Saturday, October 31, 2009

RAPHAEL RABELLO, O MOZART DO CHORO

O violonista brasileiro Raphael Rabello nasceu no 31 de outubro de 1962 em uma família grande e musical, começou a tocar violão aos 12 anos, e em seguida formou o conjunto Os Carioquinhas, que tocava choro.



Teve aulas com o lendário violonista Dino 7 Cordas, com quem gravaria um LP em 1991, e por algum tempo dedicou-se a esse instrumento, adotando o nome Rafael 7 Cordas. Considerado um virtuose do violão (de 6 e 7 cordas), tocou com os maiores nomes do choro e do samba, como Elizeth Cardoso e Radamés Gnattali, de quem foi muito próximo nos últimos anos de vida. Lançou, inclusive, em 1986, o disco "Raphael Rabello interpreta Radamés Gnattali".



Em 1989, um acidente de carro resultou em uma fratura múltipla no braço direito que pôs sua carreira em risco. Porém, quatro meses depois o violonista estreava o show "Todo Sentimento" ao lado de Elizeth Cardoso. Um de seus trabalhos de maior sucesso foi o disco que gravou com Ney Matogrosso em 1990, "À Flor da Pele", numa parceria inédita. Gravou também com Paulo Moura, Deo Rian e Romero Lubambo.



Suas interpretações para clássicos do choro como "1 x 0" (Pixinguinha) e "Desvairada" (Garoto) são consideradas antológicas. Em 1992 lançou um disco-tributo a Tom Jobim, "Todos os Tons", com participações do flamenco Paco de Lucia a Jacques Morelenbaum e o próprio Jobim.



Atuou em discos de diversos artistas, e foi um dos mais requisitados violonistas dos anos 80 e 90, famoso por aliar técnica impecável a sensibilidade interpretativa, em qualquer estilo, fosse erudito, choro, flamenco ou bossa nova. Sua morte precoce, aos 32 anos em 1995, aliada à sua genialidade e virtuosismo, o fez ser considerado o "Mozart do choro".



Raphael sola "Tico Tico no Fubá"


CLAUDETE SOARES,A GRANDE INTÉRPRETE DA BOSSA NOVA


A cantora brasileira Claudete Soares nasceu no 31 de outubro de 1937 em São Paulo, Capital, iniciou sua carreira artística, ainda criança, na extinta TV Excelsior, atuando em novelas. Foi durante anos apresentadora de programas infantis que marcaram época na Tvs Bandeirantes e Gazeta.
Além desses trabalhos realizados em disco, Claudette e César participaram de muitos eventos importantes ligados à música, como a “Bienal do Samba”, em 1968, onde interpretaram a música “Bom Tempo” de Chico Buarque de Holanda.
Outros projetos da cantora também foram registrados em coletâneas e compactos simples, pelas gravadoras Philips e Odeon . Em 1966, foi premiada com o Troféu Euterpe de melhor cantora do ano e participou do I Festival Internacional da Canção (RJ), interpretando "Chorar e Cantar", de Vera Brasil e Sivan Castelo Neto. Ainda em 1966 atuou no “pocket-show “1º Tempo 5X0” no Teatro Princesa Isabel (Rio de Janeiro),produzido por Miéle e Bôscoli, ao lado de Taiguara e Jongo Trio. Neste show Claudette Soares lançou o então jovem compositor Taiguara.


No Rádio atuou como repórter nas emissoras Globo, Capital e Bandeirantes. E foi no rádio que Claudete abriu um novo caminho para as mulheres jornalistas, fazendo parte da pioneira equipe feminina de transmissões esportivas da Rádio Mulher como locutora de futebol e repórter de campo. É dela também, a primeira narração de futebol, feita por uma mulher, para a tv brasileira.



De volta à TV se dedicou a apresentação de programas femininos, onde há mais de 25 anos é companhia certa daqueles que buscam através da televisão, informação, descontração e porque não dizer, companheirismo.



Na extinta TV Manchete comandou o "Mulher de Hoje", na Rede Record apresentou o programa "Note e Anote" por 5 anos e voltou a BAND para apresentar o "Pra Valer", por mais de 1 ano e meio.

Claudete canta "O Cravo Brigou com a Rosa"

http://www.youtube.com/watch?v=Gx1_PQkM-PA


Fonte - Musica Brasileira

ETHEL WATERS, THE INCOMPARABLE


American blues and jazz vocalist and actress Ethel Waters was born on October 31,1896 in Chester Pennsylvannia, as a result of her mother's rape at 13. She never lived in the same place for more than 15 months. She said of her difficult childhood,"I never was coddled, or liked, or understood by my family". Despite this unpromising start, Watersdemonstrated early the love of language that so distinguished her work. Moreover, according to her biuographer Rosetta Reitz, water's birth in the B North and her peripatetic life exposed her to many cultures. For the rest of her life this lent to her interpretations of southern blues a unique sensibility that pulled in electric influences from across American music.


She frequently performed jazz, big band, rock and roll and pop music, on the Broadway stage and in concerts, although she began her career in the 1920s singing blues. Her best-known recording was her version of the spiritual "His Eye is on the Sparrow", and she was the second African American ever nominated for an Academy Award.



Waters married at the age of 13, but soon left her abusive husband and became a maid in a Philadelphia hotel working for US$4.75 per week. On Halloween night in 1913, she attended a party in costume at a nightclub on Juniper Street. She was persuaded to sing two songs, and impressed the audience so much that she was offered professional work at the Lincoln Theatre in Baltimore,Maryland. She later recalled that she earned the rich sum of ten dollars a week, but her managers cheated her out of the tips her admirers threw on the stage.




After her start in Baltimore, she toured on the black vaudeville circuit. As she described it later, "I used to work from nine until unconscious." Despite her early success, Waters fell on hard times and joined a carnival which traveled in freight cars to Chicago,Illionois. Waters enjoyed her time with the carnival, and recalled, "The roustabouts and the concessionaires were the kind of people I'd grown up with, rough, tough, full of larceny towards strangers, but sentimental, and loyal to their friends and co-workers." She did not last long with them, though, and soon headed south to Atlanta,Georgia. There, she worked in the same club with Bessie Smith. Smith demanded that she not compete in singing the blues opposite her, and Waters conceded to the older woman and instead sang ballads and popular songs and danced. Though perhaps best known for her blues singing today, Waters was to go on to star in musicals, plays and TV and return to the blues only periodically.


She fell in love with a drug addict in this early period, but their stormy relationship ended with World War I. Ethel Waters moved to Harlem and became part of the Harlem Renaissence around 1919.
Waters obtained her first job at Edmond's Cellar, a club that had a black patronage. She specialized in popular ballads, and became an actress in a blackface comedy called Hello 1919.



Her biographer, Rosetta Reitz, points out that by the time Waters returned to Harlem in 1921, women blues singers were among the most powerful entertainers in the country. In 1921 Waters became the fifth black woman to make a record (recording for the tiny Cardinal Records label). She later joined Black Swan Records, where Fletcher Henderson was her accompanist. Waters later commented that Henderson tended to perform in a more classical style than she would prefer, often lacking "the damn-it-to-hell bass". According to Waters, she influenced Henderson to practice in a "real jazz" style.


Waters made her first record in 1921 for tiny Cardnal Record label. She then signed with Black Swan in 1921 and remained with them through 1923 when Black Swan's records were melded into the Paramount label, staying with Paramount through 1924. She first recorded for Columbia Records in 1925; this recording was given a Grammy Hall of Fame Award in 1998. Soon after, Waters started working with Pearl Wright, and together they toured in the South. In 1924 Waters played at the Plantation Club on Broadway. She also toured with the Black Swan Dance Masters. With Earl Dancer, she joined what was called the "white time" Keith Circuit. They received rave reviews in Chicago, and earned the unheard-of salary of US$1,250 in 1928. In 1929, Harry Akst helped Wright and Waters compose a version of "Am I Blue?", her signature tune.


Although she was considered a blues singer during the pre-1925 period, Waters belonged to the Vaudeville-style style similar tomamie Smith,Viola McCoy, and Lucille Hegamin. While with Columbia, she introduced many popular standards including "Dinah", "Heebie Jeebies", "Sweet Georgia Brown", "Someday, Sweetheart", "Am I Blue?" and "(What Did I Do To Be So) Black and Blue".
During the 1920s, Waters performed and was recorded with the ensembles of Will Marion Cookand Lovie Austin. As her career continued, she evolved toward being a blues and Broadway singer, performing with artists such as Duke Ellington.


In 1933, Waters made a satirical all-black film entitled Rufus Jones for Presidente. She went on to star at the Cotton Club, where, according to her autobiography, she "sang ' Stormy Weather' from the depths of the private hell in which I was being crushed and suffocated." She took a role in the Broadway musical revue A Thousand Cheers in 1933, where she was the first black woman in an otherwise white show. She had three gigs at this point; in addition to the show, she starred in a national radio program and continued to work in nightclubs. She was the highest paid performer on Broadway, but she was starting to age. MGM hired Lena Horne as the ingenue in the all-Black musical Cabin in the Sky, and Waters starred as Petunia in 1942, reprising her stage role of 1940. The film, directed by Vincente Minnelli, was a success, but Waters, offended by the adulation accorded Horne and feeling her age, went into something of a decline.

Her biographer, Rosetta Reitz, called Waters "a natural". Her "songs are enriching, nourishing. You will want to play them over and over again, idling in their warmth and swing. Though many of them are more than 50 years old, the music and the feeling are still there."


She died in 1977 at the age of 80 from heart disease, at the Chatsworth,California, home of a young couple who cared for her.


Recordings of Ethel Waters were inducted into the Grammy Hall of Fame, which is a special Grammy award established in 1973 to honor recordings that are at least twenty-five years old, and that have "qualitative or historical significance."



Ethel Waters sings "Am I Blue?"





