ALICE BABS, THE SWEDISH JAZZ VOCALIST.

A cantora e atriz sueca Hildur Alice Nilsson, mais conhecida como Alice Babs, nasceu no 26 de janeiro de 1924 em Kalmar, Suécia. Estabeleceu inicialmente, reputação intrenacional como cantora de jazz, devido aos seu envolvimento com o genero. Em 1939, cantava em clubes noturnos.

Seu primeiro sucesso foi com a canção "Swing it Magistern" -(Suinga, professor!), quando ela era apenas uma adolescente de 15 anos de idade, em 1940. Como atriz, Alice participou de vários filmes produzidos em seu país.

Em 1958, Alice Babs foi a primeira cantora a representar a Suécia no Festival Eurovisão da Canção, terminando a competição em 4º lugar, interpetando a canção "Lilla Stjärna" (Estrelinha).

Em 1963 inicou um período de colaboração com o bandleader Duke Ellington que rendeu a sua participação no segundo e terceiro "Sacred Concerts" de Duke que escreveu partes da música, especialmente para ela. A voz de Babs tinha um grande alcance e Ellington disse que quando ela não cantava as partes que eram para ela, ele tinha de usar três diferentes cantoras. Quando Ellington esteve em turnê com sua banda pela Europa,em 1973, ela participou também de alguns shows. Infelizmente, um disco notável que ela gravou com Ellingtom, continua até os nossos dias, sem republicação.

Alice Babs, atualmente, vive os seus anos de outono, se apresentando em publico, esporadicamente.

Alice Babs canta em Sueco, o seu primeiro sucesso "Swing It magistern!"



http://www.youtube.com/watch?v=m7_94j2qYbk

Alice Babs, one of Europe's top jazz singers was born on January 24th, 1924 in Kalmar,Sweden and since she was a teenager, she is a celebrity in her native Sweden and a legend in Europe, while in the United States (where she has rarely visited) she is chiefly known for her occasional association with Duke Ellington.

Since Babs was an early nickname, she adopted Alice Babs as her stage name, at the beginning of her career.

She began making records when she was only 15, having a hit with "Swing It Magistern"( Swing it Teacher). Babs'cheerful style, youthful enthusiasm and ability to incorporate occasional yodeling into her singing made her the symbol of swing in Sweden, while her versatility and impressive musicianship allowed her to have a long career.

Alice Babs also worked as an actress in the 1940s, appearing in more than a dozen films in Swedish, although most of her recordings were of swing standards in English. While open to aspects of bebop, she was not really a bop singer, although her tone and sense of swing fit into the 1950s Swedish cool jazz movement quite confortably. She recorded steadly sometimes with violinist Svend Asmussem, the Harry Arnold Orchestra or altoist Arne Domnerus, and a occasionally ventrured outside the world of jazz into pop and classical music.

In 1963, Babs recorded a notable album with Duke Ellington that unfortunatelly remains out of print. She later worked with Ellington on his second and third Sacred Concerts sounding particularly beautiful on "Heaven". She also performed with Ellington during part of his European tour, in 1973.

While less active, since the early 1990s, Alice Babs still makes occasional public appearances.

Reference - Scott Yannow

Tradução de Humberto Amorim

JOE ALBANY

O pianista de jazz Joseph Albani, conhecido como Joe Albany, nasceu no 24 de janeiro de 1924 em Atlantic City, Nova Jersey. Joe estudou piano desde criança e em 1943 foi para Costa Oeste tocar na orquestra de Benny Carter. Foi um dos poucos músicos brancos a acompanhar o saxofonista Charlie Parker. Ele também tocou com Miles Davis.

Durante a carreira musical trabalhou com vários nomes do jazz, e na vida pessoal, muito complicada, envolveu-se com heroína, passou um tempo recluso na Europa e acabou por se casar várias vezes.

Um documentário de 1980 "Joe Albany.. a Jazz Life" e o livro "Low Down, Junk, Jazz and other Fairy Tales from Childhood" escrito por sua filha, Amy Jo, contam a sua história.

Jope Albany faleceu em New York City em 1988.

Joe Albany toca o clássico "Al The Things You Are"

http://www.youtube.com/watch?v=Zajxjq3_NSQ

Jazz pianist Joseph Albani, known as "Joe Albany", was born on January 24th, 1924, in Atlantic City, New Jersey, and studied piano as a child and by 1943 he was working on the West Coast in Benny Carter's orchestra. It is remarked on his being among the few white pianists to have played bebop with Charlie Parker. He also played with Miles Davies.

He continued for a few years afterward and was on an album by Warne Marsh album in 1958. Despite that, most of the 1950s and 1960s saw him battling a heroin addiction or living in seclusion in Europe. He also had several unsuccessful marriages in the period. He returned to jazz in the 1970s and produced a few albums.

He was the focus of a documentary in 1980 titled "Joe Albany ... A Jazz Life" and his daughter Amy Jo "AJ" wrote the memoir "Low Down: Junk, Jazz, and Other Fairy Tales From Childhood" concerning him. The book received favorable reviews.

Joe Albany passed away in New York City, in 1988.

Referencia - Jazzmusic

Tradução de Humberto Amorim

AVERY PARRISH, O COMPOSITOR DO BLUES "AFTER HOURS"

Foto - Banda de Erskine Hawkins, Avery Parrish está ao piano.

O pianista e compositor Avery Parrish, nasceu no 24 de janeiro de 1917. Enquanto cursava a Alabama State Teachers College entrou para 'Bama Street Collegians que depois veio a converter-se na Erskine Hawkins Big Band.

Permaneceu com Hawkins nos anos gloriosos da banda, até 1941, e está presente em todas as gravações por esta realizadas. A banda de Erskine jamais tornou-se famosa ,mas em sua história consta a criação do clássico blues "After Hours" composto por Avery, e que veio a receber várias outras leituras feitas por grandes músicos como Dizzy Gillespie, Woody Herman, Hazel Scott, Roy Haynes, entre outros, e ainda uma versão vocal da maravilhosa Aretha Franklin.

Avery, saiu da banda de Hawkins e foi para California, onde se envolveu em uma briga de bar, ficando parcialmente paralizado em decorrência dos ferimentos e por isso, sua carreira foi encerrada. Faleceu misteriosamente em Dezembro de 1959, e apesar de nunca ter gravado um disco solo, passou para a história da música como compositor do blues "After Hours".

Ouça David Maxwell solando "After Hours", a famosa composição de Avery Parrish.

http://www.youtube.com/watch?v=DUGMSFbDma0

Pianist and composer Avery Parrish was born on January 24th,1917. Parrish attended Alabama State Teachers College where he became a member of the 'Bama Street Collegians in 1934, which in time became the Erskine Hawkins Big Band. Parrish was with Hawkins through the glory years, staying until 1941 and appearing on all of the band's early recordings.

The Erskine Hawkins Big Band, which, while not as popular as many other big bands of the era, were a very able and functioning working band that has one detail that no other band from that time has: they created the classic standard “After Hours.”

Avery Parrish played piano and arranged the song in 1940 for label Bluebird. It became an instant classic, and for many years any piano player worth his salt knew how to play this blues chart. It has been recorded many times. There are versions by Dizzy Gillespie, Woody Herman, Hazel Scott, Phineas Newborn, Hank Crawford, Buck Clayton, Roy Haynes, Ray Bryant, James Booker, and even a vocal version by Aretha Franklin. It is still used today in many “stump the piano player” scenarios.

There are many mysterious characters in jazz and blues history whose names are remembered or recognized on the records down below the artist in parenthesis, as the composer of the song. Avery Parrish will go down in history as the composer of the classic blues piano song “After Hours.”

Avery left Hawkins in 1941 to work in California but a year later he was in a bar fight, suffered partial paralysis and his playing career was over; he was only 24. Avery Parrish, who never recorded under his own name, spent the rest of his life working day jobs and when he was 42 he died mysteriously in December,1959.

