DAVID MURRAY

O saxofonista e clarinetista de jazz David Murray, nasceu no 19 de fevereiro de 1955, em Oakland, California. David tornou-se saxofonista e clarinetista dos mais conceituados nas décadas da evolução e reconfiguração convulsiva do jazz moderno, e tem já o seu lugar reservado na história do genero jazz.

No decurso da sua extensa carreira, David Murray sentiu-se também atraído pelo estudo e pela prática das músicas Africanas e Caribenhas, diversas vezes materializadas na constituição de grupos de maior ou menor amplitude com a participação de inúmeros músicos oriundos dessas regiões, numa constante viagem e convivência entre o jazz e a world music.

Murray costuma tocar com um quarteto chamado Black Saint, formado por Lafayette Gilschrist (piano). Jaribu Shahid (contrabaixo) e Hamid Drake (bateria). Este quarteto é o contexto por excelência para o desenvolvimento cada vez mais expressivo e concludente da faceta de compositor de David Murray, que o multi-instrumentista, de forma peremptória e calorosa, cada vez mais pretende desenvolver.

David é um músico premiado (ver lista abaixo) e publicamente reconhecido pelo sua versatilidade e inventividade com folego impar devido ao uso da técnica de respiração circular que permite a ele criar, sopros mais longos do que os normais.

David Murray and "The Black Saint Quartet"

http://www.youtube.com/watch?v=egtWO2zrsw4

Tenor saxophonist and sometimes bass clarinetist David Murray, was born on February 19, 1955, in Oakland, California. Murray plays mainly tenor saxophone and sometimes bass clarinet. He has recorded prolifically for many record labels since the mid-1970s.

Murray was initially influenced by free jazz musicians such as Albert Ayler and Archie Shepp. He gradually evolved a more diverse style in his playing and compositions. Murray set himself apart from most tenor players of his generation by not taking John Coltrane as his model, choosing instead to incorporate elements of mainstream players Coleman Hawkins,Ben Webster and Paul Gonsalves into his mature style. Despite this, he recorded a tribute to Coltrane, Octet Plays Trane, in 1999. His 1996 tribute to the Gratefuldead,Dark Star, was also critically well received.

Murray was a founding member of the World Saxophone Quartet with Oliver Lake,JUlius Hempfill and Hamiet Bluiett. He has recorded or performed with musicians such as Henry Threadmill,James Blodd Ulmer,Olu Dara,Tani Tabbal,Nutch Morris,McCoy Tyner, Elvin Jnes and Steve McCall. David Murray's use of the circular breathing technique has enabled him to play astonishingly long phrases.

Awards -Prêmios

In 1980 David Murray was named Village Voice Musician of the Decade
Murray was honoured with the Bird Award in 1986.
Awarded a Guggenheim Fellowship in 1989
David Murray and his band earned a Grammy Award in 1989 in the Best Jazz Instrumental Group Performance category for Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane
1991 honoured with the Danish Jazzpar Prize
Newsday named him Musician of the Year in 1993.

LORRAINE FEATHER, LANÇA "AGES"' SEU NOVO DISCO

A cantora Lorraine Feather nasceu em Manhattan. Seus pais lhe deram o nome de Billie Jane Lee Lorraine, em homenagem a madrinha Billie Holiday, a mãe Jane (ex-cantora de big band), a ex-companheira de quarto da mãe, a cantora Peggy Lee, e da canção "Sweet Lorraine." Ela é filha do falecido escritor e crítico de jazz Leonard Feather.

Neste seu novo CD ""Ages", Lorraine reencarna a sua lealdade filial aliada a uma honesta linhagem jazzística e seu talento natural. Sua voz é pura neste album sobre épocas em que a mulher ao atingir uma certa idade olhava para trás, e está repleto de vocação artística e humor.

O CD foi co-escrito com o pianista/arranjador do Yellowjackets, Russell Ferrante, Eddie Arkin na guitarra, Shelly Berg ao piano, e o banjoísta Bela Fleck, além do pianista/arranjador Dick Hyman,

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"I Forgot To Have Children" porta um belo olhar satírico sobre uma mulher solteira que não faz as devidas considerações sobre seu modo de vida, que já perdeu o prazo de validade. Sem clichês. Seus floreios líricos podem induzem a reflexão e a boas gargalhadas ao mesmo tempo.

Seu talento musica sobresai no tributo bem elaborado das baladas pop dos anos 1890 com "The Girl With the Lazy Eye", ela fala de coisas sobre uma garota que não se adapta aos habituais “turminhas” do colégio, provocando comentários surpresos em "How Did We End Up Here?".

