Herbie Mann, Ray Mantilla entered the international spotlight in 1960. Then, Max Roach invited him to be part of the classic "Freedom Now Suite" recording.


After a stint in Puerto Rico where he honed his skills on the trap set, Ray returned to the States to find himself touring nationally and in Europe and Japan with Art Blakey and the Jazz Messengers. For the seven years Ray was with Blakey, he occupied his off-hours doing studio work while recording and performing with almost every major figure in jazz including singers Eartha Kitt and Josephine Baker.


In 1977, Ray Mantilla became the first North American Latin musician to play in Cuba since the Cuban Revolution when he appeared there as an essential member of the historic goodwill ensemble led by Dizzy Gillespie.

Ray Mantilla's career has included membership in many legendary Jazz and Latin Jazz ensembles. A short list of Mantilla's credits includes, Max Roach, Charles Mingus, Ray Barretto, Gato Barbieri, Sonny Stitt, Bobby Watson, Herbie Mann, Tito Puente, Cedar Walton, and Freddie Hubbard. Prolific in the studio, Mantilla can be heard on more than 200 albums.


He has appeared in all major clubs in New York City -- the Apollo Theater, Palladium, Blue Note, SOB's, Birdland, Fat Tuesday's, Village Gate and the Village Vanguard in addition to many major international jazz festivals such as Sanremo, the Pori Jazz Festival, JVC Jazz Festival, Montreaux Jazz Festival and the Grande Parade du Jazz.


In 2003 Ray Mantilla signed with Savant Records and his first record for the label, “Man-Ti-Ya” was released . His latest recording, “Good Vibrations” adds the unique sound of Mike Freeman’s vibes to his ensemble.
Click to watch Ray letting it all hang out.
Reference - Latin Rhythm
HERMETO PASCOAL, A MUSICA ENTRE O ALFA E O BETA.Eu, com Hermeto, Aline Morena e o pianista do trio que se apresentou em Manaus.