Reference - Wikipédia

ILLINOIS JACQUET, THE HONKER

Jean Baptiste Illinois Jacquet, saxofonista tenor, nasceu em Broussard, Louisiana, no dia 31 de outubro de 1921 e veio a falecer em 22 de julho de 2004 em New York City. Embora tenha sido criticado e subvalorizado por causa de suas concessões a um jazz mais comercial, Illinois Jacquet deve ser considerado como um dos mais importantes chefes de escola do saxofone da época central do jazz, cuja influência abarcaria desde uma forte presença no rhythm and blues dos anos 50-60, até alguns vanguardistas do jazz, como Pharoah Sanders e George Adams.
O mais importante de sua personalidade de jazzman foi o tipo de som e de harmonias que conseguia extrair de seu instrumento. Porém, além de algumas atuações selvagens que fariam escola e inaugurariam uma tradição, houve e há nele uma riqueza de conteúdo pouco comum. Foi especialmente inclinado pelo growl, pelo som dos honkers (apelido que recebiam os saxofonistas que imitavam a voz de patos selvagens) e sua presença determinou a sorte de pelo menos três grandes orquestras dos anos quarenta: as de Lionel Hampton, Cab Calloway e Count Basie.
Na realidade, foi Hampton quem propiciou a Illinois a oportunidade de realizar uma inesquecível série de chorus sobre a harmonia de Flyin' Home. Desde então, a fama de Illinois superou os limites do swing e se universalizou, até se transformar em um ponto de referência na história do sax tenor no jazz. Embora tenha nascido na Louisiana, Illinois cresceu na tradição texana, pois ainda adolescente mudou-se para Houston, onde teve sua educação musical, cercado de parentes próximos de tradição musical.
O blues texano, a meio caminho entre a vida camponesa e o desenvolvimento industrial, assimilou logo a linguagem do blues urbano e rural, em virtude de sua capacidade de simbiose e de sintonia que se traduziria rapidamente em um jogo harmônico absolutamente autônomo e original. Entre todos os tenores que Texas deu ao jazz, o mais texano foi seguramente Jacquet, que imprimiu sua marca em todos os grupos com os quais trabalhou. Com a grande experiência adquirida junto a Hampton, além dos inesquecíveis duos com Dexter Gordon, Illinois passou para a orquestra de Cab Calloway e com ele permaneceu durante 1943-44, antes de passar para o grupo de Norman Granz, que precisamente naquele período estava organizando o "Jazz at the Philarmonic", sugestivo desfile de solistas reunidos para a ocasião e cuja continuidade estava garantida pelos riffs obsessivos de Basie, entre um chorus e o outro.
Em dois de julho de 1944, o grupo com Nat King Cole, J.J. Johnson, Shorty Sherock e Jacquet atuou em Los Angeles, abandonando as ricas improvisações sobre os temas de Bugle Call Rag, Body and Soul, Rosetta, Lester Leaps ln e principalmente um longa tema intitulado simplesmente Blues, onde Jacquet deu amplas mostras de sua classe como precursor do rhythm and blues e como músico capaz de improvisar de forma clássica sobre as harmonias codificadas pelos velhos músicos do Texas e Louisiana.
A lógica do JATP contribuiu para aumentar a fama de Jacquet e quando Count Basie o convidou para tocar em sua orquestra em substituição a Lucky Thompson, Illinois ocupou na realidade o lugar que havia sido de Lester Young. Depois de deixar Basie em 1946, Jacquet formulou um projeto ambicioso de constituir sua própria orquestra, cheia de personagens de primeiro plano da história do jazz, como Dickie WeIls e as sessões gravadas para a Aladdin neste contexto constituem uma autêntica pedra angular.
Um tema como Robbin's Nest, enriquecido por um diálogo surpreendente com o pianismo de Sir Charles Thompson, é sem dúvida uma das máximas jóias do jazz do período. Mas os enormes gastos inerentes manutenção de uma orquestra levaram a Illinois a continuar sua atividade como free-lance.
Voltou ao JATP de Granz, e em seguida uniu-se ao organista Milt Buckner, um músico que possuía o mesmo sentido do blues que Illinois, e proporcionava um swing inimitável aos seus colegas. Depois da morte de Buckner, Jacquet atravessou um período de desorientação e busca, superado nos anos posteriores por seus sucessos na "Grande Parade du Jazz", de Nice, onde em 1976, surpreendia a todos pela riqueza de sua linguagem.

Milt Bruckner,Jo Jones e Illinois Jacquet tocam "On the Sunny Side of the Street"
Fonte - Jazz Music

BOOKER ERVIN, THE SAXOPHONE PLAYER


Jazz tenor saxophone player Booker Telleferro Ervin II, was born on October 31,1930, was perhaps best known for his association with Charles Mingus, with whom he played and recorded from 1956 to 1962. During the 1960s he also led his own quartet and played with Randy Weston.


His most highly regarded records are the nine he made for Prestige Records between 1963 and 1966: Exultation, The Freedom Book, The Song Book, The Blues Book, The Space Book, Setting The Pace, The Trance, Heavy!. Among his other influential recordings are That's It (Candid), Tex Book Tenor (Blue Note), and The Book Cooks (Bethlehem).



He was also a member of Horace Parlan's quartet, with whom he recorded Up & Down (Blue Note), and Happy Frame of Mind (Blue Note). Ervin studied at Berklee College of Music after teaching himself tenor saxophone while in the United States Air Force.

He died of kidney disease in 1970, aged 39

Booker plays.
http://www.youtube.com/watch?v=pjEKjHM98hg

Reference - AAJ

BOB BELDEN, THE ULTIMATE ARRANGER



One of the most adventurous arrangers of the 90s and 2000s, Bob Belden was born on October 31,1956. Bob Belden took the music of Puccini, Prince, and (with the most success) Sting, and turned it into jazz.



After graduating from the University of North Texas in 1978, he was with Woody Herman's Orchestra for 18 months, worked with Donald Byrd off and on during 1981-1985, played with the Mel Lewis Orchestra, and produced a couple of Red Rodney records.



In 1983, Belden settled in New York as a writer for studio sessions. Influenced by Gil Evans, Belden debuted on Sunnyside with Treasure Island, before working on transforming non-jazz material into jazz. Belden also assisted with Columbia Records' Miles Davis reissue program. He played in a duet with trumpeter Tim Hagans, issuing a live album on Blue Note in 2000 entitled Re-Animation Live! The 2001 release Black Dahlia showcased a 12-part orchestra paying tribute to the late Elizabeth Short, a celebrated Hollywood actress who was killed in 1947.


Listen to his must have CD "Three Days of Rain".



Reference -AAJ

Friday, October 30, 2009

ALL THAT JAZZ : SERIOUSLY SINATRA


A mais autêntica banda de jazz da Região Norte do Brasil - ALL THAT JAZZ - voltará a se apresentar, daqui a pouco, como acontece na ultima sexta de cada mês, diante de sua fiel platéia no Café Adrianópolis em Manaus.


O show intitulado "SERIOUSLY SINATRA" propociona a grande oportunidade para o "crooner" da banda revisitar as grandes e clássicas canções do Great American Songbook, tornadas eternas pelo senhor das canções Frank Sinatra.



Te esperamos por lá.


O melhor ainda está por vir.



Humberto Amorim

Roger Vargas

Junior Leal

Guilhermino Souza

A. Dias

I REMEMBER CLIFFORD BROWN


O trompetista de jazz Clifford Brown nasceu no 30 de outubro de 1930 em Wilmington, Delaware e iniciou sua vida profissional em 1952, na orquestra rhythm & blues de Chris Powell (The Blue Flames).


Em setembro de 1953, Brown viajou para a Europa, como integrante da big band de Lionel Hampton. Lá permaneceu até novembro, tendo gravado, em companhia do saxofonista Gigi Gryce e músicos franceses, como Henri Rénaud (piano) e Pierre Michelot (baixo), uma série de faixas, com orquestra, quarteto, quinteto e sexteto. Essas faixas européias mostram já o equilíbrio que Brown obtinha entre um lirismo fascinante, que não podia deixar de recordar Fats Navarro, e uma facilidade de fraseado digna de Dizzy Gillespie.



Mas foi a sessão no Birdland, em 1954, com Art Blakey e Horace Silver que o projetou, chamando a atenção do baterista Max Roach. O quinteto que Roach formou, em 1954, com Clifford Brown no trompete, teve vida muito curta, em comparação com a longevidade dos quintetos de Horace Silver e dos Messengers de Art Blakey. Mas teve um impacto tão grande no jazz moderno como o desses grupos, responsáveis diretos pelo revigoramento do bop.



O hoje célebre quinteto Roach-Brown gravou pela primeira vez em Los Angeles, em maio de 1954. O saxofonista era Teddy Edwards e o pianista, Carl Perkins. Mas foi o quinteto com Harold Land (sax tenor), Richie Powell (piano) e George Morrow (baixo) que perpetuou as primeiras obras-primas de Brown-Roach, em agosto daquele ano:"Jordu", plangente composição de Duke Jordan, “Joy Spring”, composição do próprio trompetista, "Daahoud", outro tema de Clifford à moda de Tadd Dameron. O quinteto Clifford Brown-Max Roach, ainda com o saxofonista Harold Land, gravou outras faces brilhantes, em duas sessões de fevereiro de 1955: "George's Dilemma", composição de Brown, um inesquecível "Cherokee" e "Sandu" um blues de tempo médio.



Mas o quinteto atingiria um nível ainda mais excepcional nas sessões realizadas em janeiro e fevereiro de 1956, com a substituição de Harold Land por Sonny Rollins. Naquela época, Rollins começava a se impor como o mais importante e influente sax tenor do jazz a surgir depois de Coleman Hawkins e Lester Young.



Clifford Brown tornou-se ainda mais fulgurante, e Max Roach, mais vibrante. Em 1956, morreu num desastre de automóvel, em companhia do pianista Richie Powell, quando viajavam de Filadélfia a Chicago, para uma apresentação do quinteto.