Do jazz tradicional às baladas, sem apresentar um tom meloso, ela passa por uma elegante bossa nova, os músicos que compõem a retaguarda musical de Feather, tranquilamente mantêm a paz com seu forte e doce vocal. Com o baixista Michael Valerio e com o vibrafonista Bob Leatherbarrow incrementando o resto do grupo, suas originalidades encontram Feather onde ela vive, ou seja, em um inteligente, sagaz, às vezes, em um modo de apresentar momentos de tristeza em tom universal.

No final, isto é o que brilha em “Ages”. Este não é um álbum de uma “patricinha” Sim, há as inevitáveis canções sobre relacionamentos significantes, mas nenhuma é plena de clichês ou tem enfoque sexista.

Nada mais pode ser perguntado então a Lorraine Feather, que produziu um elegante olhar engajado sobre a vida, que deve deixar um sorriso , bem como recordações de segredos perdidos, que pensamos que só nós sabemos.

Faixas: A Lot to Remember; Peculiar Universe; I Forgot To Have Children; Old at 18/Dog Bowl; Perugia; Things I Learned in High School; Two Desperate Women in Their Late 30s; The Girl With the Lazy Eye; How Did We End Up Here?; Scrabble; I Always Had a Thing For You.

Músicos: Russell Ferrante: piano; Shelly Berg, piano ; Dick Hyman: piano ; Michael Valerio: baixo; Grant Geissman: guitarra; Eddie Arkin: guitarra ritmo ; Bela Fleck: banjo ; Michael Shapiro: bateria/ percussão; Gregg Field: bateria; Tony Morales: percussão adicional; Warren Luening: trompete; Bob Leatherbarrow: vibrafone.

Lorraine Feather "See You Later"
http://www.youtube.com/watch?v=8F_59o_UDWs

Recommended CDs.

1997
The Body Remembers
2001
New York City Drag
2003
Cafe Society
2004
Such Sweet Thunder: Music of the Duke Ellington Orchestra
2005
Dooji Wooji
2008
Language

Fonte: All About Jazz / Elena Gillespie

DEWEY ERNEY, JAZZ VOCALIST AND INTERPRETER OF THE GREAT AMERICAN SONGBOOK

Jazz vocalist and interpreter of the Great American Songbook Dewey Erney, was born on February 19, 1937. Erney has often been compared Tony Bennet and Frank Sinatra, but his voice is actually most similar to that of the late Mel Tormé.

Jazz writers, reviewers, and other musicians have given warm--even rave--reviews concerning Dewey Erney's personal appearances and recordings. It is significant that Dewey has never received a negative review. This is not to say that he isn't appreciated by the general audiences as well. He has that rare gift of being able to entertain and "move" his audiences while being appreciated by the top-flight musicians he consistently works with. The remarks most often heard deal with the musicianship and sincerity of the performance. It is obvious to everyone just how much Dewey Erney loves the music he is performing.

Dewey's vinyl recordings "A Beautiful Friendship" and "The Second Set," with the brilliant guitarist Ron Escheté and his trio, received terrific acclaim and air play (4 Stars by Leonard Feather of the LA Times). His five compact discs "Standards of Excellence", volumes I thru 5 are receiving kudos for the sheer musicality and honesty displayed. Dewey has all the necessary elements that make a great singer: an excellent voice, phrasing and sense of timing, proper use of dynamics, clear diction, honest heartfelt emotion, musical integrity, and great taste in the material he selects.

He truly loves the music he sings and he persuades you to love it too. The music is an extension of him as a person. Dewey probably has a larger repertoire than any other singer on the planet. He knows well over 1,000 songs by memory and can interpret them in his own distinctive way.

Through the years, Dewey has performed at the most prestigious club and concert venues in the Southern California area--jazz clubs such as Alfonse's in Toluca Lake, Steamer's in Fullerton, Kikuya in Huntington Beach, The Jazz Bakery in Culver City, Ca Del Solé in North Hollywood concert settings: guest vocalist with the Riverside Symphony Orchestra, 8 summers as the vocalist with the Long Beach Municipal Band, performances at the Carpenter's Performing Arts Center in Long Beach, and the list goes on. Dewey has also appeared in many jazz festivals, including the Manassas Jazz Festival in Manassas, Virginia, and the Hyatt Newporter's Jazz Festival in Newport Beach, CA.

Here are some of the musicians that Dewey has performed with over the years: Ron Escheté, Tom Ranior, Gene Harris, Abe and Sam Most, Jake Hanna, Jeff Hamilton, Joe La Barbara, Luther Hughes, Jack Prather, Daniel and Benjamin May, David Derge, Tom Kubis, Alan Broadbent, Dan St. Marseille, Denny Dennis, Andy Simpkins, Dave Mackay, Brian O'Rourke, Doug MacDonald, Paul Kreibich, Bob Cooper, Frank Rosolino, Bill Berry, Chuck Bergborer, Tom Warrington, Bob Cooper, Frank Rosolino, Marty Harris, Gerry Schroeder, Ross Tompkins, Jack Sheldon and Lou Levy to name a few.