Reference - Scott Yanow, All Music Guide

Listen to Avery's most famous composition, the blues "After Hours"

http://www.youtube.com/watch?v=DUGMSFbDma0

MANAUS,DOMINGO,MEIO DIA,101,5 FM, JAZZ, SYLVIA BROOKS

No programa "Momentos de Jazz" deste domingo nublado em Manaus, pelas ondas da Radio Amazonas FM 101,5 (http://www.amazonasfm.com.br/) vamos destacar inicialmente a música jazz que foi registrada em disco pela primeira vez, em 17 de agosto de 1917, pelo conjunto jazzistico Original Dixieland Jazz Band - ODJB, no album "The Creators of Jazz", em Nova York. A banda era formada por Dominick James "Nick" LaRocca, Edwin "Daddy" Bransford, Larry Pat Shields, Henry Ragas e Tony Sbarbaro, todos musicos brancos.

A vocalista de jazz Sylvia Brooks, que faz o seu debut no mundo fonografico do jazz com o excelente CD "Dangerous Liaisons" , nos diz pra que veio com todas as notas musicais revisitando os classicos do Great American Book e ainda de quebra, levando a sua admiração pela musica latina na impecável leitura de "Sway", com muito balanceio.

O legendário jazz master Johnny Hartman, um dos mais injustiçados cantores de jazz na história musical do genero, sendo afamado em vida, abaixo de seus méritos, devido principalmente a midia da época que voltava a atenção para Billy Ekstine, acabou por se tornar mais reconhecido após a sua morte, principalmente devido a inclusão de sua música na trilha sonora do filme "The Bridges of Madison County" do amante do jazz, ator e cineasta Clint Eastwood. No CD "Unforgettable" Johnny com o back up de uma big banda com cordas, se torna mais inesquecivel.

O vocalista de jazz Jim Altamore lançou o CD "License to Swing" e interpreta os classicos do jazz com singela musicalidade. Desraque para leitura de Nice "N" Easy e "The More I See You".

Fecharemos o nosso programa com o jazz dinamarques da bela Malene, no CD "Malene" que me foi presenteado pela amiga de longas datas, Daniela Assayag, que esteve em recente viagem de trabalho na Dinamarca, esbarrou com o jazz e resolveu me trazer o mimo. Audição imperdível.

Em 2010, quinze anos de jazz!

Obrigado pela audiência. O melhor ainda está por vir.

Humberto Amorim

Locutor/Produtor

DJANGO REINHARDT, A GUITARRA CIGANA DO JAZZ

O guitarrista de jazz Django Reinhardt, nasceu no 23 de janeiro de 1910, em Liberchies, Bélgica e foi um dos pioneiros do jazz na Europa, e também, um dos primeiros músicos não negros nesse estilo musical. Django passou a maior parte de sua juventude em um acampamento cigano na periferia de Paris, tocando banjo, guitarra e violino em danceterias da cidade. Em sua primeira gravação conhecida de 1928, toca banjo. Ele é o compositor de "Les Yeux Noirs".

Aos 18 anos, Reinhardt foi ferido pelo fogo que incendiou a casa que ele dividia com Bella, sua primeira mulher. Ela fazia flores artificiais de papel e celulose para viver, por isso a casa deles vivia cheia de materiais altamente inflamáveis. Certa noite, ao retornar de uma apresentação, Django derrubou acidentalmente uma vela quando ia para a cama. Enquanto sua família e vizinhos tentavam salvá-lo ele acabou sofrendo queimaduras de primeiro e segundo grau por metade de seu corpo. Sua perna direita ficou paralisada e sua mão esquerda gravemente queimada. Os médicos achavam que ele nunca mais tocaria guitarra novamente. Ele ainda quase teve a perna amputada, mas deixou o hospital pouco tempo depois e, um ano depois, ele já podia andar com a ajuda de bengalas.

O irmão de Django, Joseph Reinhardt (também um exímio guitarrista), lhe trouxe uma nova guitarra. Através de uma dolorosa reabilitação e prática, Django readiquiriu sua habilidade de um modo completamente novo, mesmo com dois dedos parcialmente paralisados. Ele ainda era capaz de usar esses dois dedos para tocar, mas não para fazer solos. Em 1934, Louis Vola formou o "Quintette du Hot Club de France" com Reinhardt, o violinista Stéphane Grapelli, Joseph, o irmão de Django, Roger Chaput na guitarra, e Louis Vola no baixo. Ele produziu numerosas gravações àquele tempo e tocou com diversas lendas do jazz americano como Coleman Hawkins, Benny Carter, Rex Stewart e Louis Armstrong.

Reinhardt não sabia ler música, e era supostamente analfabeto devido a suas origens humildes. Quando a Segunda Guerra foi iniciada, o quinteto estava em turnê pela Inglaterra. Reinhardt retornou a Paris, deixando sua mulher para trás, e se juntou a Hubert Rostaing (clarinetista), em substituição ao violino de Grappelli.

Reinhardt sobreviveu à Segunda Guerra ileso, ao contrário de muitos outros ciganos que foram executados nos campos de concentração nazistas. Essa época foi muito difícil para Django porque o jazz não era permitido no regime nazista. Ele teve a ajuda de um oficial da Força Aérea Alemã chamado Dietrich Schulz-Köhn, conhecido como Doktor Jazz, que admirava muito sua música.

Em 1943 ele casou com Sophie Ziegler in Salbris, com quem teve um filho, Babik Reinhardt, que também acabou se tornando um respeitado guitarrista.Depois da Guerra, Reinhardt voltou a se juntar a Grappelli na Inglaterra. Foram para os EUA para uma turnê, abrindo apresentações para Duke Ellington, e tocando no Carnegie Hall, com vários músicos e compositores famosos como Maury Deutsch. Apesar do grande orgulho que Reinhardt sentia por tocar com Duke Ellington, ele não estava realmente integrado com a banda, tocava somente alguns acordes no final do show, sem nenhum arranjo especial para ele.

Django Reinhardt foi uma das primeiras pessoas a apreciar e entender a música de Charlie Parker e Dizzy Gillespie. Ele chegou a procurá-los quando chegou a Nova Iorque, mas infelizmente eles estavam em alguma turnê.

O conceito de "Lead Guitar" (Django) e "Rhythm Guitars" (Joseph Reinhardt / Roger Chaput) nasceu no Quintette Du Hot Club De France. Eles usavam suas guitarras para percussão quando não havia percussão de verdade na sessão.

Em 1948, Reinhardt recrutou alguns músicos italianos de jazz (baixo, piano, percussão) e gravou um de seus mais aclamados trabalhos, “Djangology”, mais uma vez em parceria com seu compatriota Stephane Grappelli no violino. Entretanto, sua experiência nos EUA havia feito dele uma pessoa diferente da que Grappelli havia conhecido, influenciado principalmente pelo jazz americano. Mas nessa gravação, Django voltou a suas raízes, tocando de novo a acústica Selmer-Maccaferi. Esta gravação foi recentemente descoberta por entusiastas do jazz e está disponível para venda nos EUA e Europa.

Em 1951 mudou-se para Samois sur Seine, França, perto de Fontainebleau. Ele viveu lá por dois anos até 16 de maio de 1953, quando, retornando da estação de trem de Avon, ele desmaiou devido a uma hemorragia cerebral. O médico levou o dia todo para chegar e Django foi declarado morto ao chegar no hospital em Fontainebleau.

Mini documentário musical sobre Django.

http://www.youtube.com/watch?v=-iJ7bs4mTUY

Fonte - Wikipédia

GARY BURTON

O vibrafonista Gary Burton, nasceu no 23 de janeiro de 1943, e aprendeu piano antes de passar para o vibrafone. Em 1960 fez sua estréia discográfica tocando com o guitarrista country Hank Garland, depois passou dois anos no Berklee College of Music. Em 1963 tocou com o quinteto do pianista George Shearing. Entre 1964 e 1966 tocou com Stan Getz.