Com apenas quatro anos de obra gravada, de março de 1952 até pouco antes de sua morte, em junho de 1956, Clifford entrou para a história do jazz como o trompetista da segunda geração do bop que melhor assimilou as lições de Dizzy Gillespie, Fats Navarro e Miles Davis, sintetizando-as numa linguagem melódica própria, apoiada numa técnica primorosa.


Clifford Brown e violinos.





Fonte - CDJ

TEO MACERO, HIS BUSINESS WAS JAZZ.



Attilio Joseph Macero, known as Teo Macero, was born and raised in Glens Falls, New York . Was a producer, composer, arranger and an amazing man of music; he worked intimately with some of the greatest figures in the history of jazz as, Duke Ellington, Dave Brubeck, and Thelonius Monk, in the creation of some of their most enduring works.
After serving in the United States Navy, he moved to New York City in 1948 to attend the Juilliard School of Music. He studied composition, and graduated from Juilliard in 1953 with Bachelor's and Master's degrees. In 1953, Macero co-founded Charles Mingus' Jazz Composers Workshop, and became a major contributor to the New York City avant garde jazz scene.He performed live, and recorded several albums with Mingus and the other Workshop members over the next three years, including “Jazzical Moods” (1954) and “Jazz Composers Workshop” ( 1955).
During this time frame, in 1954 Macero also recorded “Explorations.” While he had contributed compositions to other albums, this was the first full album of his own compositions, and Macero's first album as a leader. He joined Columbia in 1957 in the capacity of producer, and produced hundreds of records while at the label. Macero worked with dozens of artists at Columbia including Mingus, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Thelonious Monk, Johnny Mathis, Count Basie, Dave Brubeck, Tony Bennett, Charlie Byrd, and Stan Getz. He was also responsible for signing Mingus, Monk, and Byrd to Columbia.
Macero produced the seminal Dave Brubeck Quartet album “Time Out,” and Thelonious Monk's first Columbia recording, “Monk's Dream,” as well as “Underground.” He also produced Mingus' first Columbia album, “Mingus Ah Um.”
While Macero produced many artists' albums, he had an especially long and prolific relationship with Miles Davis. He produced most of Davis' Columbia catalog, including the classics “Kind of Blue,” “Sketches of Spain,” and “Someday My Prince Will Come.” Davis' later forays into electric fusion, such as “In a Silent Way,” “Bitches Brew,” and “A Tribute to Jack Johnson,” were highlighted by Macero's innovative mixing and editing techniques.
In 1975, Macero left Columbia and formed his own production company. However, he continued to work with Davis until 1983, and still continues to produce records for Columbia.
As a top flight composer in his own right, Macero has also composed for, conducted, and performed with Leonard Bernstein and the New York Philharmonic, the London Philharmonic Orchestra, the Salt Lake Symphony, the Kansas City Symphony, and The Juilliard School. He has also been commissioned by, and composed ballets for the Joffrey Ballet Company, the Anna Sokolow Ballet Company, the London Ballet Company, the Juilliard Ballet Company, and the American Ballet Theatre.
Since his tenure at Columbia, Macero has continued as a player and producer on other projects as well, working with Tony Bennett, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Michel LeGrand, and Wallace Roney.
In the 1970s and 1980s, Macero released a handful of his own albums, including “Time Plus Seven,” “Impressions of Charles Mingus,” and “Acoustical Suspension,” before founding his own label, Teorecords, in 1999. He has since released over a dozen albums of original compositions, and continues to work on new music.
Macero produced reissues of Miles Davis and other artists for various record companies. However, Macero was outspoken in his opposition to the practice of adding back alternate takes that didn't appear on the original albums, or otherwise altering the original music, as it corrupts the intentions of the musician and producer at the time the recording was made. “They put all the mistakes back in,” says Macero. “Don't destroy the original record.”
A film documentary about Macero's life and work was produced by Olana DiGirolamo, daughter of Macero's friend and collaborator, Orlando DiGirolamo. He received over 20 Recording Industry Association of America (RIAA) Gold, Platinum, and Multi-platinum certifications for his production contributions.
Dave Brubeck and his quartet play "Take Five"
Reference - Jazz Music

O DIA NACIONAL DO VINHO - O NOBRE FERMENTADO


A Comissão de Educação do Senado Federal instituiu o primeiro domingo de junho como o DIA NACIONAL DO VINHO. A data passará a ser celebrada a partir de 2010. Excelente noticia. Não é pra menos, afinal de contas o Brasil é um mercado promissor: estamos classificados entre os sete países do Novo Mundo cujas regiões vinícolas mais têm chances de deslanchar no cenário internacional ao lado da Inglaterra, Ucrânia, Grécia, Romênia, Suíça e Canadá.


Agora, por que escolheram o primeiro domingo de junho? Por que não uma data significativa como, por exemplo, 16 de outubro, o Dia Mundial do Pão?


Taí um alimento que tem uma sinergia ímpar com o vinho. Eles se completam. Nas nossas degustações às cegas da Cambada da Bolsa Vinho, movimento que visa reforçar os laços de amizade entre os integrantes, aqui em Manaus, é impossivel imaginar o evento sem o pão. Na harmonização eles são a representação máxima da simplicidade. Quer ver? Se a sua escolha é harmonizar um vinho com carne, imediatamente queremos maiores detalhes tipo: "como será preparada" ou "que tipo de carne, vermelha e suculenta, de caça, magra ou gorda?


Agora se você só tiver o pão, seja ele simples como o françês ou com alguns temperinhos, como os que a Luiza prepara, com azeite virgem Esporão de primeira pressão, recheados com azeitona, tomate ou linguiçinha de carneiro, não hesite nem por um minuto em abrir imediatamente uma garrafa de vinho. Vai fundo. Acho que pode fazer como eu, indo além: não dê bola para a safra, país, cor, tipo de uva ou região. Tudo é liquido e certo.



Vamos nos preparar então para a celebração em 2010. Enquanto isso, que bom que hoje é sexta novamente, para mim dia sempre propício para degustar vinho com pão, os quitutes preparados com amor e talento por minha quituteira particular, a companhia inigualável do Nicholas Artanis, Nicolle Amorim, Sofia Amorim Nelson e jazz. Provas constantes de minha incumensurável felicidade.


Como disse Elvis, antes de sair do prédio: "Viva el Vino!!! Viva el Dinero, Viva el Amor" Saúde!!!

Thursday, October 29, 2009

NELSON CAVAQUINHO, O GRANDE MESTRE SAMBISTA

Sambista carioca, compositor e cavaquinista na juventude, Nelson Cavaquinho, nome artistico de Nelson Antônio da Silva, nasceu no Rio de Janeiro no 29 de Outubro de 1911, foi um importante musico brasileiro que na maturidade optou pelo violão, desenvolvendo um estilo inimitável de tocá-lo, utilizando apenas dois dedos da mão direita.


Seu envolvimento com a música inicia-se com na família. Seu pai, Brás Antônio da Silva, era músico da banda da Polícia Militar e seu tio Elvino tocava violino. Depois, morando na Gávea, passou a frequentar as rodas de choro. Foi nessa época que surge o apelido que o acompanharia por toda a vida.


Casou-se por volta dos seus 20 anos com Alice Ferreira Neves, com quem teria quatro filhos e na mesma época consegue, graças a seu pai, um trabalho na polícia fazendo rondas noturnas a cavalo. E foi assim, durante as rondas, que conheceu e passou a frequentar o morro da Mangueira, onde conheceu sambistas como Cartola e Carlos Cachaça.


Deixou mais de quatrocentas composições, entre elas clássicos com "A Flor e o Espinho" e "Folhas Secas", ambas em parceria com Guilherme de Brito, seu parceiro mais frequente. Por falta de dinheiro, depois de deixar a polícia, Nelson eventualmente "vendia" parcerias de sambas que compunha sozinho, o que fez com que Cartola optasse por abandonar a parceria e manter a amizade.


Sua primeira canção gravada foi "Não Faça Vontade a Ela", em 1939, por Alcides Gerardi, mas não teve muita repercussão. Anos mais tarde foi descoberto por Cyro MOnteiro que fez várias gravações de suas músicas. Começou a se apresentar em público apenas em 1960, no Zicartola, bar de Cartola e Dona Zica no centro do Rio. Em 1970 lançou seu primeiro LP, "Depoimento de Poeta", pela gravadora Castelinho.


Suas canções eram feitas com extrema simplicidade e letras quase sempre remetendo a questões como o violão, mulheres, botequins e, principalmente, a morte, como em "Rugas", "Quando Eu me Chamar Saudade", "Luto", "Eu e as Flores" e "Juízo Final".


Com mais de 50 anos de idade, conheceria Durvalina, trinta anos mais moça do que ele, sua companheira pelo resto da vida. Morreu na madrugada de 18 de fevereiro de 1986, aos 74 anos, vítima de um enfisema pulmonar.



Nelson Cavaquinho canta "Juizo Final".


ZOOT SIMS, TITAN OF THE TENOR SAX.


O saxofonista tenor,contralto, soprano e clarinetista John Haley "Zoot" Sims, nasceu no 29 de outubro de 1925 em Inglewood, Califórnia e faleceu em Nova York. Começou a estudar clarineta na época escolar e se lançou profissionalmente em 1941 com o grupo de Kenny Baker; nos dois anos seguintes tocou com Bobby Sherwood, Sonny Durham e Bob Astor. Em 1944 trabalhou nas formações de Benny Goodman e Sid Catlett, até que foi convocado para os esforços militares na guerra. Liberado em 1946, se reuniu primeiro com Benny Goodman e no final do ano com Bill Harris, cujo sexteto atuou no Café Society Updown.



Nesta mesma época, lançou-se no mercado de discos, com a formação de Joe Bushkin, que na realidade era a mesma que atuava em nome de Harris. Teve então lugar a grande transformação artística de Zoot, quando, com Stan Getz, Herbie Steward e Jimmy Giufre formou dentro da orquestra de Gene Roland, uma seção que atraiu particularmente a atenção de Ralph Burns, que depois de ouvir seu som, recomendou-a calorosamente a Woody Herman. Substituindo Giuffre por Serge Chaloff, a seção foi recriada por Herman que, com os arranjos de Giuffre, gravou o famoso Four Brothers: a fama de Herman e de seu segundo grupo cresceu enormemente e especialmente a seção dos "quatro irmãos" alcançou incríveis dimensões. Depois de deixar Herman em 1949, Zoot trabalhou durante anos como free-lance em Nova York com vários conjuntos, como o de Benny Goodman, com quem realizou inclusive uma excursão pela Europa em 1950.