Dewey's Compact Discs "Dearly Beloved," "You and The Night and The Music", "Time Was", "You'd Be So Nice To Come To", and "Shades of Love" are being played on radio stations all over the country and sales are consistently on the up-swing.
There is probably one quote that describes Dewey's musical life best -- "If you love the melody, if you love the lyric, you'll love Dewey Erney."

Dewey Erney sings.

http://www.youtube.com/watch?v=EBlnzSI6PrM

Reference - Ron Escheté. (Jazz guitarist)

Blogger's Note Pad

CDs NOW AVAILABLE!

Two of Dewey's latest CDs are now available for purchase! The first, " I Remember You, Johnny Mercer, is a wonderful album that he recorded in 1986, but it was never released by the label. Finally, though, it has now been released on CD. The other new CD, Songs in Our Hearts, is a 2-disc set that he recorded "live" with his longtime friend and pianist Gerry Schroeder at Grace First Presbyterian Church. To enjoy both of these, check them out.

RANDY CRAWFORD

Jazz and R&B singer Veronica Crawford, best known as Randy Crawford, was born on February 18, 1952, in Macon, Georgia. She has proved more successful in Europe than her homeland, where she has only cracked the Bilboard Hot 100 once with the song " Street Life".


Crawford first performed at club gigs from Cincinnati to Saint-Tropez, but made her name in mid 1970s in New York, where she sang with jazzmen George Benson and Cannonball Adderly. Adderley invited her to sing on his album " Big Man" (1975). Crawford recorded "Don't Get Caught in Love's Triangle," produced by Johnny Bristol, during her short stint on the Fantasy Label.

She led R&B veterans The Crusaders on the transatlantic hit "Street Life" (1979). This song stayed atop the U.S jazz chart for twenty weeks and has since become both a rare groove and disco classic. It was featured in the soundtrack for the film, Sharky's Machine and appeared in commercials in the early 2000s. She moved to Warner Bros. and after "Street Life," recorded and toured Europe with the Crusaders. Crawford was named the 'Most Outstanding Performer' at the 1980 Tokyo Music Festival.

Her follow up solo efforts included "One Day I'll Fly Away" (1980); "You Might Need Somebody" (1981); and "Rainy Night in Georgia" (1981); which all became soul standards. The album, "Secret Combination" (1981) stayed on the UK Albums Chart for sixty weeks, after which her profile dipped, despite a return to the UK Top Ten with "Almaz" in 1986. She remained with Warner Bros. through to the early 1990s, but was unable to score either a big R&B hit or major crossover success, despite having one of the most readily identifiable voices and distinctive approaches of any contemporary female vocalist.

CD "Naked And True" (1995) brought Crawford back to her roots: it included George Benson's "Give Me the Night", and confirmed her soul heritage by featuring Funkalelicists Bootsy Collins, Bernie Worrell and the Fred Wesley Horns. She enjoyed her highest profile of the decade when rising starlet, Shola Ama, had a worldwide hit with her 1997 cover of "You Might Need Somebody".

Crawford recorded a live session with Joe Sample on 24 July 2007 at Abbey Road Studios for Live from Abbey Road. The episode she shared with David Gilmour and Amos Lee was screened on the Sundance Channel in the U.S. and Channel 4 in the UK.

She has sung with Bootsy Collins,Johnny Bristol, Quincy Jones, Al Jarreau, Rick Springfield and Joe Sample, amongst others.

Randy sings "Street Life"

http://www.youtube.com/watch?v=cnNyxy7XPfs

Reference - Wikipédia

TONINHO FERRAGUTTI

O músico acordeonista e compositor Toninho Ferragutti, nasceu no 18 de fevereiro de 1959, em Socorro, cidade no interior do Estado de São Paulo. É filho de Pedro Ferragutti, também músico saxofonista e compositor. O estudo de música teve início em casa com seu pai, e também em rodas de choro, grupos de baile, grupos de música gaúcha, gafieiras, conservatório e aulas particulares de harmonia e acordeom.

Cursou três anos de veterinária na Unesp de Botucatu, curso que abandona no último ano para se mudar definitivamente para São Paulo, onde começa sua carreira como músico profissional, tocando em programas de televisão, gravações de discos e gravações de trilhas para cinema, novelas e atuando em shows.

Toninho tem participado da gravação dos CDs de grande parte dos artistas nacionais (Mônica Salmaso, Antônio Nóbrega, Elba Ramalho, Chico César, Lenine, Elza Soares, Grupo Corpo, Marisa Monte, Mario Adnet e Proveta, entre outros) e em grupos de música instrumental, participações como solista da Orquestras Jazz Sinfônica de São Paulo, sob a regência de Ciro Pererira, Nelson Ayres, da Orquestra Petrobras Pró-musica, sob a Regência de Wagner Tiso e Isaac Karabichevsky e também na orquestra da maestrina, compositora e bandleader americana Maria Schneider.