O multi-instrumentista brasileiro Hermeto Pascoal nasceu em Lagoa da Canoa, município de Arapiraca, Alagoas no dia 22 de junho de 1936. Ele foi um prodígio musical: começou com a flauta e aos oito anos já tocava sanfona. Com onze anos estava tocando nos bailes e forrós em torno da região de Arapiraca. Quando estava com quatorze, sua família se mudou para Recife, e Hermeto começou a ganhar dinheiro em programas de rádio.
No final dos anos 50 ele se mudou para o sul, para São Paulo. Sua voracidade musical era enorme e aos poucos ele aprendia a tocar de tudo que viesse em seu caminho: piano, baixo, palhetas, percussão, enfim, tudo. Como qualquer músico da sua época, integrou grupos de bossa nova no começo dos anos 60, tocando com artistas que hoje têm carreiras respeitáveis, como são as dos artistas Airto Moreira, Heraldo do Monte e Sivuca (com quem tinha um trio de acordeons chamado "O Mundo em Chamas".
Em 1964, fundou o "Sambrasa", trio com Airto Moreira e o baixista Humberto Clayber. Mais tarde, Airto estava num grupo chamado "Trio Novo" com os guitarristas Heraldo do Monte e Theo de Barros; Hermeto se reuniu ao grupo que passou a se chamar "Quarteto Novo". O Quarteto se dedicava a uma reinvenção progressiva das canções nordestinas. Tocavam baião, xaxado, mas os arranjos eram muito jazzy, em tempo 4/4 com modernas harmonias. Infelizmente, o grupo só gravou um disco "Quarteto Novo" em 1967. Esse grupo exerceu uma profunda influência na música instrumental brasileira na década de 60 e os efeitos até hoje podem ser sentidos.
Em 1970, Airto convidou Hermeto para gravar um disco nos Estados Unidos. Antonio Carlos Jobim, Duke Pearson e Flora Purim também tinham interesse em sua permanência por lá. Ele também gravou com o poderoso Miles Davis, e contribuiu com duas canções para o álbum de 1970, "Live Evil": Igrejinha (Little Church) and "Nem Um Talvez" (Not even a maybe).
Enquanto esteve nos Estados Unidos, o multi-instrumentista pode apresentar suas extraordinárias habilidades como improvisador em concertos, e suas composições originais e idiossincráticas.
Teve sua obra gravada por vários artistas, entre eles, Gil Evans e a Sinfônica de Berlin. As canções de Hermeto compõe são choro, frevo, maxixe, baião, jazz e de outras naturezas, misturando tudo livremente, em combinações pouco usuais: uma só canção pode possuir vários rítmos.
Hermeto retornou ao Brasil em 1973, onde gravou "A Musica Livre De Hermeto Paschoal", e depois voltou aos States onde gravou em 1976, "Slave Mass". Este disco, além dos instrumentos exóticos que sempre o acompanham, ele teve a presença e o companheirismo dos talentos de Airto, Flora Purim, Laudir de Oliveira, Raul de Souza, David Amaro, Ron Carter, e Alphonso Johnson.
Seus discos gravados no Brasil, apresentaram novos músicos como Pernambuco (percussão), Jovino Santos Neto (keyboards e flautas), Marcio Bahia (bateria), Carlos Malta (flautas, saxofones) e Itibere Zwang (baixo).
NOTA DO BLOG - Durante um intervalo da participação de Hermeto Pascoal no Festival de Jazz de Manaus em Julho do ano passado, almoçamos juntos, conversamos sobre os planos dele para o futuro e ele me esclareu uma pendenga que perdura por muitos anos envolvendo o grande Miles Davis. Quando Hermeto gravou com Miles Davis, o nome de Hermeto não constou do crédito do disco como compositor da musica. Hermeto disse que não houve maldade por parte de Miles, o que ocorreu foi que a editora do selo do disco, suprimiu por engano, o nome do musico brasileiro, mas em uma nova edição do CD tudo foi corrigido.
Disse-me também, quando indaguei em que genero musical situava sua musica, fechando os olhos com a cabeça voltada para o teto: "Meu querido Humberto, a minha musica não tem genero, ela ocupa um espaço entre o Alfa e o Beta, o ouvinte preciso localiza-la com o coração e a inteligencia".

Click para ver e desfrutar a musica de Hermeto em direção ao meio do Alfa e do Beta.

O musico brasileiro Eumir Deodato nasceu no dia de hoje, 21 de junho, em 1942, no Rio de Janeiro. Começou tocando acordeão aos doze anos. Depois disso, iniciou seus estudos em piano e arranjo e regência de orquestra.


Estritamente autodidata, ele mergulhou nos livros teóricos, passando noites incontáveis analisando as partituras para orquestras. Deodato se tornou um do mais ativos arranjadores e pianistas do Rio, gravando com Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina e Antônio Carlos Jobim. Em 1968, Deodato se mudou para New York e começou a trabalhar com Luiz Bonfá, e também fazendo trabalhos de estúdio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antônio Carlos Jobim e Marcos Valle.


Depois de escrever arranjos para "Samba de Praia" de Astrud Gilberto, ele foi contratado por Creed Taylor para fazer arranjos dos artistas da CTI, como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond e Tom Jobim. Sua reputação nos campos pop e black music ficou fortalecida pelos trabalhos com Frank Sinatra, Roberta Flack e Aretha Franklin. Seu álbum de estréia como líder foi em 1973, ao vivo no Madison Square Garden em New York, que ficou famoso com a gravação de "Also Sprach Zarathustra".



Destaque para suas produções para Michael Franks, Chuck Mangione, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners) e Kool & The Gang's. Nos anos 90, Deodato continuou sendo uma força vital trabalhando com a cantora islandesa Björk, fazendo arranjos para três álbuns para ela: Post(1995), Telegram(1996) e Homogenic(1997).