Em 1967, junto com o guitarrista e violonista Larry Coryell, formou um dos primeiros grupos de fusion. Depois tocou e gravou com Carla Bley, Paul Bley, Chick Corea, Mick Goodrick, Steve Swallow, Roy Haynes, Pat Matheny, John Scofield, Ralph Towner, Eberhard Weber, Stéphane Grappelli, Keith Jarett, Michael Brecker, Peter Erskine e outros. Os duos com Corea, em particular, tornaram-se clássicos. A partir de 1971, Burton passou a lecionar na Berklee. Nos anos 80, Burton teve entre seus parceiros musicais Swallow, o pianista Makoto Ozone, o trompetista Tiger Okoshi e o saxtenorista Tommy Smith.

A partir de 1985 teve início a parceria de Burton com o gênio do moderno tango instrumental, Astor Piazzolla. Também é interessante notar a recorrente disposição de Burton em tocar junto com guitarristas e pianistas, combinação instrumental à primeira vista não muito contrastante, uma vez que tanto a guitarra como o piano partilham com o vibrafone a característica de serem instrumentos polifônicos e de som não-sustentado.

Em 1992, Burton gravou o disco Six Pack, com a participação dos guitarristas B. B. King, John Scofield, Jim Hall, Kurt Rosenwinkel, Kevin Eubanks e Ralph Towner. Em 1998 gravou Like Minds, com um conjunto all-star formado por Chick Corea, Pat Matheny ,Dave Holland e Roy Haynes. Em 2000 gravou um tributo a Piazzolla, intitulado Libertango, e em 2001 lançou For Hamp, Red, Bags, and Cal, um tributo aos vibrafonistas Lionel Hampton, Red Norvo, Milt Jackson e Cal Tjader.

Burton é um indiscutível virtuose do vibrafone, um digno sucessor moderno dos grandes mestres Lionel Hampton e Milt Jackson, mas com um estilo totalmente pessoal. Assim como acontece com Jean-Luc Ponty no violino, Burton monopoliza praticamente sozinho a cena de seu instrumento no jazz contemporâneo. Sua notável técnica de tocar usando quatro baquetas lhe permite construir texturas de grande sofisticação. É um músico pesquisador, um educador e um encorajador de novos talentos.

Gary & Chick Corea "Rhumbata"

http://www.youtube.com/watch?v=hCZ-iL19Em4

Fonte 'V. Bezerra.

CALABRIA FOTI, A RENAISSANCE WOMAN

Jazz singer Calabria Foti was born on January 23rd, in Fredonia, upstate NY, into a family of musicians, and was completely immersed in music from the very beginning.

Highly trained and gifted musicians, her parents passed on amazing intrinsic musical skills to their daughter (including an incredible memory and understanding of music after only one hearing) and their deep love for music and education.

Calabria's first instruments were jazz guitar and bass. And because of her love for classical music, she also took up the violin and became very successful, including holding positions of concertmaster and associate concertmaster in several orchestras.

By age 12, in addition to playing several instruments and seriously studying the violin, Calabria was singing and performing in nightclubs and hotels with her musician parents and their colleagues. Her parents introduced her to the music of the vocalists who would become her biggest influences: Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Frank Sinatra, Sammy Davis, Jr, and Judy Garland.

Apparently, she learned her lessons well, as today’s music industry giants have praised Ms. Foti’s amazing vocal talent, and her unique way of making a connection with her audience.

Calabria Foti is almost a kind of musical Renaissance Woman. In addition to her talents as a performer, she is also a gifted songwriter and vocal arranger. Her passion for music education has led her to coaching and conducting vocal and string ensembles of all performance levels in both jazz and classical music. Having a natural ability for teaching and a thoroughly engaging manner, she brings a wealth of knowledge and experience of both vocal and instrumental music into every educational setting.

Her CD " A Lovely Way To Spend An Evening" released in October (2007), has received rave industry reviews. The CD is a rich collection of lush ballads, edgy jazz and Broadway show tunes. Legendary singer Johnny Mathis, The King of Romance Himself, says, “One of my greatest pleasures in life is listening to a beautiful voice. This recording of Calabria Foti's voice is some of the most beautiful and artistic music I have ever heard. Her heart and mind are on display in every well-chosen song. It is a treasure . . . what a joy.”

Her other CD "When a Woman Loves a Man", is worth listening to.

Calabria sings "A Lovely Way to Spend an Evening"
http://www.youtube.com/watch?v=roeTzlzQSqk

Reference - American Music

J.J. JOHNSON

Jazz trombonist, composer and arranger J. J. Johnson, born James Louis Johnson, on January 22nd,1924, Indianapolis, Indiana, was also, sometimes credited as Jay Jay Johnson. He was one of the first trombonists to embrace bebop music. He has long been regarded as one of the leading trombonists of the post-swing -era, exerting a pervasive influence on other jazz musicians.

Considered by many to be the finest jazz trombonist of all time, J.J. Johnson somehow transferred the innovations of Charlie Parker and Dizzy Gillespie to his more awkward instrument, playing with such speed and deceptive ease that at one time some listeners assumed he was playing valve (rather than slide) trombone! Johnson toured with the territory bands of Clarence Love and Snookum Russell during 1941-42 and then spent 1942-45 with Benny Carter's big band.

He made his recording debut with Carter (taking a solo on "Love for Sale" in 1943) and played at the first JATP concert (1944). Johnson also had led plenty of solo space during his stay with Count Basie's Orchestra (1945-46).

During 1946-50, he played with all of the top bop musicians including Charlie Parker (with whom he recorded in 1947), the Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-49) and the Miles Davis Birth of the Cool Nonet. His own recordings from the era included such sidemen as Bud Powell and a young Sonny Rollins. J.J., who also recorded with the Metronome All-Stars, played with Oscar Pettiford (1951) and Miles Davis (1952) but then was outside of music, working as a blueprint inspector for two years (1952-54).

His fortunes changed when in August 1954 he formed a two -trombone quintet with Kai Winding that became known as Jay and Kai and was quite popular during its two years. After J.J. and Kai went their separate ways (they would later have a few reunions), Johnson led a quintet that often included Bobby Jaspar. He began to compose ambitious works starting with 1956's "Poem for Brass" and including "El Camino Real" and a feature for Dizzy Gillespie, "Perceptions"; his "Lament" became a standard. Johnson worked with Miles Davis, during part of 1961-62, led some small groups of his own, and by the late '60s was kept busy writing television and film scores.

J.J. Johnson was so famous in the jazz world that he kept on winning Down Beat polls in the 1970s even though he was not playing at all! However, starting with a Japanese tour in 1977, J.J. gradually returned to a busy performance schedule, leading a quintet in the 1980s that often featured Ralph Moore.

Jay Jay Johnson passed way in February,2001

Listen to Jay Jay Johnson with Kay Winding

http://www.youtube.com/watch?v=QxUj2fKFX7A

Reference - Scott Yanow

The Musical World of J.J. Johnson - Scarecrow Press recently released a new paperback version of their 1999 publication titled, The Musical World of J.J. Johnson. The paperback has a new appendix on Johnson's untimely death and an index to song titles....

LIZZ WRIGHT

A cantora e compositora de jazz Elizabeth LaCharla Wright, que adotou o nome artistico Lizz Wright, nasceu no 22 de janeiro de 1980 em Hahira, Georgia. Filha de um pastor batista, Lizz iniciou com seis anos cantando gospel e tocando piano antes dos sermões de seu pai , e se sentiu atraída por jazz e blues ainda criança. No jardim da infância se destacou cantando "Amazing Grace" todos as manhãs, depois da saudação matinal da professora.

Frequentou a Houston County High School, foi participante ativa no coral da escola, e recebeu o National Choral Award. Wright estudou música na Georgia State University, em Atlanta.

O grande e definitivo encontro com jazz deu-se através do programa de rádio da pianista de jazz Marian McPartland, pela National Public Radio - NPR. Sua inspiração é focada na música de Abbey Lincoln, Dianne Reeves e Nina Simone.