Toninho desenvolve "Na Sombra da Asa Branca"
http://www.youtube.com/watch?v=6VBblYN0vvk

Fonte - Toninho Website

BUDDY DEFRANCO, THE NUMBER ONE JAZZ CLARINETIST OF THE WORLD

O melhor clarinetista de jazz do mundo Buddy DeFranco, nasceu no 17 de fevereiro de 1923 em Candem, Nova Jersey. Buddy criou-se no sul da Filadélfia e começou a tocar clarineta com a idade de nove. Aos quatorze ganhou o concurso Tommy Dorsey Swing e apresentou-se no Saturday Night Swing Club, onde dividiu o palco com baterista Gene Krupa.


Buddy se destaca pela distinção de ter faturado, durante a careira, vinte prêmios Downbeat Magazine, nove prêmios Metronome Magazine e dezeseis prêmios Playboy All-Stars. É dele o mérito de ter aberto o caminho para outros clarinetistas, desde a era do swing, até o surgimento do bop.


Seu precioso legado, para as novas gerações, envolve o exemplo através da aplicação da técnica do brilhantismo ao tocar. Desenvolvendo o improviso virtuoso , ele se firmou como um dos mais criativos clarinetistas do show business.


Buddy toca "Memories of You". Beleza pura!
http://www.youtube.com/watch?v=lDlSpCvnSzM


The number one jazz clarinetist of the world Buddy DeFranco, was born on February 17, 1923 in Camden, New Jersey. Buddy was raised in South Philadelphia and began playing the clarinet at age nine. By age fourteen he had won a national Tommy Dorsey Swing contest and appeared on the Saturday Night Swing Club, sharing the spotlight with Gene Krupa. Buddy holds the unprecedented distinction of winning twenty Downbeat Magazine Awards, nine Metronome Magazine Awards, and sixteen Playboy All-Stars Awards.






He is generally credited with leading the way for jazz clarinetists from the exciting era of swing to the exhilarating age of bop. Along the way he has set the example for all jazz musicians for technical brilliance. Improvisational virtuosity and creative warmth. He is one of the most imaginative clarinetists of the music business.



He was discovered by Johnny “Scat” Davis and began his road career with him in 1939. He joined Gene Krupa in 1941, Ted FioRito and Charlie Barnet 1942-43, Tommy Dorsey 1944-45, Boyd Raeburn 1946, Tommy Dorsey again in 1947-48. In 1950 he joined the famous Count Basie Septet. Buddy was appointed leader of the Glenn Miller Orchestra 1966-1974. Since then he has resumed his jazz career and has done countless clinics: Tri-State Festival, Stan Kenton Clinics, North Texas State Teachers College, Clinician and Soloist with the N.O.R.A.D. Band and Air Men of Note. Buddy has brought his clarinet and jazz groups to many famous clubs.



His concert appearances include Norman Granz's Jazz at the Philharmonic, Carnegie Hall, Hollywood Bowl, Ravinia Park with Tony Bennett, Sahara Hotel in Las Vegas, Kool Jazz Festival, Aurex Jazz Festival in Japan, Bern Festival in Switzerland, Radio Cologne with Bill Holman and the Radio Cologne Orchestra, Dutch Radio with Rob Pronk & Metropole Orchestra, European Tours, the Far East, Australia, New Zealand, Hawaii, South Africa, and Argentina ... wherever good jazz is played!




He has made both concert and recording appearances with such stars as Art Tatum, Tal Farlow, Billie Holiday, Nat King Cole, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Lenny Tristano, Nelson Riddle, Billy Eckstine, Barney Kessel, Herb Ellis, Art Blakey, Mel Torme, Louis Bellson, Terry Gibbs, Oscar Peterson, as well as several Metronome All Star Sessions.



Recommended CDs

Buddy DeFranco and the Oscar Peterson Quartet (2005)
Buddy DeFranco and Oscar Peterson play George Gershwin (2005)
Buddy DeFranco Quartet on Tour
Sweet Gerogia Brown




Reference -AAJ
Tradução de Humberto Amorim

LOU ANN BARTON, THE QUEEN OF TEXAS BLUES

Roadhouse blues singer Lou Ann Barton, was born on February 17, 1954, in Fort Worth,Texas.Lou Ann's fans are just happy to get something new from the seldom recorded Barton. She's seldom on the stage either, and knowledgeable blues fans are always seeking information about where to see her or where to get her music (nobody knows...). Her frustrating elusiveness is a problem for the true blues fan.

Lou Ann Barton is one of the finest purveyors of raw, unadulterated roadhouse blues that you'll ever hear. She's a veteran of thousands of dance hall and club shows all over Texas.