Três anos depois participou por pouco tempo da formação de Stan Kenton e no ano seguinte mudou para a Califórnia, onde tocou como independente durante aquele verão. Em 1957 realizou uma excursão com os "Birdland AlI Stars" e pouco depois formou um grupo com AI Cohn que viria a ser um dos seus parceiros prediletos e com quem participaria em coo certos, gravações e excursões pela América Latina, Inglaterra e Estados Unidos.



Em 1958 esteve novamente na Europa com Benny Goodman e pouco depois com o "Jazz at Carnegie Hall", aproveitando esta oportunidade para ficar alguns meses no Velho Continente. Reapareceu ao lado de Gerry Mulligan em 1960, também na Europa com a "Concert Jazz Band" e dois anos depois realizou uma excursão com Benny Goodman pela União Soviética, na viagem organizada pelo Departamento de Estado norte-americano Participou dos festivais mais importantes e em concertos famosos como o de 1966, dedicado aos 'Titans of the Tenor Sax', junto a John Coltrane, Coleman Hawkins e Sonny Rollins. Em 1967 foi convidado por Norman Granz para entrar para o "Jazz at the Philarmonic" e com esta companhia percorreu a Europa.



De volta aos Estados Unidos retomou seu trabalho atuando só, que é o que prefere, focando os mais diversos ritmos e percorrendo os Estados Unidos e Europa. Em 1972 uniu-se a Woody Herman por ocasião de uma das edições do festival de Newport e coincidiu novamente com Benny Goodman, com quem voltou à Europa. e no ano seguinte, à Austrália.



No final de 1974 realizou uma longa excursão pela Escandinávia com AI Cohn; um ano depois viajou novamente com Granz e neste mesmo ano conheceu o guitarrista Bucky Pizzarelli com quem desde então tem gravado e tocado com freqüência. Saxofonista tenor inspirado em Lester Young -como quase todos os músicos da época- mas também atraído pelo bop, Sims foi, sem dúvida, dos "quatro irmãos" o de maior swing e personalidade, especialmente no registro mais agudo do jazz.


Zoot faleceu em New York em março de 1985.



Zoot Sims toca "In the Middle of a Kiss"




Fonte - Jazz Music Guide

NEAL HEFTI, NA,NA,NA,NA,NA,NA, BATMAN!!!


O trompetista, compositor, letrista e arranjador Neal Hefti, nasceu no 29 de outubro de 1922, em Hastings,Nebraska. É lembrado principalmente, por ter composto a trilha musical para a série televisiva "Batman" nos anos 60 e também para o filme "The Odd Couple" de 1968 e subsequente série para televisão com o mesmo titulo. A musica tema do seriado Batman era cantada pelas crianças em todos os recreios das escolas e tornou-se a epoca a musica mais gravado de 1966.
Destaque na sua carreira para a parceria que manteve com o bandleader e pianista de jazz Count Basie, para orquestra do qual deu formato sonoro definitivo registrado no CD "Atomic Basie" com arranjos exclusivos de Neal, e também, com os bandleaders Woody Herman e Harry James para os quais produziu arranjos antológicos.
Sua famosa composição " Girl Talk " tornou-se um standard gravado por grandes nomes do jazz. Com sua propria orquestra gravou o CD ""The Band with Young Ideas" e como fruto do trabalho com Frank Sinatra relevante o CD "Sinatra and Swinging Brass" e alguns outros de grande aceitação popular.
Neal Hefti, Batman Theme
Neal Hefti was born on October 29,1922 is Hastings, Nebraska, was an american jazz trumpeter, composer, tune writer and arranger. He was perhaps best known for composing the theme music for the Batman television series of the 1960s and for scoring the 1968 film "The Odd Couple" and the subsequent Tv series of the same name.
He began arranging professionally in his teens, when he wrote charts for a prominent composer and arranger while playing trumpet for Woody Herman; while working for Herman he provided new arrangements for “Woodchopper's Ball” and “Blowin' Up a Storm,” and composed “The Good Earth” and “Wild Root.” After leaving Herman's band in 1946, Hefti concentrated on arranging and composing, although he occasionally led his own bands. He is especially known for his charts for Count Basie such as “Li'l Darlin'” and “Cute”.



As the actors Adam West and Burt Ward slid down to the Batcave during the title sequence of the twice-weekly 1960s series Batman, they emerged as Batman and Robin to the accompaniment of one of the best-known television themes of all. Built around a simple 12-bar blues, Neal Hefti’s “Na-na-na-na Na-na-na-na Batman!” theme was sung in school playgrounds across the world, and became the most-recorded song of 1966.


Hefti was a brilliant composer and arranger who created the scores for many other television shows and films, notably the two Neil Simon movies The Odd Couple and Barefoot in the Park. His score for Harlow included the song Girl Talk which has become a jazz standard.


Away from the world of Hollywood Hefti will be remembered as the man who shaped the sound of the postwar Count Basie Orchestra, and who also produced dozens of skilful, well-crafted arrangements for Woody Herman and Harry James.



Born in Hastings, Nebraska, Hefti was a child of the jazz age, and because his mother was a music teacher, he started piano lessons at the age of 3, becoming well-versed in theory and harmony by the time he took up the trumpet at 11. After winning several school prizes, he was to start making his living as a jazz trumpeter in the big bands of Charlie Barnet and Charlie Spivak.



He was already writing arrangements, having taught himself by trial and error in high school. He was supplying local dance bands with music well before he graduated.
After travelling to California with Spivak to make a film, Hefti stayed on the West Coast, joining Woody Herman’s band in 1944. Although he played in the trumpet section, this was when his arranging began to take precedence over his playing.


Hefti married the band’s singer, Frances Wayne, in 1945, but neither of them remained long in the group thereafter, as they settled in New York, with the idea that Hefti would focus on being a freelance studio musician and arranger. Writing in every genre and for all sizes of ensemble, he became adept at using small forces to create a big sound, and this stood him in good stead when economics forced Basie to scale down to an octet in 1949. Heft wrote numerous arrangements for the group, which sounded remarkably like a full big band on record, thanks to the skill of his settings.


When Basie eventually re-formed his full orchestra, Hefti became one of his principal writers. The album The Atomic Basie remains the best work that the group did in the 1950s, playing entirely Hefti’s arrangements.
He had started writing for Harry James in the late 1940s, but in the 1950s Hefti furnished James with numerous compositions, designed to feature the leader’s trumpet and the band’s star drummer Buddy Rich.


Nevertheless, Hefti was by this time writing in a similar style to that which he used for Basie, giving rise to the apocryphal story that when the two bands met on a television show, Basie drily asked James: “Are you going to play our arrangements first, or are we?”
Hefti also fronted his own band for a while in the 1950s, making such discs as The Band with Young Ideas, and he wrote and conducted albums for his wife. He contributed to some of Frank Sinatra’s most popular albums, including "Frank Sinatra and Swinging Brass", which he also produced.


From the early 1960s onwards, he was increasingly involved in the world of films and television, winning a Grammy award for his Batman theme. After his wife’s death in 1978, however, he ceased to write and record new music.



Nevertheless, not least because Basie continued to commission other writers to replicate his style, his effect on big band arranging and on film scores remained extremely influential.


Neal passed away on October 2008.



Reference - Times Online
Tradução - Humberto Amorim

Wednesday, October 28, 2009

ANDY BEY,AMERICAN SONG


O cantor e pianista de jazz Andy Bey nasceu no 28 de outubro de 1939 em Newark,New Jersey, e é um dos maiores heróis do jazz que não foram cantados. Andy é um intérprete dominante de letras de músicas que possui um larga extensão vocal e uma voz potente e encorpada.


Bey infelizmente, reune apenas um pequeno grupo de fies seguidosres e por esta razão ele não é conhecido tanto quanto deveria. Bey teve contato com o jazz já quando criança, e começou a cantar para um público local aos oito anos de idade. Em algumas exibições de jazz, um tal de Bey, de oito anos de idade era acompanhado pelo grande sax tenor de Hank Mobley.



Em 1952, aos 13 anos, Bey gravou seu primeiro álbum solo, Mama's Little Boy's Got the Blues; e aos 17 anos formou Andy & the Bey Sisters com suas irmãs Salome e Geraldine em 1956. O grupo fez uma turnê de 16 meses na Europa e gravou três álbuns (um pela RCA Victor em 1961, dois pela Prestige em 1964 e 1965) antes de se dissolver em 1967.



Nas décadas de 60 e 70, os vocais de Bey foram apresentados por Max Roach, Duke Pearson, e Gary Bartz (para quem ele entregou letras com cunho bastante sócio-politico, incluindo algumas condenações marcantes do envolvimento americano na Guerra do Vietnã).Nos anos 70 Bey também gravou Experience and Judgment pela Atlantic e iniciou uma longa parceria com o pianista Horace Silver, que atuou junto a Bey com destaque em diversos álbuns com temas religiosos que ele lançou pelo seu próprio selo nas décadas de 70 e 80. Os LPs continham o que Silver designou "música de auto-ajuda metafísica" e pregou um tipo de filosofia de auto-ajuda que não era diferente da mensagem do reverendo Ike - infelizmente para Silver e Bey, esta abordagem significou uma distribuição limitada e um baixo apelo comercial.



Bey continuou a trabalhar com Silver durante os anos 90, quando se apresentou no encontro de Silver da Columbia em 1993, It's Got to Be Funky (o qual marcou um retorno ao ano corrente do hard bop's e foi comercialmente muito melhor que sua "música de auto-ajuda").