O primeiro álbum de Lizz, "Salt", foi lançado em 2003 e chegou ao segundo lugar da Billboard, top jazz contemporâneo em 2004. Em junho de 2005 lançou o CD "Dreaming Wide Awake", onde ele mistura jazz, gospel e pop, atingiu o primeiro lugar em 2005 e 2006.

Lizz Wright e amigas.
http://www.youtube.com/watch?v=9yWOVrwe1Zw

Fonte - Allmusic

EVA TAYLOR, THE DIXIE NIGHTINGALE.

A atriz, cantora de jazz e blues Irene Gibbons, que ficou famosa com o nome Eva Taylor, nasceu no 22 de janeiro de 1895, em St.Louis, Missouri e foi uma das primeiras cantoras Afro-Americanas a cantar no radio e a gravar um disco, mesmo sem ser considerada uma autêntica cantora de blues.

Sua voz tinha um som agradável, não desafinava, muito swing e o seu fraseado era de fácil compreenção. Assim como Ella Fitzgerald, uma década depois, Eva Taylor sempre externava um ar de felicidade, ao cantar.

Começou a carreira artistica como atriz-mirim, viajou pelo mundo e em 1920 foi para Nova York, onde se tornou famosa cantando em clubes no Harlem. No ano seguinte casou-se com o produtor Clarence Williams e juntos participaram de muitos projetos, gravações de discos, 12 canções da revista musical "Bottomland" e vários programas no rádio.

Eva fez inúmeras gravações pela gravadora Blue Five de Williams, e participou das gravações que reuniu em estúdio a famosa dupla Sidney Bechet e Louis Armstrong, entre 1924 e 1925.

No final da década de 20, apresentava o seu próprio programa de rádio pela Rede NBC. Abandonou o show business na década de 40, mas até a sua morte, se apresentou em concertos esporádicos e clubes de jazz.

Eva Taylor, faleceu em outubro de 1977 em Nova York.

Eva Taylor canta "I Found a New Baby" com acompanhamento típico de New Orleans.

http://www.youtube.com/watch?v=xKZtTFwR6zA

Talented entertainer, jazz and blues singer Eva Taylor, born as Irene Gibbons, on January 21st in St.Louis, Missouri, was one of the first African-American singers to be heard on radio and to record who was not a classic blues singer.

She had a very likable sound, was in-tune even if her range was small, swung well, and had an easy-to-understand voice. As with Ella Fitzgerald, a decade later, Eva Taylor always sounded happy to be singing. She started out as child actor in a traveling revue that toured the world visiting Europe, Australia and New Zealand between 1900 and 1920.

In 1920 she moved to New York City, where she became a popular singer in the night clubs of Harlem. The following year she married pianist, publisher and producer Clarence Williams. The couple collaborated on many projects, including dozens of songs, a musical revue called "Bottomland", and radio programs.

They remained married until Williams' death in 1965. In 1922 Taylor made her first record for the African-American owned Black Swan label, who billed her as "The Dixie Nightingale". She would continue to record dozens of Blues, Jazz and popular sides for Okeh and Columbia thoughout the 1920s and 1930s. She was the lead singer on several of Williams' classic Blue Five recording dates, including the famous sessions that brought Louis Armstrong and Sidney Bechet together in 1924 and 1925.

During the late 1920s Eva had her own radio show on NBC in New York. She retired from show business in the early 1940s, but continued to make occasional concert and night club appearances. The actor Clarence Williams III of Mod Squad fame is Eva and Clarence's grandson.

Nota do Blogger:

Recommended CDs.

Eva Taylor Volume I, Volume II, Volume III, The legendary Eva Taylor with Maggie's Blue Five (gravado quando ela estava com 80 anos e ainda esbanjando talento)

Reference - Redhotjazz

Tradução de Humberto Amorim

NOVO DISCO DE GATO BARBIERI

Esta não é uma música para o jantar, nem é o Último Tango em Paris, entretanto há insinuações de tango esvoaçando em torno do programa. Isto é Gato Barbieri com um pouco de estridência em sua caminhada, saindo da liberdade da “avant-garde” dos anos 60 — alta, abrasiva, pouco polida e sem apologias.

Mostrando a influência do seu trabalho com Don Cherry, Barbieri traz toneladas de energia para esta sessão de 1967 pela ESP, que o encontra dialogando com um parceiro inusual, Calo Scott, tocando um cello eletrificado.A grande entonação de Barbieri parece uma nota eletrificada, já que ele toca com uma intensidade que rivaliza com os atuais guitarristas.

Seu sax soa de todas as formas, e apresenta um sentimento maldosamente distorcido quando alcança os extremos do seu instrumento, o que é frequente.As duas faixas são separadas em duas sessões, que não são facilmente discerníveis ao se escutar. A música alcança elevada efervescência, diminui um pouco, então volta a subir de tom outra vez. As diferentes sessões misturam beleza constante com explosivas expressões livres.

Em certo ponto, a entonação e escolhas de Barbieri são magníficas, envoltas em um senso de exploração determinada. Por outro lado seu som atua como um prolongado eletrochoque. A inspiração, ocasionalmente, perde-se na repetição, como se o sax tomasse a mesma linha repetidamente, martelando multifônicos gemidos. Frequentemente, isto soa bem, mas nem sempre.Os momentos de excelência ocorrem quando Scott e Barbieri mergulham em momentos de profunda conversação, repetindo linhas para cada um, ou leva a música para uma majestosa e devastadora altura. "Obsession No. 2 / Cinemateque" apresenta uma beleza quase clássica, ainda que tocada pelo sentimento do “free”.

O baterista Bobby Kapp também tem chance para brilhar na segunda faixa, com um par de extensos e poderosos solos com tempestade polirítmica. Traços de tango são livremente postos na cacofonia de "In Search of the Mystery / Michelle". Scott parece sofrer um pouco nesta faixa, mas seu notável pizzicato na abertura cria quase um ar místico para Barbieri ser amoroso, antes de mergulhar na música com crescente intensidade.

Embora não seja uma música para muitos, é excitante ouvir Barbieri com seu som rascante, uivos e tempestuosidades. A música é sempre original, sempre pessoal e sempre em busca de algo para mostrar.

Como nunca encontra as respostas, mantém o frescor do seu som e faz ouvir, verdadeiramente, uma única e verdadeira experiência.

CD "In Search of the Mystery"

Faixas: In Search of the Mystery / Michelle; Obsession No. 2 / Cinemateque.

Músicos: Gato Barbieri: saxofone tenor; Calo Scott: cello; Norris Jones "Sirone": baixo; Bobby Kapp: bateria.

Fonte : All About Jazz / Warren Allen

JIMMY COBB, O BATERISTA DO "KIND OF BLUE"

O legendário baterista de jazz Jimmy Cobb nasceu no 20 de Janeiro de 1929, em Washington D.C., autodidata, tem como fato marcante em sua carreira musical, a participação da gravação de um dos mais famosos álbuns da história do jazz o "'Kind of Blue" - uma obra-prima do trompetista Miles Davis.

Em 1959, Miles Davis reuniu seu famoso sexteto - John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Wynton Kelly, Paul Chambers e Jimmy Cobb - no 30th Street Studio, em Nova York, e, em apenas duas sessões de improviso, criou uma obra-prima. O album 'Kind of Blue' é uma referência para músicos, entusiastas e neófitos. Suas impressionantes vendas confirmam sua longevidade e sua importância ainda causa impacto na música.

O jornalista americano Ashley Kahn lançou um olhar cuidadoso sobre a história do álbum e escreveu o livro "Kind of Blue"onde traça um panorama do jazz nos anos 50 e recria o cenário dessa monumental gravação. O livro começa com a emocionante chegada do autor aos estúdios da Sony Music, que detém os arquivos de 'Kind of blue', e transmite toda a ansiedade e excitação que o raro acesso aos originais do álbum causam. Em seguida, relata a chegada de Miles Davis a Nova York e repassa sua trajetória até se debruçar sobre as duas famosas sessões de gravação. Desse ponto em diante, o foco se alarga novamente para mostrar sua repercussão e influência.