Considered her finest album, "Old Enough", was first released in 1981. She belts out her lyrics in a twangy voice so full of Texas that you can smell the barbecue sauce, and so full of sexy sass that you know she's found her genre and it is a perfect fit. "Old Enough" was reissued on compact disc in 1992 on the Antone's label.

In the early 1970s, she based out in Austin and became a member of the Triple Threat Revue, with W.C. Clark and Stevie Ray Vaughan. She was a founding member of Vaughan's band Double Trouble, and did a stint with the jump blues band Roomful of Blues. During that time, in 1975, she joined up with W.C. Clark to form his W. C. Clark Blues Revue.

Her release the 1989 album "Read My Lips" for the Austin-based Antone's Records, a triumphant return to her blues roots that featured inspired versions of songs made famous by Slim Harpo,Hank Ballard and Wanda Jackson, among others. Barton later collaborated with singers Marcia Ball and Angela Strehli on the release "Dreams Come True" (1990).

In 1990 Barton made an appearance on Austin City Limits with the W. C. Clark Blues Revue.

The show was taped in celebration of Clark's 50th birthday. Other artists included Stevie Ray Vaughan, Jimmie Vaughn, and Kim Wilson of The Fabulous Thunderbirds.

In 2001 she again appeared on Austin City Limits, as a guest of Double Trouble. In 2006 she was a featured act at the Austin City Limits Music Fetival.

Lou Ann sings "Shake a Hand"
http://www.youtube.com/watch?v=Ey8C8Z8Mez4

Recommended CDs.
1982 Old Enough (Asylum Records)
1989 Read My Lips (Antone's Records)
1990 Dreams Come True (Antone's) (with Marcia Ball and Angela Strehli)

Reference - Wikipédia

MACHITO, EL PADRIÑO DEL JAZZ AFROCUBANO

Frank Raúl Grillo, nombre verdadero de Machito, nace el 3 de diciembre de 1906 en La Habana, Cuba. Creció escuchando jazz y música popular cubana, y comenzó a cantar cuando todavía era un adolescente.

Entre 1928 y 1937, Machito actuó con muchas de las orquestas de baile más populares de Cuba, entre ellas el Sexteto Occidente de María Teresa Viera y el Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Fue en este período cuando conoció al compositor, arreglista y multi-instrumentista Mario Bauzá. Desde entonces, y durante las décadas siguientes, Machito y Bauzá trabajarían juntos, conformando un binomio que revolucionaría la música latina.

Machito, llega a Nueva York en octubre de 1937, hallando un puesto como cantante en un grupo llamado La Estrella Habanera. Durante los dos años siguientes, Machito, grabó con el "Cuarteto Caney" y la Orquesta Hatuey. En 1939 Mario y Machito intentaron formar una orquesta, pero fracasaron. Durante una sesión realizada en 1941 en la que participó un joven baterista de nombre Tito Puente, Mario y Machito realizarían sus primeras grabaciones "Sopa de Pichón" y "Tingo Talango", todo un éxito en el mercado latino. Machito y Bauzá querían combinar la música cubana con la que habían crecido, con los sonidos del jazz que por aquél entonces se hacía en Nueva York, y a Mario se le ocurrió que un nombre apropiado para esa combinación podría ser "Afrocubano".

Finalmente, el sueño se haría realidad en 1943, cuando grabaron "Tanga", tema considerado como la primera grabación de jazz afrocubano. De allí en adelante, la agrupación de Bauzá y su amigo Frank sería conocida como 'Machito y sus afrocubans'. El Jazz Afrocubano tendría su gran presentación en sociedad el 24 de enero de 1947, cuando Fred Robbins, incluyó a los Afrocubans de 'Machito' en la presentación que haría esa noche Stan Kenton, en el Town Hall de la ciudad. Dos semanas después de esa noche apoteósica, la banda de Stan Kenton, grabaría un tema titulado 'Machito', en su honor.

Durante los primeros años 60's, la las flautas y violines dominaban la fiebre de la charanga y la pachanga, pero Machito continuaba grabando discos con su característico sonido de cañas y bronces. Entre 1965 y 1969 predominó la moda del boogaloo y de allí en adelante hubo un dominio de pequeños grupos musicales que utilizaban el formato del conjunto típico, lo cual llevaría al gran boom de la salsa. El 5 de enero de 1975, la banda de Machito, en compañía de Dizzy Gillespie, interpretó en vivo en la Catedral de San Patricio de Nueva York, la suite 'Oro, Incienso y Mirra' original de Chico O'Farril; poco después grabaría junto al mismo Gillespie 'Afro Cuban Jazz Moods', álbum nominado al Grammy ese mismo año.