Ele arranjou e produziu em 1996 um álbum para Gal Costa (1996) e fez arranjos para Titãs e Carlinhos Brown. Em 1999, ele fez a trilha de "Bossa Nova" de Bruno Barreto e o ano seguinte produziu o disco do filme para a Verve. depois realizou trabalhos para a cantora nipo-brasileira Lisa Ono e para a cantora de jazz Ann Hampton Callaway.


Em novembro de 2001, Deodato participou em um concerto em benefício de New York onde tocou sua famosa música (Also Sprach Zarathustra: 2001). A reação foi fantástica, o que o encorajou a voltar a fazer concertos. Ele realizou apresentações selecionadas, a começar pela Vienna Opera House, como parte do Vienna Summer Jazz Festival.


Em 2004, Deodato realizou arranjos de orquestra para K.D Lang e desde então tem excursionado pelo mundo e gravado com certa frequência.
Acompanhe Eumir Deodato desenvolvendo com grande orquestra "Also Sprach Zarathusca".


Fonte - ATJ

Sunday, June 21, 2009


Jazz pianist Eric Reed was born in the musically rich city of Philadelphia June 21,1970. He grew up playing his father's storefront Baptist church, starting at the age of five. His father was a minister an also used to sing with a gospel grup in Philly called the "Bay State Singers". He was Eric's earliest musical influence.


He was also was hit heavily by the sound of Christian and secular music of the 1970s (most notably Edwin & Walter Hawkins, Andrea Crouch and James Cleveland). Soon after, young Reed was bitten by the Jazz bug after hearing recordings by Art Blakey, Ramsey Lewis and Dave Brubeck.

Blessed by God as a child prodigy, Eric started playing piano at age two, beginning formal instruction at age five, starting at Philadelphia’s Settlement Music School at age seven. However, he remained primarily self-taught, often confounding his instructors by not learning the written music, but listening to them play it first and memorizing musical pieces note-for-note.


At 18, Eric began touring the world with his own ensembles and recording both as a leader and sideman, making serious waves in the world of music. He garnered great notice with Wynton Marsalis’ Septet (1990-91; 1992-95) and spent two years with the Lincoln Center Jazz Orchestra (1996-98), making countless recordings and TV appearances with them. Reed also worked in the bands of Freddie Hubbard and Joe Henderson (1991-92).

In 2005, Eric formed a quartet with fellow Los Angelean Willie Jones III, bassist Gerald Cannon and tenor & soprano saxophonist Stacy Dillard. They currently hit the performing circuit quite vigorously.


Eric’s latest release, entitled "Here" was out in May 2006 on the MaxJazz label and features drummer Willie Jones III and bassist Rodney Whitaker.


Click to watch Eric Reed in action.


Saturday, June 20, 2009

TEM JAZZ AO MEIO DIA DO DOMINGO EM MANAUS.

Neste domingo a partir do meio-dia em ponto, Manaus será inundada pelo contéudo jazzístico do nosso programa "Momentos de Jazz" através das ondas da Radio Amazonas Fm 101,5 (http://www.amazonasfm.com.br/).


Ninguém acertou de quem era a voz do cantor misteriosos no programa do domingo passado. Irei revela-lo daqui a pouco. A promoção continua. Neste domingo será uma cantora misteriosa. O ouvinte que acertar seu nome receberá do programa o CD "Divas do Jazz". Anota o telefone do estudio e habilite-se: 3216-5504


Vamos iniciar com o cantor canadense Michael Bublé revelando seu lado bem latino/italiano e ao mesmo tempo abrindo caminho para um elenco de renome, considerado. Sintam só: Steve Tyrell, Barry Manilow, Jack Jones, John Stevens, Curt Stigers,George Michael, Harry Connick Jr., Renzo Arbore, Djavan,Tom Postilio, Kenny Rankin, James Darin.