Com transcrições de trechos não-editados das fitas master, entrevistas, arquivos da Columbia Records recém-descobertos, cerca de cem imagens (incluindo fotografias inéditas, partituras e registros do estúdio), entrevistas e o prefácio do único membro sobrevivente da banda, Jimmy Cobb, 'Kind of Blue' é um tributo a um importante episódio da história da música mundial.

Jimmy Cobb toca com seu trio
http://www.youtube.com/watch?v=v5SMxMYb1gc

Legendary jazz drummer, Jimmy Cobb, was born in Washington, D.C. on January 20, 1929. A superb, mostly self-taught musician, Jimmy is the elder statesman of all of the incredible Miles Davis bands. Jimmy's inspirational work with Miles, John Coltrane, Cannonball Adderly and Co. spanned 1957 until 1963, and included the masterpiece “Kind of Blue”, the most popular jazz recording in history. He also played on “Sketches of Spain”, Someday My Prince will Come”, “Live at Carnegie Hall, “Live at the Blackhawk”, “Porgy and Bess”, and many, many other watermark Miles Davis recordings.

The Miles recordings and live performances are not the only high points of Jimmy's quiet, but truly outstanding career. Jimmy did his first recording with Earl Bostic. Known from an early age as a great accompanist, Jimmy played extensively with Dinah Washington, Billie Holiday, Pearl Bailey, Clark Terry, Dizzy Gillespie, Cannonball Adderly, before joining Miles in 1957. Tony Williams took over the Miles drum chair in 1963 and Jimmy left Miles to continue to work with Miles' rhythm section, Winton Kelly and Paul Chambers behind Wes Montgomery.

In addition to several Winton Kelly Trio Albums, the three did albums with Kenny Burrell, and J.J. Johnson, among others, before disbanding in the late 60's. Mr. Cobb then worked with Sarah Vaughn for 9 years. Jimmy then continued to freelance with several great groups throughout the 70's 80's and 90's including, Sonny Stitt, Nat Adderly, Ricky Ford, Hank Jones, Ron Carter, George Coleman, Fathead Newman, The Great Jazz Trio, Dave Holland and Warren Bernhardt, and many, many others worldwide. (see list on succeeding pages).

Eleana Tee produced a Television Special “So that Nobody Else Can Hear”, which aired on AandE in the early 90's featuring Jimmy playing and hangin' with Freddie Hubbard, Gregory Hines, Bill Cosby, Dave Leibman, Pee Wee Ellis, and others. Jimmy has played around the world from Newport to Monte Carlo, from LA to Japan. From New York to Brazil. He has performed for President Carter, the Shah of Iran and many other dignitaries in his storied career and is quoted extensively in “Kind of Blue”, the Documentary of those legendary recording sessions.

Currently, Jimmy is not slowing down even a little. He splits any downtime between his New York City “digs” and his home in Woodstock, NY with his two children, Jaime and Serena, and long time partner and collaborator, Eleana Tee. However, he still tours with his own band, “Cobb's Mob” and combines with many incredible artists both old and new. Jimmy has just completed a “Four Generations of Miles” album with guitarist, Mike Stern, Ron Carter (bass), and George Coleman (tenor) for Chesky records.

Jimmy released his newest and long awaited solo album, “Yesterdays”, produced by Eleana Tee for Rteesan Productions. It features Michael Brecker on tenor, Marion Meadows on soprano, Roy Hargrove, trumpet and flugelhorn, Jon Faddis, trumpet, Eric Lewis, electric piano, Peter Bernstein, guitar, Jerry Mall, percussion and John Weber on bass. This album was done in Jimmy's two adopted home towns; recorded and shot in New York, and mixed and edited in Woodstock, NY. It includes a wide variety of arrangements ranging from a unique interpretation of Jimi Hendrix “Purple Haze” to ballads “Yesterdays” and blues (All Blues, Faddis, Monk) and standards, “Without a Song” and “Love Walked Right In”. This major musical statement will include several music videos and a complete television documentary. And as usual with Jimmy Cobb, you won't believe what's up next! - - -

Fonte - Jazzmusic

Tradução de Humberto Amorim

CONNIE HAINES, THE NIGHTINGALE FROM SAVANNAH.

Connie e Frank Sinatra (foto)

A vocalista de big bands Yvonne Marie Antoinette JaMais, famosa como Connie Haines, "O Rouxinol de Savannah", nasceu no 20 de janeiro de 1921, em Savannah, Georgia, mas cresceu na Flórida. A mãe, sua instrutora de voz e dança, investiu no talento da filha de olho na excelencia. Aos 4 anos Yvonne se apresentou no Bijou Theater em Savannah na peça musical "Saucy Baby". Aos 5, ganhou vários concursos dançando Charleston na Georgia e na Flórida.

Yvonne, era uma cantora baixinha, atrevida, divertida com uma voz e ritmo marcantes, que ficou famosa fazendo dupla com Frank Sinatra como "crooner" da Orquestra de Tommy Dorsey, antes de partir para uma carreira solo.

Gravou 200 canções e 24 de seus discos venderam mais de 50.000 mil cópias. O nome Connie Haines lhe foi dado por Dorsey, que alegou que com um nome tão grande quanto o dela, não restaria espaço nos painéis de anúncio dos shows, para o nome dele. No inicio ela entendeu que seu nome seria Ames e não Haines, e acabou assinando vários autógrafos como Connie Ames.

Connie Haines faleceu aos 87 anos, em Setembro de 2008 na Flórida. Uma semana depois de seu enterro, sua potente voz ainda era ouvida na gravação da secretária eletrônica cantando "I 've Got The World on a String"

Connie Haines canta "Will You Still Be Mine" com a Tommy Dorsy Orchestra

http://www.youtube.com/watch?v=t1mBU-GpFGE

Big band vocalist Yvonne Marie Antoinette JaMais, best known as Connie Haines, "The Nightingale from Savannah", was born on January 20, 1921, in Savannah, Ga., but grew up in Florida. Her mother, who taught voice and dance, pushed her talented daughter to excel. At 4, Yvonne appeared at the Bijou Theater in Savannah in a “Saucy Baby” show. At 5, Baby Yvonne Marie won state contests in the Charleston dance in Georgia and Florida.

At 9 she won a talent contest sponsored by Uncle Ralph Feathers, who in the South ran the sort of amateur contests for which Major Bowes was famous. Before she turned 10, she parlayed that into a regular radio show on the NBC affiliate in Jacksonville, Fla., billed as Baby Yvonne Marie, the Little Princess of the Air. At 10 she appeared with the Paul Whiteman Orchestra, and things accelerated even faster.

She won the actual Major Bowes contest in New York, and appeared on Fred Allen's radio show. At 16 she was auditioning for a job in the Brill Building, headquarters of Tin Pan Alley. Harry James, the orchestra leader, happened to hear her and immediately hired her. But he asked her to change her name, saying she looked like a Connie. More pointedly, he said that if she used her full name, there would be no room for him on the marquee. At first she thought he had named her Ames, not Haines, and for a few days signed autographs that way.

She was a peppy, petite, big-voiced singer with a zippy, rhythmic style who most famously teamed up with Frank Sinatra as lead vocalists with the Tommy Dorsey Orchestra, then went on to a prolific career of her own.

Miss Haines, made 200 recordings, including 24 records that sold more than 50,000 copies; regularly filled up prestigious nightclubs like the Latin Quarter in New York; and performed five times at the White House. Polls in music magazines in the 1940s rated her as one of the top female band singers.

While Sinatra specialized at the time in ballads and slow foxtrots, Miss Haines threw herself into rhythmic up-tempo tunes. Where did you learn to swing like that?” Dorsey asked when he first heard her at a club in New Jersey. “And when can you join my band?”