Mientras Machito, se hallaba en Londres con ocasión de una actuación en el Ronnie Scott's Club, sufrió un ataque al corazón, falleciendo cinco días después víctima de una hemorragia cerebral. Con posterioridad a su muerte, fue estrenado el documental: 'Machito, A Latín Jazz Legacy', dirigido por Carlos Ortiz y con la participación de Dizzy Gillespie, Ray Barretto, Tito Puente y Charlie Parker.

Se estrenó en Noviembre de 1987 y transmitido en las Islas Británicas en el famoso Canal 4 en enero de 1989. Machito será siempre recordado como el Padrino del Jazz Afrocubano.

Machito y los Afrocubans

http://www.youtube.com/watch?v=kPKSs_25fuE

Fuente - Biografías del Jazz

MICHEL HERR

Belgian pianist, composer and arranger Michel Herr, was born on February 16, 1949, in Brussels and is active in the fields of jazz and film music. Since the seventies he has been a major player on the European Jazz scene. He appeared on more than 60 jazz albums.

Since 1984, he regularly played piano and keyboards with harmonica player Toots Thielemans. He performed with him throughout the world (Europe,Japan,Africa,U.S.), played many major festivals and participated in many records, TV Shows and film soundtracks.

Michel Herr had the opportunity to play with great American musicians like Joe LOovano, Chet Baker,Lee konitz,arta farmer,joe hendrson,johnny griffin,bill frisell, as well as many top European musicians, such as Palle Mikkelborg, Riccardo Del Fra, and the best Belgian musicians: Philip Catherine, Steve Houben, Bert Joris and others.

He led several bands, from the trio to the big band, a.o. a European quintet with Wolfgang Engstfeld (sax) and Bert Joris (tp), a nonet named "Life Lines", etc... in which he presents his compositions. He wrote for numerous jazz ensembles : WDR Big Band, ACT big Band, the Brussels Jazz Orchestra (a.o with singer David Linx, the Metropole Orchestra (NL), etc...
2008 sees the release of a double album of his big band compositions with the Brussels Jazz Orchesta, "The Music of Michel Herr". He is also active in the field of film music.

Michel plays with Toots.
http://www.youtube.com/watch?v=wXUAALhIQmQ

Reference - Wikipédia

PETE CHRISTLIEB

Jazz bebop,West Cost jazz and hard bop tenor saxophonist Pete Christlieb, was born on February 16, 1945 in Los Angeles, California. Christlieb has worked with many musicians, such as Tom Waits, Louie Bellson, Chet Baker, Woody Herman, Steele Dan, Doc Severinsen,Warne Marsh and Bill Holman.

Christlieb played the legendary sax solos on Steely Dan's song Deacon Blues, Natalie Cole's Unforgettable and the extended tenor sax solo on the song FM from the movie of the same name.

Christlieb currently plays with his recently formed 10-piece group, "Tall and Small Band;" the Bill Holman Orchestra; and his own quartet.

Um grande solo de Christlieb.
http://www.youtube.com/watch?v=gaDsSj46aHA

Reference -Wikipéda

A PLACE TO BE, PRIMEIRO CD SOLO DE HIROMI

Caso você já tenha assistido Hiromi Uehara em um concerto, você já estava esperando por este momento — seu primeiro disco solo. Hiromi, como ela é conhecida , já lançou cinco álbuns sob seu nome , mas cada um deles foi suportado por moderno grupo fusion com guitarra elétrica, baixo elétrico e bateria , e ela tocava sintetizador e piano.

O ponto alto de cada show de Hiromi , entretanto, é sua atuação no piano solo. Ela toca extremamente rápido e de forma perfeita. Ela tem uma profunda afinidade com o blues e adora os finais dos registros mais baixos , mas não teme se lançar em alguma dissonância .

Se você ainda não viveu esta experiência , clique abaixo para ouvir a sua versão para “I Got Rhythm”. É um completo deleite, então, ouvir “Place to Be”, um conjunto de 12 solos que enche as medidas. “Choux a la Crème” é o seu melhor: embasado no blues, com um vigoroso stride na mão esquerda, um rápido ataque com a direita, e alguns movimentos contrastante apresentados em boa proporção (Comida parece ser um tema favorito para Hiromi).

Este álbum, também , tem uma música chamada “Cape Cod Chips”, no estilo de Vince Guaraldi, que é uma homenagem ao seu petisco favorito, quando ela estava estudando na Berklee College of Music em Boston. “BQE”, por outro lado, não é baseado no blues (ou em comida) — é naturalmente febril como é a obsessão natural de condução da Brooklyn-Queens Expressway— porém igualmente deliciosa. A mais intrigante faixa é “Pachelbel’s Canon”. As cordas mais altas do piano são tratadas —como, não fica claro— de forma a se aproximar de uma espineta. Ela toca o início de forma convencional e então toma a liberdade para adicionar um suave sentimento bluseiro. Apresenta a sua dinâmica suingante na suíte em três partes, “Viva! Vegas”, onde você estará diante da gravação mais agradável de um solo de piano em muito tempo.