Os selos pelos quais Bey gravou como astro nos 80 e 90 incluíram Jazzette, Zagreb, e Evidence, o qual, em 1996, lançou o excelente Ballads, Blues and Bey. O sucesso de Blues, Ballads and Bey colocou o pianista em uma posição confortável, e permitiu explorar seu lado mais íntimo. Bey continuou com Shades of Bey em 1998 e Tuesdays in Chinatown em 2001, preferindo explorar o mundo externo ao jazz com covers de Nick Drake e Milton Nascimento e outras. O CD "American Song" foi o próximo, no início de 2004 e mais recentemente o CD "It Aint Necessarily So " em 2008.
Andy sings "Stella by Starlight"

DAME CLEO LANE, THE QUEEN OF JAZZ

British jazz singer Dame Cleo Lane was born on October 28th, 1927.

"The showroom at the Suncoast Hotel and Casino, in Las Vegas, Nevada, sparkled brilliantly, the weekend of October 17-19, 2003 with the luminary talent of the legendary British couple, Dame Cleo Laine and John Dankworth. The audience was on the edge of their seats all night with excitement and awe. The jazz composition and sounds that emanated from behind the footlights brought Friday night's audience to their feet as they hailed “The Queen of Jazz,” and her professional partner and husband with thunderous applause.

The lady next to me smiled with pride, as if the legendary performers were her personal treasure. “I watched you tapping your feet all night, I'm so glad you enjoyed the performance as much as I did! I've been a fan of theirs for years, and you?”
“I'm a new fan, and I feel so lucky to be here, wow, what an evening,” I enthusiastically replied. The awe and wonder for the evening's incredible jazz experience overwhelmed me. I had never felt such a deep appreciation for being a member of the audience as I did that night. The sounds that emanated from the accomplished jazz duo were only outmatched by the Dankworth quartet of Peter Mcgrop, Gordon Getty, Larry Dunefal, and Sid McKane.


The opening number with John on the saxophone set the pace for the evening. There's nothing like a saxophone's soulful sound when it's mixed with the sassiness of a Mozart jazz moment. Their tribute to the great music of Duke Ellington highlighted by the ballad 'Rainbow Corner' was the same that Duke played at Piccadilly Circus to entertain the troops in 1944. Dame Cleo Laine's memory to Ella Fitzgerald, 'I Gotta Crush on You', was a vocal jazz phenomenon in range and rhythm. Being a first time audience member I wondered, “How can she do that with her voice?” She had the most finely tuned instrument on stage!


The highlight of the evening for me was the song, 'It Don't Mean a Thing If You Ain't Got that Swing'. Cleo's swing says it all. She is a timeless talent that holds the key to the fountain of youth. Along with this key, in November of 1998, the Queen of England, bestowed the title “Dame”, the highest honor and accolade to be given to a woman. It is the feminine equivalent to being knighted. This “Queen of Jazz”, is the only singer ever to receive Grammy Award nominations in the Female Jazz, Popular and Classical categories. She won the Grammy Award for “Cleo at Carnegie 10th Anniversary”.


In a recent interview, when Cleo was asked about her age, she revealed the secret to her youthful appearance and vitality. “I don't feel that I'm in my 70s except early in the morning,” Laine said. “But when I was 20, I felt 70 in the morning. I have more energy than a lot of young people. Mainly I don't eat junk food. And I love working with young people. It helps keep my creativity alive.”



But her inspiration was the great Ella Fitzgerald. She began her friendship with Fitzgerald in 1958. When Laine won her first Grammy in 1985, Fitzgerald sent two dozen roses and a note reading: “Congratulations, gal --- and about time, too. --- Love, Ella.” Laine finally met Ella when they came to New York City. Although whenever Fitzgerald came to England they'd meet up and say hello, they weren't close friends because Miss Fitzgerald wasn't that easy to get to know. “Ella was really a shy person,” Dame Cleo revealed.


John and Cleo have been collaborating on and off stage since 1951. That's the year, Cleo got her first big break when she successfully auditioned for the John Dankworth Seven, the acclaimed British jazz band of that era. For seven years, they shared the stage, but he was the featured performer.


She was quoted to have said, “It was in 1958 when I decided to be on my own, that he asked me to marry him. He thought he was getting a cheap singer.” She is clearly still in love, and their onstage relationship has enriched her off stage life as well.
“Not only has he been my musical director, arranger and conductor, but in a lot of ways he has been my manager. He's opened more doors for me than my real managers.” John got his singer, and Cleo got her man. It was a marriage made in Jazz heaven.


I was so inspired by this performance at the Suncoast that I went out and bought Cleo Laine's autobiography. I've often wondered how a composer and lyricist are inspired to write the lyrics and tunes that they do.



When Cleo sang, 'He Was Beautiful', she took my breath away. So when I read in her autobiography how she found her inspiration to write the lyrics to this song, I was thrilled to get a glimpse of the cognitive process found in song writing .

Cleo sings medley with Ray Charles

http://www.youtube.com/watch?v=S_wdo4hPfiU
Reference - AAJ

JAY CLAYTON, SINGS HER STORY



Jazz vocalist Jay Clayton was born on October 28,1941 and has gained worldwide attention as both performer and teacher. She has appeared at major venues including Lincoln Center, Sweet Basil, Town Hall, the Kennedy Center, Jazz Alley, and the North Sea and Montmartre Festivals. She has taught at Universitat fur Musik in Austria, Bud Shank Jazz Workshop, and at City College and the New School in New York City.



She has co-taught with Sheila Jordan at the Vermont Jazz Workshop, Jazz in July in Mass., Banff Center in Canada and was on the jazz faculty of Cornish College of the Arts for 20 years.
Her book, Sing Your Story: a Practical Guide for Learning and Teaching the Art of Jazz Singing, was published by Advance Music in 2001.


Jay has performed and recorded throughout the U.S., Canada and Europe with leading jazz and new music artists including Muhal Richard Abrams, Steve Reich, Julian Priester, Stanley Cowell, Kirk Nurock, Gary Bartz, George Cables, Jane Ira Bloom, Jerry Granelli as well as with the a cappela group Vocal Summit; Urszula Dudziak, Bobby McFerrin, Jeanne Lee, Norma Winstone.



Her current projects, covering both standards and original music, integrate poetry and electronics into her music. Her projects reflect the diversity of her art and her live performances, which range from duo to sextet, are unique events that draw from all of these collaborations.


Press Quotes

”Clayton is an important singer…one who proposed dramatic changes in vocal styles and roles... her musicianship is impeccable.” --Francis Davis, Downbeat


“As far as vocal innovation goes, Jay Clayton is precariously on the cutting edge.” --Fred Bouchard, Jazz Times

Jay Clayton sings.
http://www.youtube.com/watch?v=J1Pp2z3BcBM

Reference - Jazz Times

COMENTÁRIO SOBRE A ATJ EM PRAÇA PÚBLICA.


[HUMBERTO AMORIM - JAZZ IS TIMELESS] New comment on ROY HARGROVE, THE HARD BOP YOUNG LION.
De:Antonio
Antonio Para:
botafogoamorim@uol.com.br

Assunto:[HUMBERTO AMORIM - JAZZ IS TIMELESS] New comment on ROY HARGROVE, THE HARD BOP YOUNG LION.
Data:
28/10/2009 02:48


Antonio has left a new comment on your post "ROY HARGROVE, THE HARD BOP YOUNG LION:



"Certas coisas não se podem explicar pela sequência aparentemente sem lógica como se desenrolam. Uma situação de urgência no trabalho levou-me de repente numa viagem meio louca de S. Paulo a Miami, logo seguindo para Chicago, de volta a Miami e de Miami para Manaus (isto de Domingo a Quarta Feira com muito poucas horas de sono).



Na noite de Quarta feira dei comigo em Manaus, com o quente-húmido que se espera sempre...dei comigo na Praça do Teatro - esse terreiro central da cidade que não tem muitos outros pontos de encontro (o contraponto humano do encontro das águas...rio acima ou rio abaixo?...entre o rio Negro e o Solimões) Suando e mais devagar do que me é costumeiro, guiado por amigos, encontro-me agora sentado num banco de jardim comendo um Tacacá ... e escutando nada mais nada menos, na noite do Amazonas, nessa praça quente, o som morno do Jazz!!!



Como explicar esse outro encontro do saboroso Tacacá, da humidade lenta de Manaus e por Deus... Jazz! Bom do ponto de vista culinário o Tacacá tem assim uma equivalência em Jazz (apesar de sopa) de uma melodia do Coltrane numa noite quente (não nada a ver com Newport). Ou então a uma mistura exótica de sons via Miles. Esqueçam tudo e reinventem uma sopa que tem folhas de Jambu (pois é... planta local que deixa a boca e os lábios meio dormentes), camarão seco do Pará, Tucupi cozido (massa de mandioca = Goma) isto tudo servido numa meia Cuia (assim como uma meia cabaça muito fina) tingida de preto com um corante vegetal (Cumati), tudo isto em combinação perfeita com uma cervejas bem geladas....E depois tinha a música.



Um encontro de 5 músicos locais – All That Jazz - num swing vocal pelo Humberto Amorim que fez de Manaus a capital do Jazz no Brasil... e eu sem saber. Alguém ao meu lado comentava no celular ,que estava ali na praça ouvindo o filho do Frank Sinatra! Um encontro de música todas as Quarta Feiras, na praça, gratuito, organizado pelo dono do quiosque ali ao lado que serve o Tacacá e é afinal antropologista.



A memória gustativa ficará para sempre ligada ao som daqueles músicos e à voz do Humberto Amorim. Obrigado Humberto, pelo encontro, pela memória e por ser o embaixador do Jazz na Amazónia... night and day...



Publish this comment. Reject this comment. Moderate comments for this blog.




Nota do Blogger -


Caro Antonio,

Seu comentário alicerça mais ainda nossa paixão pelo jazz e a promoção da cultura jazzistica em Manaus.

Abrigado e até jazz!!!


Humberto Amorim e demais integrantes da "All That Jazz".