Her recordings including gospel, pop and soul, as well as big-band barnburners. The best-selling ones included “You Might Have Belonged to Another”; “Oh! Look at Me Now”; “What Is This Thing Called Love?”; and “Will You Still Be Mine?” A crowd favorite was “Snootie Little Cutie,” which often elicited ad libs from Sinatra.

She made the most of her sultry Southern accent, sometimes to Sinatra’s amusement. In her personalized rendition of “Let’s Get Away From It All,” she improvised, “We’ll spend a weekend in Dixie. I’ll get a real Southern drawl.” Sinatra piped in, “Another one?”

Miss Haines appeared on the radio with Abbott & Costello,Bing Crosby,Bob Hope and Jack Benny, among others. On television she appeared with Milton Berle,Ed Sullivan,Eddie Cantor and Perry Como. Her work on Frankie Laine’s variety show drew particular note.Her movies included her favorite, “Duchess of Idaho” (1950), with Esther Williams and Van Johnson.

After James ran into financial trouble, both singers ended up with Dorsey when he was adding a robustness and kick to his style, taking on an innovative new arranger, Sy Oliver, and six new vocalists. The others were Jo Stafford, and the three-man vocal group the Pied Pipers. Miss Haines said that Dorsey taught her phrasing, how to take one big breath and let the words flow, she told The Tampa Tribune in 1998. He told her to always think of telling a story, of “acting to music.”

At one point when she was performing with Dorsey, she remembered, Sinatra saved her life. She was about to go on stage in Madison Square Garden when a smoker in a balcony tossed a match and set her ruffled tulle dress on fire. Sinatra threw his coat over her and fell on her, smothering the flames, she said.

Miss Haines’s marriage to Robert DeHaven, a World War II fighter ace, ended in divorce. She is survived by her son, Robert DeHaven Jr. of San Francisco.

Two weeks after her funeral services were held, Miss Haines’s voice — still strong and swinging — could be heard on her answering machine. “I’ve got the world on a string,” she sang.

Ms. Haines died at the age of 87, in Clearwater Beach, Fla on September, 2008.

Reference - Douglas Martin

Tradução de Humberto Amorim

RAY ANTHONY, BIG BAND IS HIS BUSINESS.

O legendário bandleader de jazz Ray Anthony, nasceu no 20 de janeiro de 1922, em Cleveland ,Ohio e começou a sua carreira musical na tenra idade na banda da familia chamada Antonini Family Orchestra.

Quando cursava o ensino médio tocou em bandas locais e mais tarde, estreiou profissionalmente com Al Donahue em 1940. Depois de passar um pequeno periodo com Donahue, Ray foi contratado pela banda de Glenn Miller mas so permaneceu seis meses por incompatibilidades com o famoso lider da orquestra.

Em seguida, tocou na banda de Jimmy Dorsey e então formou a sua propria banda que tinha uma linha de instrumentos bem particular: um trompete, uma corneta francesa , cinco saxes, e três sessões rítmicas.

Um dos problemas de Ray era seu estilo de tocar e arranjos que denotavam um cunho comercial muito forte, relegando à segundo plano os fãs de jazz. Felizmente, algumas de suas gravações no final dos anos 50, revelaram o lado "swingante" de Ray. Um de seus maiores sucessos foi "Dragnet" gravado em 1953. Ainda que a maior parte das gravações de Ray foi considerada comercial ( ou "cafona" como colocou a revista Down Beat nos anos 40), ele registrou publicou albuuns com alto teor de swing. Tão diferente de seu trabalho costumeiro que para o ouvinte, nem parece que é o mesmo músico, a mesma banda.

Nos anos 80, Ray voltou a fazer turnês com big band e formou também a "Big Band 80" voltada para apresentações em escolas, radios e clubes. Até os dias atuais, Ray continua se dedicando a sua grande vocação musical, e é permanece indubitavelmente, o grande embaixador do ritmo das big bands. Por seis décadas, ele tem mantido acesa a chama da Era Dourada do Jazz e da musica popular americana.

Ray plays "The Fox"

http://www.youtube.com/watch?v=olhwCfIBArQ

Legendary bandleader Ray Anthony, was born on January 20th,1922 in Cleveland ,Ohio and began his musical career at age five, playing in his family's group, the Antonini Family Orchestra. During his highschool years he wiorked with local bands and later made his professional debut with Al Donahue in 1940.

After only a short time with Donahue, Anthony was hired by Glenn Miller but left after six months, unable to get along with the famous orchestra leader. He then played briefly with Jimmy Dorsey before forming his own group, which featured unique instrumentation -- one trumpet, one French horn, five saxes, and three rhythm.

In 1942 he entering the Navy, where he led a service group in the Pacific. Upon being discharged in 1946 he formed a new orchestra, signing with Capitol Records. When Ralph Flanagan began the parade of Glenn Miller imitation bands Anthony fell in line and, like other imitators, made good money. During the 1950s he had a string of hits, including “Peter Gunn,” “The Bunny Hop,” “Harbor Lights,” and a jazzed-up version of the Dragnet theme song. He also appeared in several movies during that decade, such as This Could Be the Night and the Fred Astaire vehicle Daddy Long Legs.

Ray Anthony’s Harry James style trumpet and arrangements were mainly aimed at a more commercial oriented crowd rather than jazz fans. However a few of his late 50’s releases show the swinging side of Ray Anthony. Several noted here contain recordings far removed from his usual commercial fare.

One of his biggest “hits” was the theme to “Dragnet” which he recorded in 1953. Although much of Anthony’s output is considered commercial (or as Down Beat magazine in the 40’s would have called it “corn”) he has cut several records that swing heartily. These recordings sound so dissimilar from his usual output it is hard to believe it could be the same musician.

Two releases in particular stand out; the first a great LP from the 1950’s called “Anthony Plays Allen.” This finds Anthony’s trumpet flanked by the likes of Conte Candoli, Plas Johnson, Conrad Gozzo, Skeets Herfurt, and Alvin Stoller among others. To a lesser degree but still enjoyable is the release “Swings The Thing.” Fortunately both at this writing are available on a single CD. A great side from his early Capitol days is “Skycoach” recorded in 1950. This recording flows smoothly and features both Mel Lewis and Ray Brown, two jazz heavyweights.

His biggest hit came in 1954, when, after bugging Jack Webb for months to get him to release the recording rights, he recorded a cover of the theme to Webb's cop show, Dragnet. He also earned a Top 10 hit with a dance tune that sparked a craze even shorter-lived than the Macarena: The Bunny Hop. Anthony's rockin' cover of “Peter Gunn” was the probably the best-selling single recording of that tune.

Anthony eventually broke up his big band and settled down to work in Vegas and elsewhere with smaller combos. He continues to run his own label, Aerospace, which reissues his recordings as well as those of Glenn Miller and Billy May.

During the 1980s Anthony began touring with a big band again. He also formed Big Bands 80s, an organization dedicated to providing big band music to schools, radio stations and other venues.

Ray Anthony remains, to this day, dedicated to his calling and has been one of Big Band music's most dedicated ambassadors. For sixty years he has helped keep alive the sounds of America's golden age of jazz and pop music.

Marilyn Monroe at the Ray Anthony Party. Ray and his Orchestra play "Pardon Me Boy"
http://www.youtube.com/watch?v=lDImQtHfVlo

Reference AAJ

Tradução de Humberto Amorim

K-XIMBINHO, CLARINETISTA BRAZUCA

O clarinetista, compositor, arranjador e regente Sebastião Barros, que ficou mais tarde conhecido musicalmente como K-Ximbinho, nasceu no 20 de janeiro de 1917, em Taipú no Rio Grande do Norte e ainda menino, freqüentava os ensaios da banda de sua cidade natal, Taipu, da qual fez parte anos depois. Nessa época, iniciou-se na clarineta e em solfejo.

Frequentava os ensaios da banda de sua cidade na época em que começou os estudos de clarinete, mudando-se mais tarde com a família para a capital do estado. Chegou a participar junto com outros estudantes secundaristas de um conjunto de jazz, o Pan Jazz. Participou também, quando servio o exército, da banda de sua corporação.