Faixas : 1. BQE 5:56 ; 2. Choux a la creme 5:29; 3. Sicilian Blue 8:26; 4. Bern Baby Bern 2:56; 5. Somewhere 5:38; 6. Capecod Chips 5:41; 7. Islands Azores 4:29;
8. Pachelbel's Canon 5:22; 9. Viva! Vegas: Show City, Show Girl 3:56 ; 10. Viva! Vegas: Daytime in Las Vegas 4:30; 11. Viva! Vegas: The Gambler 5:37; 12. Place To Be 6:39

Hiromi plays "I Got Rhythm"
http://www.youtube.com/watch?v=6JfKY0K_NQk

Fonte : JazzTimes / Steve Greenlee

HAROLD ARLEN, THAT OLD BLACK MAGIC

Pianista e compositor Hyman Arluck, conhecido mundialmente como Harold Arlen, nasceu em Buffalo, New York, no 15 de fevereiro de 1905, filho de um lider (puxador) de orações na sinagoga. O irmão gêmeo faleceu um dia após o nascimeto.

Aprendeu a tocar piano e formou uma banda na juvetude. No inicio dos anos 20 foi tentar a sorte em Nova York como pianista em uma companhia de vaudeville. Mudou o nome para Harold Arlen e apareceu ocasionalmente como vocalista de banda, cantando as suas composições nos discos de The Buffalodians, Red Nichols, Joe Venuti, Leo Reisman e Eddie Duchin .

Em 1939, compôs com Ted Koehler, "Get Happy" a sua primeira canção de sucesso. Até meados dos anos 30, Arlen e Koehler escreveram para os shows do clube de jazz Cotton Club, um dos mais populares do Harlem, como também para os musicais da Broadway e filmes de Hollywood.

As canções da dupla que mais fizeram sucesso foram "Stormy Weather" e "Let's Fall in Love". As composições de Arlen foram bem aceitas pelos músicos de jazz, devido a incorporação que ele fazia dos sentimentos do blues, ao idioma das musicas populares.

Nos anos 40 em parceria com Johnny Mercer escreveu "Blues in the Night","That Old Black Magic", "Ac-Cent-Tchu-Ate The Positive, "Any Place I Hang my Hat is Home" e "One More for my Baby (One More for the Road). Com “Over the Rainbow”, ganhou o Oscar de Melhor Canção (original) em 1939, no filme The Wizard of Oz.

Harold Arlen, faleceu em abril de 1986.

Harold canta e toca "The Man That Got Away"

http://www.youtube.com/watch?v=e0kHAwrJkjc

Pianist and composer Hyman Arluck, aka, Harold Arlen, was born on February 15,1905 in Buffalo, New York, the child of a Jewish cantor. His twin brother died the next day. He learned the piano as a youth and formed a band as a young man. He achieved some local success as a pianist and singer and moved to New York City where he landed a job as accompanist in vaudeville.

At this point, he changed his name to Harold Arlen. Between 1926 and about 1934, Arlen appeared occasionally as a band vocalist on records by The Buffalodians, Red Nichols, Joe Venuti, Leo Reisman and Eddie Duchin, usually singing his own compositions.

In 1929, Arlen composed his first well-known song: "Get Happy" (with lyrics by Ted Koehler). Throughout the early and mid-1930s, Arlen and Koehler wrote shows for the Cotton Club, a popular Harlem night club, as well as for Broadway musicals and Hollywood films. Arlen and Koehler's partnership resulted in a number of hit songs, including the familiar standards "Let's Fall in Love" and "Stormy Weather." Arlen continued to perform as a pianist and vocalist with some success, most notably on records with Leo Resiman's society dance orchestra.

Arlen's compositions have always been popular with jazz musicians because of his facility at incorporating a blues feeling into the idiom of the conventional American popular song.
In the mid-1930s, Arlen married, and spent increasing time in California, writing for movie musicals.

It was at this time that he began working with lyricist E.Y. "Yip" Harburg, the team was hired by Metro-Goldwyn Mayer to compose songs for The Wizard of Oz. The most famous of these is the song "Over the Rainbow" for which they won the Academy AWward for Best Music, Original Song" They also wrote "Down with Love", a song later featured in the 2003 movie Down with Love.

Arlen was a longtime friend and former roommate of actor Ray Bolger who would star in The Wizard of Oz, the film for which "Over the Rainbow" was written.
In the 1940s, he teamed up with lyricist Johnny Mercer, and continued to write hit songs like "Blues in the Night", "That Old Black Magic," "Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive," "Any Place I Hang My Hat Is Home" and "One for My Baby (and One More for the Road)" .

Arlen composed two defining tunes which bookend Judy Carland's musical persona: as a yearning, innocent girl in "Over the Rainbow" and a world-weary, "chic chanteuse" with "The Man that Got Away".