No segundo set vamos degustar o CD "Before" de Gladys Knight (and the Pips, lembram?). Ela começou ainda adolescente na sua cidade-natal Atlanta, cantando na banda da Escola Secundária, e o resto é história. Pois bem, neste album resolveu para nosso gáudio, homenagear Billie Holiday, Sarah Vaughn,Ella Fitzgerald e Dinah Washington e as canções, que ela mesma escolheu, são todas suas favoritas. Ja imaginaram o resultado?


Ouro talento inquestionável integra a nossa audição - Natalie Cole no seu mais recente CD "Still Unforgettable" no qual ela repete o passeio musical pelo Great American Songbook e volta a fazer dueto eletrônico com seu pai o pianista e cantor de jazz Nat King Cole . Imperdívellllll.


O ultimo set será com Reneé Olsted, jovem cantora texana de jazz que aniversariou esta semana e que, não conformada por ter revelado seus dons como atriz de cinema, resolveu nos brindar também com seu talento e belissima voz. Vale a pena conferir.


Taí o repertório do programa. Conta para os amigos e depois, a gente se encontra amanhã ao meio dia.


O melhor está a caminho.


Até jazz!!!!


Humberto Amorim

Locutor/Produtor
ERIC DOLPHY, TOO OUT TO BE IN AND TOO IN TO BE OUT.
O saxofonista de jazz Eric Dolphy nasceu no 20 de junho de 1928 em Los Angeles. Aos sete anos iniciou seus estudos na clarineta e no oboé. Depois de se graduar em sax-alto, seu amigo Hampton Hawes o colocou na rota de Charlie Parker.


Quando fez seu disco de estréia "Outward Bound" como líder, para o selo Prestige, em 1960, o crítico da Downbeat, Don McMichael deu cinco estrelas e em tom profético, escreveu: "Este homem será o jazzman mais premiado da próxima década".


Enquanto Dolphy caminhava para ser uma figura decisiva nesse começo dos anos 60, o bebop passava por inovações e se desenvolvia para formas mais livres.


Inspirado por músicos como Gerald Wilson, em 1948 Dolphy deu seu primeiro grande passo tocando na banda de Roy Porter e durante os anos 50 tocou com Buddy Collette e Harold Land.


Em 1958 ele participou do Chico Hamilton Quintet e se mudou para New York em 1960 onde trabalhou com Charles Mingus.

Enquanto desenvolvia seu principal trabalho como sideman de Mingus, Dolphy também gravou com dois titãs do jazz, Ornette Coleman e John Coltrane. Mas foi através de seus álbuns, incluindo os gravados na Prestige entre 1960 e 1961 e principalmente sua obra-prima, “Out To Lunch”, gravado em 1964 para a Blue Note, que o estabeleceram como um grande e controverso talento.


Ele não era só um virtuoso na flauta, sax-alto e baixo-clarineta, mas também improvisador com alto espírito de inovação.Hoje Dolphy é altamente considerado pelo conhecedores de jazz em relação às suas distintas vozes instrumentais: as vibrações líricas da flauta, os vôos do sax-alto e os rompantes do clarinete-baixo.


A propensão dele por buscar adiante novas idéias harmônicas o colocaram dançando numa linha virtuosa entre consonância e dissonância.


Eric faleceu prematura e tragicamente, aos 36 anos, depois de desmaiar nas ruas de Berlim, ser levado para o hospital e os medicos terem confundido o coma diabético com uma overdose, causada pelo excesso de drogas, ocorrencia comum, entre os jazzistas da época.



Eric Allan Dolphy was a jazz musician who played alto saxophone, flute and bass clarinet.
Dolphy was one of several groundbreaking jazz alto players to rise to prominence in the 1960s. He was also the first important bass clarinet soloist in jazz, and among the earliest significant flute soloists; he is arguably the greatest jazz improviser on either instrument. On early recordings, he occasionally played traditional B-flat soprano clarinet.