Em 1938, ano em que Severino Araújo assumiu a direção da famosa 'Orquestra Tabajara', K-Ximbinho entrou para o grupo, ficando até 1942, quando mudou-se para o Rio. Integrou neste ano a 'Orquestra do Maestro Fon-Fon' e depois a de 'Napoleão Tavares'. Em 1945 quando a 'Orquestra Tabajara' já estava no Rio de Janeiro, voltou a integrar o grupo, ficando até 49.

Seu primeiro Choro gravado foi 'Sonoroso' ( com Del Loro ), pela Continental em 1946.Participou, junto com a maioria dos instrumentistas brasileiros da época, dos anos de ouro do rádio, acompanhando os nomes em evidência, e também teve muita importância no circuito de orquestras e boates, tendo participado em 1955 do grupo da famosa boate 'Sachas'.

Também participou da incipiente televisão brasileira, sendo orquestrador da TV Globo na década de 60.Seus maiores sucessos, além de 'Sonoroso', são 'Eu quero é sossego', 'Sonhando' 'Sempre', entre outras.

Segundo o maestro e saxofonista Paulo Moura, K-Ximbinho foi "o mais original dentre os instrumentistas que se dedicaram à orquestra popular urbana". Dedicou-se ao "jazz", ao choro e ao conjunto regional. Sua atuação no "jazz" do Brasil é marcada pela criação de formações camerísticas, fazendo orquestração.

Dentre as suas composições destacam-se: Autoplágio • Baião potiguar • Catita • Começou o Baile • Dá-lhe garoto • Eu quero é sossego • Gilka • Ilusão demais • Juras de amor • Just walking • Mais uma vez (c/ Del Loro) • Manda brasa • Meiguice • Mora no balanço • Penumbra • Perplexo • Sempre • Simoninha na Barra • Sonhando • Sonoroso •

K-Ximbinha, faleceu em Junho de 1980, no Rio de Janeiro.

Discografia:

• Perplexo/Tudo passa (1953) Continental 78
•
Começou o baile/Baião potiguar (c/seu conjunto) (1954) Continental 78
•
Um clarinete à jato/Fim de semana em Paquetá (c/sua orquestra) (1954) Continental 78
•
A fonte secou/Gilka (c/seu conjunto) (1955) Continental 78
•
Ama-me ou esquece-me/Murmurando (c/seu conjunto) (1956) Odeon 78
•
Le rififi/Jura (c/seu conjunto melódico) (1956) Odeon 78
•
Molambo/Arrasta a sandália (c/seu conjunto) (1956) Odeon 78
•
Suba espuma/Esperando você (c/seu conjunto) (1956) Odeon 78
•
Em Ritmo de dança (1958) Polydor LP
•
O Samba de Cartola (1959) Polydor LP

Referencia - Musica de Choro

CONGRESSO AMERICANO HOMENAGEIA "KIND OF BLUE"

O álbum de Miles Davis ,”Kind of Blue”, foi homenageado pelo Congresso norte-americano, como um marco contributivo para o jazz, conforme informa a “Associated Press”. O disco comemorou, 50 anos de lançamento, ano passado, sendo reconhecido através de uma votação, que obteve unanimidade.

A moção, “H. Con. Res. 894, foi apresentada pelo Republicano John Conyers (D-Michigan) e registrou a homenagem para “o 50º aniversário da gravação do álbum “Kind of Blue” de Miles Davis e a reafirmação do jazz como um valioso patrimônio nacional.”O grupo fez história na música e mudou a paisagem artística do país e, de algum modo, no mundo”, Conyers declarou. O congressista foi, também, o autor e responsável pela lei, aprovada em 1987, que designou o Jazz como um raro e valioso patrimônio dos Estados Unidos.

Miles Davis tinha a banda composta por John Coltrane e Cannonball Adderley, nos saxofones, Bill Evans e Wynton Kelly no piano, Paul Chambers no baixo e Jimmy Cobb na bateria.“Kind of Blue” foi lançado em 17 de Agosto de 1959 pela “Columbia Records”. É considerado por muitos críticos uma obra-prima. É um dos discos de jazz mais vendidos de todos os tempos, obtendo, em 2008, o certificado quádruplo de platina.

O disco também é considerado como de grande influência, causando grande impacto não só para a comunidade jazzística, mas estendendo-se a outros gêneros como o rock, funk e hip-hop.

Davis faleceu após um derrame cerebral em 1991. Cobb é o único músico , participante da gravação , que sobrevive.O cinquentenário do álbum tem sido largamente comemorado. No Festival de Jazz de Barcelona haverá bandas e programações especiais, com lançamento de produtos comemorativos. Em 2008 houve uma reedição em uma caixa luxuosa.

O 50 aniversário do CD "Kind Of Blue"

http://www.youtube.com/watch?v=pBpLKm8vw4M

Fonte: JazzTimes / Aubrey Everett

IRENE KRAL

A cantora de jazz Irene Kral, nasceu no 18 de janeiro de 1932, em Chicago,Illinois. O irmão mais velho de Irene, Roy Kral, fazia sucesso como cantor, na época em que ela começou a cantar profissionalmente, ainda na adolescência.


Inicou cantando em bandas itinerantes lideradas por Woody Herman e Chubby Jackson, que foi baixista na banda de Herman.


Juntou-se a banda de Maynard Fergusson no final dos anos 50 e cantou também em bandas liderados por Stan Kenton e Shelly Manne. Até a sua morte prematura, aos 46 anos, desenvolveu carreira solo. Irene foi uma excelente cantora de baladas, que uma vez declarou ser Carmen McRae, a sua fonte de inspiração.

A critica especializada considera o CD "Where is Love" (1974), como o melhor de sua carreira

Irene, faleceu de um câncer na mama, em agosto de 1978.

Irene Kral canta.
http://www.youtube.com/watch?v=J2-tHEZVQa0



Jazz vocalist Irene Kral, was born on January 18th, 1932 in Chicago,Illinois. Irene's older brother, Roy Kral, was a successful musician when Irene started singing professionally as a teenager. She sang with bands on tours led by Woody Herman and Chubby Jackson, former Herman bass player.






Irene joined Maynard Ferguson's band in the late 1950s and sang with groups led by Stan Kenton and Shelly Manne.






Irene then started a solo career until her death at 46 years of age. She was a ballad singer who stated that Carmen McRae was one of her inspirations.






Irene was made more famous posthumously when Clint Eastwood used her recordings in his 1995 movie, The Bridges of Madison County.





Irene passaed away in August,1978.

Irene Kral sings.

http://www.youtube.com/watch?v=J2-tHEZVQa0

Discography

Boy with Lots of Brass - EmArcy (1957)
The Band and I - (1958)
Detour Ahead - United Artists (1958)
Steveireneo - United Artists (1959)
Better Than Anything - DRG (1963)
Guitar from Ipanema - Capitol (1964)
Wonderful Life - Mainstream (1965)
Where Is Love? - (1974)
Live in Tokyo - (1976)
Kral Space - (1977)
Gentle Rain - Choice (1977)
The Buddy Collette Quintet with Irene Kral - Studiowest/VSOP (1997)
Live Culture Press - (1998)
Where Is Love? - Choice/Koch (1999)
You Are There? - Audiophile (1999)
Just For Now - Jazzed Media (2004)

Fonte - Wikipédia

Tradução de Humberto Amorim

EARTHA KITT, CANTORA DE JAZZ E MULHER-GATO NEGRA.

A atriz, cantora de jazz e estrela de cabaré Eartha Mae Kitt, nasceu no 17 de janeiro, de 1927, na Carolina do Sul. Ficou mais famosa, talvez por sua participação como Mulher-Gato, no seriado da televisão Batman & Robin, nos anos 60.