Programação de Apresentações:


30 de Outubro - Bar e Café Adrianópolis

05 de Novembro - Hotel Tropical Manaus

07 de Novembro - Bar e Restaurante "O Chefão"

13 de Novembro - Sax Bar ( Millennium Shopping)

27 de Novembro - Bar e Café Café Adrianópolis

Tuesday, October 27, 2009

KEN FILIANO, A MASTER OF TECHNIQUE



Jazz bassist Ken Filiano was born on October 27,1952 and performs throughout the world, playing and recording with leading artists in jazz, spontaneous improvisation, classical, world/ethnic, and interdisciplinary performance, fusing the rich traditions of the double bass with his own seemingly limitless inventiveness. Ken's solo bass CD, “Subvenire” (NineWinds), received widespread critical praise. For this and numerous other recordings, Ken has been called a “creative virtuoso,” a “master of technique” . . . “a paradigm of that type of artist. . . who can play anything in any context and make it work, simply because he puts the music first and leaves peripheral considerations behind.”


Ken composes for his quartet with Michael Attias, Tony Malaby, and Michael T.A. Thomspon; a collective with Attias andTomas Ulrich; and for his decades-long collaborations with Steve Adams and Vinny Golia. His prolific output also includes performances and/or recordings with artists including Bonnie Barnett, Rob Blakeslee, Bobby Bradford, Taylor Ho Bynum, Roy Campbell, John Carter, Nels Cline, Alex Cline, Connie Crothers, Mark Dresser, Ted Dunbar, Marty Ehrlich, Giora Feidman, Bob Feldman, Eddie Gale, Georgian Chamber Orchestra, Dennis Gonzalez, Lou Grassi, Phil Haynes, Fred Hess, Jason Hwang, Joseph Jarman, Sheila Jordan (with the Aardvark Orchestra), Raul Juarena, Joe Labarbera, Joelle Leandre, Frank London, Manhattan Chamber Orchestra, Tina Marsh, Warne Marsh, Dom Minasi, Hafez Modirzadeh, Butch Morris, Barre Phillips, Don Preston, Herb Robertson, Bob Rodriguez, Roswell Rudd, ROVA Saxophone Quartet, Ursel Schlicht, Paul Smoker, Chris Sullivan, Peeter Uuskyla, Fay Victor, Biggi Vinkeloe, Kenny Wessel, Andrea Wolper, Pablo Ziegler. With Tomas Ulrich, Elliott Sharp, and Carlos Zingaro, he is a member of T.E.C.K. String Quartet.


Ken tours widely, playing across the United States, Canada, Europe, Asia, and South America. He has appeared at festivals including the Charles Ives Festival, Summerfest Orchestra at Rutgers University, Kuhmo Chamber Music Festival (Finland), Cascade Festival of Music (principal bass, Bend, OR), Jazz em Agosto (Lisbon), Seixal Jazz Festival, Jazz Ao Centro (Coimbra, Portugal), Fundacio Joan Miro (Barcelona), Vancouver International Jazz Festival, Montreal International Jazz Festival, Jazzin' Tondela, Bergamo Jazz Festival, Banlieues Bleues Festival (Paris), Tampere International Jazz Festival ( Finland), Texaco New York Jazz Festival, Bell Atlantic Jazz Festival, NY JVC Jazz Festival; Vision Festival (New York), and on concert stages worldwide, including Carnegie Hall, Berlin Philharmonie, and Philharmonie am Gasteig (Munich).


Ken has been a guest lecturer, performer, and workshop leader at institutions in the United States and Europe. He earned a MM from Rutgers University and is currently on faculty at Mansfield University.


Ken Filiano and his quartet.

http://www.youtube.com/watch?v=ZWPmQ5jIU3s




Reference - AAJ

Monday, October 26, 2009

MILTON NASCIMENTO,O CANTOR DAS MINAS GERAIS


O cantor e compositor Milton Nascimento, nasceu no 26 de Outubro de 1942, no Rio de Janeiro, filho de Maria do Carmo do Nascimento, uma empregada doméstica. Foi adotado por um casal ainda bebê pelo casal Lidia e Jozino Campos. Ela dona de casa e ele dono de uma estação de radio. Sua professora de musica, ao contrário do que dizem, não era mãe do Milton, mas de Wagner Tiso, seu vizinho e futuro parceiro musical.


Mudou-se para Três Pontas, em Minas Gerais, antes dos dois anos de idade e aos treze anos já cantava em festas e bailes da cidade. Gravou a primeira canção, Barulho de trem, em 1962. Mudou-se então para Belo Horizonte para cursar Economia aonde, tocando em bares e clubes noturnos, começou a compor com mais frequência; datam dessa época as composições Novena e Gira Girou (1964), ambas com Márcio Borges.Destacou-se como cantor, gravando um LP no Rio de Janeiro em 1966. No mesmo ano, sua composição Canção do Sal foi gravada por uma cantora então desconhecida, Elis Regina.



A convite do músico Eumir Deodato, gravou um LP nos Estados Unidos (Courage), onde se destacam Catavento e uma versão de Travessia chamada Bridges. Em 1970 realiza temporadas no Rio de Janeiro e em São Paulo com o conjunto Som Imaginário, destacando-se desse período Para Lennon e McCartney (1970, com Fernando Brant, Márcio Borges e Lo Borges) e Clube da Esquina. No disco Sentinela (1980), foi um grande sucesso a composição Canção da América. No ano seguinte, estourou a canção Caçador de Mim. Também participou e compôs a trilha sonora de filmes como Os Deuses e Os Mortos (1969, direção de Ruy Guerra), e Fitzcarraldo (1981, direção de Werner Herzog).



Entre outros sucessos, destacam-se Maria, Maria (1978, com Fernando Brant), e sua interpretação de Coração de Estudante (Wagner Tiso), que se tornou o hino das Diretas Já (movimento sócio-político de reivindicação por eleições diretas, 1984) e dos funerais de Tancredo Neves em 1985. Posteriormente, a Canção da América, que versa sobre a Amizade, também foi identificada com os funerais de Ayrton Senna em 1994.



O estilo musical de Milton pode ser classificado como Música Popular Brasileira, um estilo derivado do Jazz, que se consolidou na segunda metade da década de 60. Até 2004, Milton Nascimento já havia gravado mais de trinta álbuns. Cantou com dúzias de outras artistas, incluindo Maria Bethânia, Elis Regina, Jorge Ben Jor, Caetano Veloso, Simone, Chico Buarque, Gilberto Gil, Paul Simon, Peter Gabriel (com quem co-escreveu a música Breath after Breath do Duran Duran), Herbie Hancock, Quincy Jones e Jon Anderson.



Elegeu Elis Regina como sua grande musa inspiradora para quem compôs inúmeras canções.Em 1998, ganhou o Grammy de Best World Music Album in 1997. Foi nomeado novamente para o Grammy em 1991 e 1995. Milton já se apresentou na América do Sul, América do Norte, Europa, Ásia e África.


Seu carisma pessoal e gênio musical fazem-no ter o talento apreciado por muitos no mundo inteiro. Sua voz é considerada uma das maiores de todos os tempos na MPB. Em uma época financeiramente difícil na carreira de Milton Nascimento e ao mesmo tempo em que as portas se abriam ele tornou-se amigo de Agostinho Santos que era já era consagrado internacionalmente com a música Manhã de Carnaval e com a intensão de gravar composicões de Milton no seu próximo album e sem a autorização de Milton Nascimento, Agostinho gravou um tape com as três músicas de Milton e inscreveu no II FIC – Festival Internacional da Canção realizado pela Globo no Rio de Janeiro com as músicas Travessia com letra de Fernando Brant do qual obteve o segundo lugar, a música Morro Velho alcançando o sétimo lugar e ficando entre as 15 finalistas com a música Maria, minha fé . E ainda recebeu o Prêmio de melhor intérprete.


No ano de 1968, Milton Nascimento começa sua carreira no mercado internacional nos U.S.A para o lançamento do album “Courage” com arranjos by Eumir Deodato pela A&M Records do qual incluiu as músicas “Catavento e Travessia” com apresentações pelos U.S e México.


De volta à suas raízes no Brasil em 1969; lançou o LP Milton Nascimento pela Odeon, incluindo no repertório “Beco do Mota”, “Sentinela”e “Quatro Luas” , todas com Fernando Brant. Ainda nesse ano, fez a trilha sonora e participou como ator do filme Os Deuses e os Mortos, de Rui Guerra.Compôs a Trilha Sonora do filme Tostão, a Fera do Ouro, incluindo a música “Aqui é o País do Futebol”com Fernando Brant e no mesmo ano o show Milton Nascimento e o Som Imaginário”; grupo de rock progressivo composto por Wagner Tiso, Robertinho Silva, Luís Alves e Zé Rodrix. no Teatro Opinião , Rio de Janeiro.



Em seguida gravou “Milton”(1970) incluindo as músicas Clube da Esquina (com Lô Borges e Márcio Borges); Para Lennon e McCartney (Fernando Brant ,Lô Borges eMárcio Borges ); Canto latino (com Rui Guerra) .Participou do Festival Onda Nueva na Venezuela com Os Povos com Marcio Borges e em 1972 lançou Clube de Esquina um album duplo com Lô Borges, Beto Guedes, Toninho Horta, Wagner Tiso, Nivaldo Ornellas, Nelson Ângelo, Tavito entre outros, incluindo Cravo e canela com Ronaldo Bastos; San Vicente com Fernando Brant; Os povos e Lília com Fernando Brant; dedicada a sua mãe adotiva. Clube de Esquina é conseqüencia dos anos em que Milton e seus amigos se encontravam nos barzinhos de Belo Horizonte que até o dia de hoje tem ares de cidade do interior com a imposição da capital de Minas Gerais.Em 1973 lançou “Milagre dos Peixes”ao vivo devido a repressão militar e realizou um show intitulado com o mesmo nome apresentado no Teatro Municipal de São Paulo e no Rio de Janeiro acompanhado pelo Som Imaginário e orquestra em 1974.