His improvisational style was characterized by a near volcanic flow of ideas, utilizing wide intervals based largely on the 12-tone scale, in addition to using an array of animal-like effects which almost made his instruments speak. Although Dolphy's work is sometimes classified as free jazz, his compositions and solos had a logic uncharacteristic of many other free jazz musicians of the day; even as such, he was definitively avant-garde. In the years after his death his music was more aptly described as being “too out to be in and too in to be out.”

Dolphy was born in Los Angeles June 20,1928 and was educated at Los Angeles City College.


Coltrane had gained an audience and critical notice with Miles Davis's quintet. Although Coltrane's quintets with Dolphy (including the Village Vanguard and Africa/Brass sessions) are now legendary, they provoked Down Beat magazine to brand Coltrane and Dolphy's music as 'anti-jazz.' Coltrane later said of this criticism “they made it appear that we didn't even know the first thing about music (...) it hurt me to see (Dolphy) get hurt in this thing.”
During this period, Dolphy also played in a number of challenging settings, notably in key recordings by Ornette Coleman (Free Jazz: A Collective Improvisation), Oliver Nelson (The Blues and the Abstract Truth) and George Russell (Ezz-thetic), but also with Gunther Schuller and Max Roach among others.

Dolphy's first two albums as leader were Outward Bound and Out There. The first is more accessible and rooted in the style of bop than some later releases, but it still offered up challenging performances, which at least partly accounts for the record label's choice to include “out” in the title. Out There is closer to the third stream music which would also form part of Dolphy's legacy, and reminiscent also of the instrumentation of the Hamilton group with Ron Carter on cello.

Dolphy would record several unaccompanied cuts on saxophone, which at the time had been done only by Coleman Hawkins and Sonny Rollins before him. The album "Far Cry" contains one of his more memorable performances on the Gross-Lawrence standard tune "Tenderly" on alto saxophone, but it was his subsequent tour of Europe that quickly set high standards for solo performance with his exhilarating bass clarinet renditions of Billie Holiday's "God Bless The Child".

In 1964, Dolphy signed with the legendary Blue Note label and recorded "Out to Lunch" (once again, the label insisted on using “out” in the title). This album was deeply rooted in the avant garde, and Dolphy's solos are as dissonant and unpredictable as anything he ever recorded. Out to Lunch is often regarded not only as Dolphy's finest album, but also as one of the greatest jazz recordings ever made.

On the evening of June 28, 1964, Dolphy collapsed on the streets of Berlin and was brought to a hospital. The attending hospital physicians, who had no idea that Dolphy was a diabetic, thought that he (like so many other jazz musicians) had overdosed on drugs, so they left him to lie in a hospital bed until the “drugs” had run their course.


Dolphy would die the next day in a diabetic coma, leaving a short but tremendous legacy in the jazz world, which was immediately honored with his induction into the Down Beat magazine Hall of Fame that same year.


Coltrane paid tribute to Dolphy in an interview: “Whatever I'd say would be an understatement. I can only say my life was made much better by knowing him. He was one of the greatest people I've ever known, as a man, a friend, and a musician.”


Clique para vê-lo em ação. Click to watch Eric doing "Blues Improvisation"
Reference - ATJJ

Tradução - Humberto Amorim

Friday, June 19, 2009

FERAS BRASILEIRAS.
Quem gosta de musica brasileira de primeira qualidade, deve necessariamente se ligar nas transmissões do Canal SESC TV - Canal 3 da SKY - as sextas feiras a partir das 23h00 (horário de Brasilia). Bom exemplo disso é o programa de logo mais a noite, que vai levar ao ar a apresentação de um extraordinário trio de musica instrumental formado por Paulo Paulelli, Celso Almeida e Fabio Torres, no programa Instrumental SESC.
Diretamente do palco para a televisão, Instrumental Sesc Brasil oferece ao telespectador o melhor da música instrumental em shows exclusivos. A apresentação está a cargo da jornalista Patrícia Palumbo, e traz também entrevistas nas quais os músicos falam de suas carreiras e revelam curiosidades em torno de seus respectivos instrumentos. As reprises deste programa estão assim escaladas, sempre no horário de Brasilia para quem mora em Manaus e adjacências:


20/06/2009 : 04h00 : sábado
20/06/2009 : 09h00 : sábado
20/06/2009 : 16h30 : sábado


Para conhecer toda programação acesse - http://200.225.157.150/ui/

Thursday, June 18, 2009


Singer, actress Reneé Olsted born in Houston,Texas in June 18th, 1989, by the age of 14, Reneé Olstead had already amassed a list of credits that could prompt an envious reaction from nearly any adult.
Her appearances in hit films and television programs along with a major-label music debut have practically made her a veteran in the entertainment world. Born in Houston, Olstead developed a great love for music at an early age and honed her voice by singing along with the radio. Before long she was entering talent contests and appearing in local musical productions.
Her aspirations for stardom were documented on video and became the subject of two E! television documentaries, "The Making of a Child Star" and "The Journey Continues." The exposure helped to win her roles in the 1999 films The Insider (Russell Crowe) and End of Days (Arnold Schwarzenegger), as well as 2000's Space Cowboys (Clint Eastwood).
Although she attempted to start a music career with two country-flavored albums, it was acting that continued to keep her employed, and in 2002 she landed a co-starring role in the hit CBS television series Still Standing. With what little time she had to spare, Olstead began performing with a local jazz/swing band around Hollywood, singing an array of standards with a voice that sounded far more mature than her age.
It wasn't long before her musicality caught the attention of famed producer David Foster (Celine Dion, Natalie Cole), and a major-label record deal soon followed. Olstead released her self-titled collection of jazz and pop standards in May 2004, while continuing her work on Still Standing. In 2005, Olstead performed at the Live 8 festival in Berlin, and the following year her sophomore album, Skylark, came out.
Click to see Reneé singing "Taking a Chance on Love"
Reference - Aaron Latham, All Music Guide

Wednesday, June 17, 2009

WILSON SIMONAL E SARAH VAUGHN - MOMENTO HISTÓRICO.
Wilson Simonal foi um cantor que conseguiu tornar-se um dos maiores pop stars brasileiros mesmo depois de anos perseguido pela fama de delator a serviço do regime militar.

Wilson foi o maior nome do estilo musical suingado denominado pilantragem, derivado da música soul (mas que designava também uma postura, espécie de atualização da antiga malandragem),


Simonal começou sua carreira artística no início dos anos 60, cantando em bailes, até ser levado para a televisão, no programa Os Brotos Comandam, de Carlos Imperial. Seu primeiro disco, "Tem Algo Mais", foi lançado em 1963 e projetou seu nome, com a música Balanço Zona Sul, de Tito Madi. Um título apropriado, uma vez que o balanço seria uma das principais marcas registradas do estilo Simonal.


Clique para testemunhar a versatilidade do cantor em um momento histórico, dividindo o palco com a cantora americana de jazz Sarah Vaughn em 1970.




A Associação Americana de Jornalistas de Jazz - Jazz Journalists Association - anunciou hoje pela manhã os vencedores, em diferentes categorias, do prêmio do genero musical jazz de 2009. O grande destaque deste ano, ficou por conta do saxofonista Sonny Rollins e da band leader, regente e compositora Maria Schneider, que faturaram triplamente. Confira a seguir.


Written by Andrea Canter, Contributing Editor
Wednesday, 17 June 2009

Photo of the Year— Hank Jones, Montreal Jazz Festival 2008 © Kris KingToday the Jazz



Journalists Association announced today its 13th annual Jazz Awards, celebrating excellence in jazz music. Founded in 1986, the Jazz Journalists Association (JJA) is an international group writers, editors, photographers, broadcasters, filmmakers, educators and media professionals who promote the appreciation, documentation and promulgation of jazz. The JJA has more than 450 members, mostly in the U.S. and Canada, but also throughout the world. The annual awards are based on online voting of the JJA members.
Composer, arranger, and band leader Maria Schneider was a triple winner, in the categories of Composer, Arranger and Large Ensemble of the Year.
Legendary saxman Sonny Rollins also topped three categories, as Musician of the Year, Tenor Saxophonist of the Year, and for his Historical Recording/Reissue of the Year, Road Shows Volume 1.
Another titan of the saxophone, altoist Lee Konitz was awarded the Lifetime Achievement in Jazz honor.