Filha de mãe parte afro-americana, parte Cherokee e pai branco, a cantora participou de apenas três únicos episódios do famoso seriado, mas não foi bem aceita pelo público, que rejeitou uma "Mulher-Gato negra". Apesar dos estranhamentos, Eartha ficou muito conhecida por sua risada e seu “rugido” áspero.

Participou de apenas três únicos episódios do seriado e diminuindo a audiência da época pois muitos fãs não aceitavam uma Mulher-Gato negra. Com tantas reclamações Julie Newmar voltou rapidamente para o papel, mesmo com o cabelo tingido de loiro.

Curiosidades sobre Eartha Kitt:

Foi a segunda intérprete da Mulher-Gato, a primeira negra

Suas fotos vestida de Mulher-Gato são muito raras, pois a mesma participou apenas de três únicos episódio do seriado Batman & Robin.

Foi a primeira atriz a apresentar o uniforme da Mulher-Gato (preto) em cor diferente (verde na sua primeira aparição e azul na segunda), não deixando de também aparecer de preto.

Fez muito sucesso com a canção "Santa Baby", que interpretou de forma sensual, com duplo sentido. A comercialização do disco foi proibida nas lojas, durante algum tempo.

Eartha canta "Santa Baby"

http://www.youtube.com/watch?v=kzd6oCP3FKk

Fonte - Wikipédia

CYRUS CHESTNUT

American jazz pianist, songwriter and producer Cyrus Chestnut, was born on January 17, 1963 in Baltimore, Maryland., son of McDonald ( a ritires post office employee and church organist) and Flossie ( a city social services worker and church choir director). In 2006, Josh Tyrangiel, music critic for Time Magazine, wrote: "What makes Chestnut the best jazz pianist of his generation is a willingness to abandon notes and play space."

Chestnut enjoys mixing styles and resists being typecast in any one niche, though his gospel sound is apparent on a number of his recordings.

Chestnut started his musical career at the age of six, playing piano at Mount Calvary Baptist Church in hometown. By age nine, he was studying classical music at Peabody Institute. In 1985, Chestnut earned a degree in jazz composition and arranging from Boston's renowned Berklee College of Music. While at Berklee, Chestnut was awarded the Eubie Blake Fellowship (1982), the Quincy Jones Scholarship (1983), and the Oscar Peterson Scholarship (1984).

Chestnut toured as pianist for Jon Hendricks, 1986-88; Terrence Blanchard, 1988-90; Donald Harrison, 1988-90; Wynton Marsalis, 1991; and the Betty Carter Trio, 1991-93. His association with Carter, which began in '91, significantly affected his outlook and approach to music, confirming his already iconoclastic instincts. Carter advised him to "take chances" and "play things I've never heard," Chestnut says.

In 1993, at the age of 30, Chestnut signed with Atlantic Records, releasing the critically-acclaimed Revelation (1993), followed by The Dark Before The Dawn (1994) (the album debuted in the sixth spot on the Billboard Jazz Charts), Earth Stories (1995) and then Cyrus Chestnut (1998).

Chestnut has also performed and/or recorded with, Freddy Cole,Bette Midler,Jon Hendricks,Freddie Hubbard,Jimmy Scott,Chick Corea,Isaac Hayes,Kevin Mahogany, Dizzy Gillespie, and opera diva Kathleen Battle, most notably on the Sony Classical recording "So Many Stars". Their shared church roots resulted in such a positive chemistry between Battle and Chestnut that he then joined the star soprano on a Fall 1996 U.S. Tour.

Later that same year came Blessed Quietness: A Collection of Hymns, Spirituals and Carols (1996), a reverently assembled album of traditional numbers deeply instilled with the gospel and blues Chestnut grew up listening to. In addition to appearing on the soundtrack to director Robert Altman's 1996 feature film "Kansas City", Cyrus also made his big screen debut portraying a Count Basie-inspired pianist.

In 2006, Chestnut released his first album Genuine Chestnut on TelArc Records. On it he is accompanied by his regular trio which includes Michael Hawkins, bass and Neal Smith, drums.

Additional artists on board for this session include Russell Malone, guitar and Steven Koon, percussion. Includes satisfying jazz interpretations of some well known pop numbers of the past half century, including “If,” the early ‘70s soft-rock ballad by Bread.. “This song has been with me ever since the sixth grade,” Chestnut recalls. “I had to play it for my English teacher’s wedding. I’ve played it in many and various contexts. I actually played it in a Top 40 band when I was just out of school. A lot of time has passed, but then recently I just started thinking about it again.” Best of all, he plays gospel tunes with a heartfelt fervor that never descends into sentimentality.

Chestnut's own "Mason Dixon Line" is one of the album's high points, a joyful bebop number that makes you hope he'll someday do a whole album of Bud Powell compositions. The album's relentless, midtempo pleasantness makes it easy to stop paying attention by about halfway through, but every time you catch yourself drifting and start listening closely again, you'll notice something else wonderful.

Cyrus plays the blues.

http://www.youtube.com/watch?v=C2Kuwl2nBQg

Reference - Wikipédia

CEDAR WALTON, JAZZ MASTER E DEFENSOR DO JAZZ

O pianista de hard-bop jazz Cedar Anthony Walton, nasceu no 17 de janeiro de 1934, em Dallas, Texas. Cursou a Universidade de Denver e depois foi para New York, em 1955.


Passou dois anos engajado no exército, e ao sair, juntou-se a banda de Kenny Dorham. No final dos anos 50 estava tocando com o trmbonista J.J. Johnson, The Art Farmer/Benny Golson jazztet e Gigi Gryce, e, em 1959 participou da gravação do disco antológico de John Coltrane " Giant Steps".


No inicio dos anos 60 integrou a banda Art Blakey Jazz Messengers, como pianista arranjador, por três anos e nela tocou com Wayne Shorter e Freddie Hubbard. Saiu da Jazz Messengers em 1964 e no final daquela mesma década, trabalhou como músico de estudio da gravadora Prestige Records onde, além de publicar seus proprios discos, gravou com Sonny Kriss, Pat Martino, Eric Closs e Charles McPherson.


Nos anos 70 liderou a banda funk Mobius. A mais conhecida composição de Walton é "Bolivia" e uma das mais antigas é "Fantasy in D", gravada por Art Blakey sob o titulo de "Ugetsu", em 1973. Continua liderando seu proprio grupo de jazz e atuando como freelance.

Ainda na semana passada, foi intitulado pela "National Endowment for the Arts - NEA", como Jazz Master e defensor do jazz, em uma lista onde além dele, estavam Kenny Barron, Annie Ross e Bobby Hutcherson, entre outros.um dos destaques da música em 2009.


Cedar toca "Bolivia"
http://www.youtube.com/watch?v=w5_IsfKIrAE


American hard bop jazz pianist Cedar Anthony Walton, Junior was born on January 17, 1934 in Dallas, Texas. After attending the University of Denver, Walton moved to New York in 1955.


After a two year stint in the army in which he performed in a jazz ensemble, he joined Keenny Dorham's band. By the late 1950s Walton was playing with J.J. Johnson, The Art Farmer/Benny Golson Jazztet, and Gigi Gryce, and by 1959 he recorded on John Coltrane's seminal album Giant Steps.


In the early 1960s, he joined Art Blakey's Jazz Messengers as a pianist-arranger for 3 years, where he played with Wayne Shorter and Freddie Hubbard. He left the Messengers in 1964 and by the late 1960s was part of the house rhythm section at Prestige Records, where in addition to releasing his own recordings, he recorded with Sonny Criss,Pat Martino,Eric Kloss and Charles McPherson.


During the mid-1970s, Walton led the funk group Mobius. He has also recorded with Hank Mobley,Abbey Lincoln, Lee Morgan, and led the band Eastern Rebellion. He continues to lead his own groups and freelance.


"Bolivia" is perhaps Walton's best known composition, while one of his oldest is "Fantasy in D", recorded under the title "Ugetsu" by Art Blakey in 1963.



Referência - Wikipédia
Tradução de Humberto Amorim