Na década de 70 decorrente à ditadura que avassalava por todo o país e vários exilios;Milton também teve algumas de suas músicas sensuradas pelo Regime Militar tais como:Escravo de Jó, Hoje é dia de el rei e Cadê.No ano de 1975 lança nos U.S “Native Dancer”com o saxofonista Wayne Shorter (ex- Miles Davis) , Airto Moreira e Herbie Hancock entre outros.



No ano de 1981, lançou o LP “Caçador de Mim”, com os sucessos “Nos bailes da vida” e “Caçador de mim” E no mesmo ano , participou do filme Fitzcarraldo, de Werner Herzog. Em 1988 lançou o LP “Miltons”, com a música “Bola de Meia, Bola de Gude” (c/Fernando Brant). Em 1990 lançou o CD “Txai”, doando parte dos direitos autorais de vendagem do disco a entidades indígenas e alcançou primeiro lugar no “Billboard World Music List” com o respectivo album.



Em 1991 lança “O Planeta Blue na Estrada do Sol”.E no ano de 1993, gravou o CD “Angelus” pela Warner, com a participação especial dos cantores Jon Anderson e James Taylor produzido por Russ Titelman.


Foi premiado pelas Nações Unidas com o “World Rain Forest”em maio de 1996 pelo seu envolvimento em atividades em prol da ecologia e respeito pela natureza, do qual considera um dos prêmios mais importantes e comenta “É um dos mais importantes por não ser um prêmio político”.



Recebeu o Título de “Cidadão Honorário de Minas Gerais” e também um dos títulos mais importantes do país “A Ordem do Rio Branco”. E também o título “Chevalier des Arts et des Lettres” incluindo um lanche privado no “Elysée Palace”com o Presidente Francês François Mitterand.No ano de 1996 , apresentou o show Amigo em Nova York , acompanhado por um coro de 30 crianças e pela Orquestra Filarmônica de Nova York ; em seguida, com o mesmo show, participou do Festival de Jazz de Montreux, na Suíça, e do Festival de Tübingen, na Alemanha. No final do ano 1996, apresentou o mesmo show no The Royal Albert Hall em Londres, acompanhado pela Royal Philharmonic Concert Orchestra com sucesso absoluto.Milton Nascimento começa a ter complicações de saúde decorrente de anorexia nervosa e no ano de 1997 lança o LP “Nascimento” pela WEA com composições como “Rouxinou” e “Levantados do Chão”em parceria com Chico Buarque de Holanda.



Apareceu por duas vezes consecutivas na Revista de jazz Down Beat recebendo o título de “Melhor Artista do Ano” na categoria de jazz.no ano de 1997.Ainda no ano de 1997, a Polygram lançou caixa com dez CDs, remasterizados em Londres nos estúdios Abbey Road.No final do ano de 1997, colocou o pé na estrada e levou o show “Tambores de Minas” aos quatro cantos do país um encontro dos mestres Milton Nascimento e do Diretor de Teatro Gabriel Villela e as músicas “Louva a Deus”e “Teatro do Mundo”viraram clássicos assim como “Canção da América”e “Caçador de Mim”proclamado pela crítica brasileira como o melhor espetáculo e show do ano e um dos melhores da sua carreira.


Em 1997 Milton Nascimento teve participação especial em Rhythm Of The Saints, que com sua voz melancolica encantou Paul Simon e o resto do planeta.Recebeu o Grammy em 1998 na categoria de musica internacional com o album “Nascimento”. Ocorreu também o lançamento do livro Os sonhos não envelhecem - Histórias do Clube da Esquina, de Márcio Borges.Milton Nascimento participou de filmes como ator e compositor tais como “Os Deuses e os Mortos” de Ruy Guerra; “Noites do Sertão” de Carlos Alberto Prates; “A Terceira Margem do Rio” de Nelson Pereira dos Santos; “Veja Esta Canção” de Carlos Diegues; e “O Viajante” de Paulo Cezar Saraceni. Compôs para “Poema Sujo” de Ferreira Gullar e para o balé musical do Grupo O Corpo com “Maria, Maria” e”Último Trem” para o Grupo Stagium “Missa dos Quilombos” do qual receberam atentado de bomba pelo sentimento anti-racista. E para a Parsons Dance Company “Nascimento”.



Em 1999 lançou o album “Crooner”, um tributo ao passado interpretando “Only you”; “Frenesi”, música de Samuel Rosa, Lulu Santos, Nando Reis, Dolores Duran e do grupo Tamba Trio com uma aceitação admirável com mais de 300.000 cópias vendidas a WEA lança uma edição especial de Platina e no ano 2000 recebeu o Latin Grammy de Melhor Album Pop do Ano.Após o sucesso de “Crooner”, Milton Nascimento embarca juntamente com Gilberto Gil em “Gil e Milton” incluindo sons de Ari Barrroso, Dorival Cayme, Luis Gonzaga, George Harrison e Fito Paez resultando uma tournê pela Europa, America Latina e obviamente Brasil.




Em 2002 Milton Nascimento lançou seu próprio sêlo ”Nascimento” distribuido pela WEA. Em dezembro do mesmo ano lançou o album “Pietá” consagrado pelo público como um dos melhores trabalhos dos últimos anos e recebendo o prêmio de “Melhor Album de Música Brasileira de 2003”.


Teve participações especiais com músicos como Peter Gabriel, James Taylor, Paul Simon, Jon Anderson (Yes), Sting , Sarah Vaughn, Warren Cuccurulo (Duran Duran) entre vários outros. Milton Nascimento é abençoado com uma voz estraordinariamente harmoniosa e serena e ao mesmo tempo soa como um grito de liberdade e dor ardente que ultrapassa todas as barreiras e limites impostos pelo capitalismo; sua música retrata a história de Minas Gerais; é como se você estivesse voltando para casa e revivendo momentos inocentes e captando cada detalhe do que restou de um Brasil Imperialista.


Liberdade poética, cultura local e música universal: elementos conformadores da essência musical de quem tem no nome … infinitos sons.



Milton Canta "Eu Caçador de Mim"


JACQUES LOUSSIER, BACH WITH A JAZZY TOUCH.



The French pianist/composer, Jacques Loussier, was born on October 26,1934 in Angers, France, and started playing piano at the age of 10 and quickly demonstrated tremendous ability.



When Loussier was just 16, he entered the Conservatoire Nationale de Musique in Paris where he studied with Professor Yves Nat whose youthful compositions were praised by Fauré, Camille Saint-Saens and and Debussy, and whose prodigious gifts as a pianist were encouraged by Debussy.



Continuing this distinguished lineage, Loussier was to become one of Nat’s most accomplished pupils, heading the conservatory’s piano class of over five hundred students.In the late 1950's Jacques Loussier left the Conservatoire to commence a freelance career that included travels to South America and the Middle East as well as work as accompanist for Catherine Sauvage and Charles Aznavour.



In 1959, Loussier hit upon the idea that was to make his international reputation, combining his interest in jazz with his love of J.S. Bach. Only a pianist with such an exceptional classical technique and deft improvisatory skill could have nurtured such a vision. He founded the Play Bach Trio, which used Bach’s compositions as the basis for jazz improvisation. The trio immediately caught the public imagination. In their live appearances, tours and concerts, plus a succession of recordings built on the cornerstone of four albums made for Decca between 1960 and 1963, Loussier’s group achieved a breakthrough to popular commercial success enjoyed by only a select few jazz musicians.



In 15 years, the trio sold over six million albums.During its heyday, the trio broadened the range of its experiments with Jacques Loussier double tracking some pieces on organ and piano and, later, recording some of his arrangements of Bach’s concerti with the Royal Philharmonic Orchestra. However, after years on the road, like many popular commercial groups, the original trio reached the end of its natural life in 1978.



In 1980, Loussier retired to his home in Provence to compose, research and record. He had already dabbled in film and ballet composition, and had established his own recording studio at Miraval, not far from Nice, where in addition to composing his own pieces for acoustic and electronic instruments, he played host to many recording stars of the rock world including Pink Floyd, Elton John, Sting and Yes. In fact, segments of Pink Floyd’s The Wall were recorded at Loussier’s studio. Loussier's own music in the 1980's explored the integration of new technology with conventional instruments, just as his 1950's experiments explored the ground between jazz and classics.



He produced suites for piano, synthesizers, percussion and bass, and some rock-jazz-classical fusion works including Pulsions, Pagan Moon and Fusions Sous La Mer.The tercentenary of Bach’s birth in 1985 coaxed Jacques Loussier back to the trio format, and he re-formed the Play Bach Trio with two new partners. He feels his new trio has far more stylistic range than its predecessor, and whereas that was a pioneer group, the latter-day trio combines jazz, rock and contemporary classical ideas with a mix of jazz and Bach.

Loussier plays Bach with a jazzy flavor.

http://www.youtube.com/watch?v=_x0R0vFBHdE

Blogger's recommendation: Please, listen to the CD "Conference de Presse" recorded by Loussier together with the late great jazz pianist Michel Petruccianni. A master piece.

RANEE LEE, MONTREAL'S FIRST LADY OF JAZZ


Jazz vocalist Ranee Lee was born on October 26,1942 in New York City and although born and raised in Brooklyn, Ranee Lee has lived in Montreal for most of her adult life, and she is best-known for her fine recordings for the Canadian Justin Time label.



Lee performed as a singer while in high school, toured the U.S. with a local group, and, after she moved to Canada, she starred in the play Lady Day at Emerson's Bar and Grill.


The influences of Billie Holiday and Dinah Washington can be felt at times in her singing, but Ranee Lee also has her own sound. A measure of her talent is that Milt Hinton and Oliver Jones performed on her first recording (Deep Song) and Red Mitchell was a major factor on her second CD Jazz on Broadway.



Ranee sings.




Reference - Scott Yanow, All Music Guide

Sunday, October 25, 2009

ROBERTO MENESCAL,O BARQUINHO VAI.....