Maria Schneider © Jimmy KatzFollowing is a full list of the JJA Awards for 2009:
Lifetime Achievement in Jazz --Lee Konitz
Musician of the Year --Sonny Rollins
Composer of the Year --Maria Schneider
Up & Coming Artist of the Year --Esperanza Spalding
Events Producer of the Year --George Wein, New Festival Productions
Record of the Year --Appearing Nightly, Carla Bley Big Band (Watt/ECM)
Latin Jazz Album of the Year --Song for Chico, Arturo O'Farrill (Zoho)
Historical Recording/Reissue of the Year -- Road Shows, Vol. 1, Sonny Rollins (Doxy)
Historical Recording Boxed Set --The Lester Young/Count Basie Sessions, 1936-40 (Mosaic)
Record Label of the Year --Mosaic
Female Singer of the Year --Cassandra Wilson
Male Singer of the Year --Kurt Elling
Instruments Rare in Jazz --Richard Galliano, accordion
Large Ensemble of the Year --Maria Schneider Orchestra
Arranger of the Year --Maria Schneider
Lee Konitz © Andrea CanterSmall Ensemble Group of the Year --SF Jazz Collective
Trumpeter of the Year --Terence Blanchard
Trombonist of the Year --Roswell Rudd
Tenor Saxophonist of the Year --Sonny Rollins
Alto Saxophonist of the Year --Rudresh Mahanthappa
Flutist of the Year --Frank Wess
Baritone Saxophonist of the Year --Gary Smulyan
Soprano Saxophonist of the Year --Branford Marsalis
Clarinetist of the Year --Anat Cohen
Guitarist of the Year --Bill Frisell
Pianist of the Year --Hank Jones
Organist of the Year --Dr. Lonnie Smith
Strings Player of the Year --Billy Bang
Bassist of the Year --William Parker
Electric Bassist of the Year --Steve Swallow
Mallet Instrumentalist of the Year --Joe Locke
Percussionist of the Year --Hamid Drake
Drummer of the Year --Brian Blade
Periodical of the Year -- Jazz Times
Website of the Year --AllAboutJazz.com
Blog of the Year --Jazz Beyond Jazz By Howard Mandel
Best Book About Jazz --A Power Stronger Than Itself: The AACM and American Experimental Music By George Lewis (University of Chicago Press)
Photo of the Year—“Hank Jones, Montreal Jazz Festival 2008” by Kris King
The Lona Foote-Bob Parent Award for Photography --John Abbott
The Willis Conover-Marian McPartland Award for Broadcasting --Ben Young, Director, WKCR (Columbia University)
The Helen Dance-Robert Palmer Award for Review and Feature Writing --Nate Chinen
Lifetime Achievement in Jazz Journalism --Mike Zwerin
The Jazz Foundation of America and the Jazz Journalists Association Special Career Honors for Words with Music--Mark Murphy
A-Team Awards: Herb Alpert (Musician, Producer, Jazz Supporter); Dr. Agnes Varis (Jazz Angel); Bruce Lundvall (Record Man); David N. Baker (Jazz Educator); Timuel Black (Cultural Historian); Steven Saltzman (Chicago Jazz Advocate); Ruth Price (The Jazz Bakery); Clarence Acox (Garfield High School Jazz Band Leader); Scott Brown (Roosevelt High School Jazz Band Leader); Peter Levinson (Author and Publicist); Richard Sudhalter (Author, Journalist, Musician, awarded posthumously)