O violonista, arranjador e compositor Roberto Batalha Menescal, ou apenas Roberto Menescal, nasceu em 25 de outubro de 1937, em Vitória, no Espírito Santo, mas foi criado no bairro de Copacabana, no Rio. Começou a estudar piano em 1950, com tia, Irma Menescal. Dois anos depois, ganhou um acordeão e começou a tocá-lo de forma intuitiva.

Em 1954, quando passava férias em Vitória, se interessou pelo violão. Inicialmente autodidata, dois anos depois teve aulas com Edinho, do Trio Irakitan. Também estudou teoria, harmonia e contraponto com os maestros Guerra Peixe e Moacir Santos. Começou a carreira em 1957, acompanhando a cantora Sylvinha Telles em uma turnê pelo Brasil e no ano seguinte, abriu com o amigo Carlos Lyra uma academia, para dar aulas de violão e poder viver de música. Foi professor de Nara Leão, de quem se tornou amigo e passou a organizar com ela encontros para reunir a turma no apartamento da cantora, na avenida Atlântica. Os encontros reuniam aqueles que seriam os principais nomes da bossa nova.
Menescal ajudou a organizar o show da bossa nova no Grupo Universitário Hebraico e também o 1º Festival de Samba-Session, primeiros shows da bossa nova. Com o Conjunto Roberto Menescal atuou ao lado de músicos com Vinícius de Moraes, Dorival Caymmi, Aracy de Almeida e Billy Blanco.
Em 1961, compôs com Ronaldo Bôscoli a música "O Barquinho", um dos maiores clássicos da bossa nova. Em 1962 apresentou-se no histórico show da bossa nova no Carnegie Hall, em Nova York. Depois atuou como arranjador e produtor de discos. Em 1968, acompanhou Elis Regina em sua turnê pela Europa.
E, nos anos 70, assumiu a direção artística da gravadora Polygram. Em 1986, decidiu deixar o cargo de diretor artístico da PolyGram para dedicar-se exclusivamente à sua carreira de violonista, arranjador e compositor. Desde então, participa de projetos musicais seus e de novos talentos. Em 1997, fundou a produtora e gravadora Albatroz.
Roberto Menescal "Ah! Se Eu Pudesse"

http://www.youtube.com/watch?v=_jpWV2uvvAU

Fontes: "Dicionário Houaiss Ilustrado [da] Música Popular Brasileira. Rio de Janeiro: Paracatu Editora, 2006. Castro, Ruy. "Chega de Saudade". São Paulo: Companhia das Letras, 1990

JIMMY HEATH, A BRILLIANT INSTRUMENTALIST.


Saxophonist Jimmy Heath born on October 25,1926 has long been recognized as a brilliant instrumentalist and a magnificent composer and arranger. Jimmy is the middle brother of the legendary Heath Brothers (Percy Heath/bass and Tootie Heath/drums), and is the father of Mtume. He has performed with nearly all the jazz greats of the last 50 years, from Howard McGhee, Dizzy Gillespie, and Miles Davis to Wynton Marsalis.

In 1948 at the age of 21, he performed in the First International Jazz Festival in Paris with McGhee, sharing the stage with Coleman Hawkins, Slam Stewart, and Erroll Garner. One of Heath’s earliest big bands (1947-1948) in Philadelphia included John Coltrane, Benny Golson, Specs Wright, Cal Massey, Johnny Coles, Ray Bryant, and Nelson Boyd. Charlie Parker and Max Roach sat in on one occasion.
During his career, Jimmy Heath has performed on more than 100 record albums including seven with The Heath Brothers and twelve as a leader. Jimmy has also written more than 125 compositions, many of which have become jazz standards and have been recorded by other artists including Art Farmer, Cannonball Adderley, Clark Terry, Chet Baker, Miles Davis, James Moody, Milt Jackson, Ahmad Jamal, Ray Charles, Dizzy Gillespie J.J Johnson and Dexter Gordon. Jimmy has also composed extended works - seven suites and two string quartets - and he premiered his first symphonic work, “Three Ears,” in 1988 at Queens College (CUNY) with Maurice Peress conducting.
After having just concluded eleven years as Professor of Music at the Aaron Copland School of Music at Queens College, Heath maintains an extensive performance schedule and continues to conduct workshops and clinics throughout the United States, Europe, and Canada. He has also taught jazz studies at Jazzmobile, Housatonic College, City College of New York, and The New School for Social Research.

In October 1997, two of his former students, trumpeters Darren Barrett and Diego Urcola, placed first and second in the Thelonious Monk Competition.

The Heath Brothers Quartet

Reference - Jazz Music

TECO CARDOSO, TALENTO BRAZUCA


O flautista e saxofonista paulistano Teco Cardoso nasceu no 25 de outubro de 1960 . Neste momento o musico se prepara para dar inicio, dentro de tres dias, a uma turnê pela Europa ao lado do acordeonista Toninho Ferragutti e da cantora Mônica Salmaso, com quem é casado. O trio passará por vários lugares como Alemanha, Bélgica e Itália, totalizando oito países. A turnê acaba em 9 de novembro na cidade de Amsterdam, Holanda.

Filho de pai pianista, Teco já gravou com Edu Lobo, Dory Caymmi, Joyce, Hermeto Paschoal, João Donato, Ulisses Rocha, Léa Freire, além de vários importantes artistas e grupos instrumentais.

Quanto à formação musical, Teco estudou no C.L.A.M. - Centro Livre de Aprendizagem Musical - dirigido pelo Zimbo Trio. Teve aulas com Léa Freire, Grace Henderson, Keith Underwood, Cláudio Leal Ferreira e Moacir Santos. No final da década de 70, participou do Movimento de Música Independente Paulista com grupos como PéAntePé, Grupo Um e ZonAzuL.

Com o grupo Pau Brasil, que integra desde a década de 80, gravou cinco álbuns e excursionou em vários países da Europa. Teco é um dos fundadores da gravadora Núcleo Contemporâneo e, pelo selo, lançou "Meu Brasil", o primeiro - e premiado - disco solo (levou o Prêmio Sharp em 1998). Este significativo trabalho juntou 42 músicos em gravações nos Estados Unidos e no Brasil.

Outros álbuns solo vieram. Com o violonista Ulisses Rocha lançou “Caminhos Cruzados”; com o percussionista Caito Marcondes fez “O Cineasta da Selva”, trilha sonora do longa-metragem de nome homônimo, e com a flautista Léa Freire compôs o álbum “Quinteto”.

Atualmente, Teco Cardoso faz parte da Orquestra Popular de Câmara, a qual ajudou a fundar, e atua como solista convidado em diversos projetos instrumentais.

Teco toca "Camisa Amarela" de Ary Barroso.


Fonte - Musica Brasil

EDDIE LANG, THE FATHER OF JAZZ GUITAR.


O guitarrista de jazz Eddie Lang, nasceu no 25 de Outubro de 1912, e foi o primeiro virtuose da guitarra deste genero musical que se tornou fenomeno mundial. Era amigo de infância do violinista Joe Venuti e estudou violino durante 11 anos, antes de escolher a guitarra para se profissionalizar em 1924, com o grupo Mound City Blues Blowers.

Rapidamente começou a ser convidado para participar de muitas gravações, não só em jazz mas tambem em outros ritmos. Tocava nos padrões europeu e tornou-se um dos mais solicitados acompanhantes para gravações, muito embora fosse um excelente solista. Frequentemente acompanhava Joe Venuti e participava do grupo Red Nichols' Five Pennies, de Frankie Trumbauer e Bix Beiderbecke (com o qual gravou a antologica "Singin'the Blues"). Tocou em várias orquestras e com a Orchestra de Paul Whiteman, apareceu ao lado de Venuti no filme "King of Jazz".


Lang era tão versátil que conseguia acompanhar cantores de blues, tocar musica classica e "jam" com grandes musicos de sua época. Tocou no Okeh de 1926 a 1933, e sob o pseudonimo de Blind Willie Dun, Lang manteve duradoura parceria com o guitarrista de blues Lonnie Johnson.

Trabalhou alguns anos no inicio da década de 30 com Bing Crosby, e com ele apareceu no filme "Big Broadcast".

Faleceu tragicamente durante uma operação de retirada das amigdalas por excesso de sangramento. Sua morte abalou Bing Crosby que o considerava um grande amigo e por ter partido dele a recomendação para que Lang fizesse a operação.

Eddie Lang plays.

Eddie Land and Ruth Etting
http://www.youtube.com/watch?v=JyX3fUqGx6c


Eddie Lang was born on October 25,1902 and was the first Jazz guitar virtuoso. A boyhood friend of Joe Venuti, Lang took violin lessons for Singin' the Blues) years but switched to guitar before he turned professional in 1924 with the Mound City Blue Blowers. He was soon in great demand for recording dates, both in the jazz world and in pop settings.


His sophisticated European sounding chord patterns made him a unique accompanist, but he was also a fine soloist. He often played with violinist Venuti and with Red Nichols's Five Pennies , Frankie Trumbauer and Bix Beiderbecke (most memorably on the song “Singin' the Blues”). He played in many orchestras including Roger Wolfe Kahn Orchestra , Jean Goldkette and with Paul Whiteman (appearing on one short number with Venuti in Whiteman's 1930 film “King Of Jazz”).

Lang was a versatile player who could back Blues singers, play Classical music, and jam with the greatest musicians of his day. He was the house guitarist at Okeh from 1926 to 1933. Using the pseudonym of Blind Willie Dunn, Lang often teamed up with Blues guitarist Lonnie Johnson.


Eddie Lang led several dates of his own between 1927 and 1929, including an interesting session with King Oliver and Johnson, under the name of Blind Willie Dunn and his Gin Bottle Four. He worked regularly with Bing Crosby during the early 1930s and appears briefly with him in the film “The Big Broadcast”.


Tragically his premature death was caused by a poorly performed operation, where he lost too much blood during a routine tonsillectomy. Bing was deeply disturbed by Lang's death, not only because he suddenly lost one of his best friends and most talented sidemen, but because he had personally urged Lang to have the operation.


Reference - AAJ
Tradução de Humberto Amorim