Harold Arlen passed away on April, 1986.

Reference - Wikipédia

Tradução de Humberto Amorim

DENA DeROSE

Jazz pianist, singer and educator Dena DeRose, was born on February 15, 1966, in Binghamton, New York, to a construction worker and a former professional ice skater with the Ice Capades. She began playing the piano at age three and soon became a fan of jazz. As a child she also played organ and percussion and played piano in school bands. Although she began her career just as a pianist, medical problems with her hand forced her to become a vocalist as well.

When she was a teenager, she used to drive to New York City to see jazz musicians like Hank Jones and Mulgrew Miller. After high scool, DeRose was offered a scholarship to Concordia College but chose to attend Binghamton University instead.

Dena has brought that vitality and innovation to performances alongside the likes of Ray Brown, Clark Terry, Marian McPartland, Benny Golson, Rufus Reid, Slide Hampton and many, many others, and numerous jazz festivals worldwide have had Dena on their roster, including Monterey, San Francisco and Litchfield in the U.S., the Red Sea Jazz Festival in Israel and the Ancona Festival in Italy.

As a recording artist, Dena has 5 CDs to her credit, all of which have received superior accolades. Cadence Magazine gave her both their Album of the Year and Best Vocal Jazz Album awards for “Another World” and “I Can See Clearly Now”. Christopher Louden of Jazz Times says that the MaxJazz label “… takes another big leap forward” with the release of her latest,” A Walk in the Park”. It also received three Grammy considerations.

Astoundingly, Dena has also found time to hone her skills as a jazz educator, and is on the faculty at some prestigious education venues, including the New School and Purchase College in New York, The Hartt School of Music in Connecticut and the Groningen Conservatory of Music in The Netherlands. She frequently teaches at clinics and workshops, such as the Dave Brubeck Institute, the NJPAC Jazz for Teen Program, the Stanford Jazz Workshop and several summer jazz camps. She has served as a judge at both the Thelonious Monk Competition and the NJ Star Ledger Scholarship Awards.

Dena does "All the Way"

http://www.youtube.com/watch?v=57c_oBMQQ98

Reference - Wikipédia

JACOB DO BANDOLIM

Maior referência brasileira no instrumento que virou parte de seu nome, Jacob Pick Bittencourt é tão indissociável de seu instrumento que usava-o como sobrenome. Conhecido com Jacob do Bandolim, nasceu no 14 de fevereiro de 1918 no Rio de Janeiro e elevou o instrumento a patamares de virtuosismo nunca antes ouvidos e a um lugar de honra na música brasileira.

Esse trabalho vinha sendo desenvolvido antes por outros instrumentistas, como Luperce Miranda, mas foi Jacob quem colocou definitivamente o bandolim como instrumento solista por excelência. Ganhou o primeiro bandolim, de modelo napolitano (ou "de cuia") na adolescência. Apesar de se apresentar tocando em conjuntos instrumentais desde cedo, nunca se profissionalizou totalmente, tendo sempre outros empregos não relacionados à música.

Foi vendedor, prático de farmácia, corretor de seguros, comerciante e escrivão de polícia, cargo que ocupou até morrer. Por não depender financeiramente da música, Jacob pôde tocar e compor com mais liberdade, sem sofrer pressões de gravadoras ou editoras.

Figura rígida e disciplinada, tanto na personalidade quanto na música, pesquisou e resgatou parte do repertório tradicional do choro, repertório este que passou a incluir várias de suas composições, como "Noites Cariocas", "Receita de Samba", "A Ginga do Mané", "Doce de Coco", "Assanhado", "Treme-treme", "Vibrações" e "O Vôo da Mosca". Depois de montar o grupo Jacob e Sua Gente, integrar o Conjunto da Rádio Ipanema e o regional de César Faria e participar de gravações históricas como a de Ataulfo Alves para "Ai, que Saudade da Amélia" (Ataulfo/ Mário Lago) e a de Nelson Gonçalves para "Marina" (Dorival Caymmi), gravou em 1947 o primeiro disco solo, seguido por outros dois nos anos seguintes, pela Continental.

Na década de 50 transferiu-se para a Victor, onde gravou seus LPs. Montou o conjunto Época de Ouro em 1966, com grandes nomes do choro, como Dino 7 Cordas, César Faria, Jonas, Carlinhos, Gilberto e Jorginho. Alcançando expressiva popularidade, Jacob e o Época de Ouro ajudaram a divulgar o choro tradicional, por meio de shows e LPs, como o consagrado "Vibrações" (1967). O conjunto permanece em atividade até hoje. Uma das últimas apresentações de Jacob, um show com Elizeth Cardoso e o Zimbo Trio em 1968, foi gravado e lançado em LP duplo, mas não foi relançado em CD no Brasil. Outras antologias foram produzidas, da mesma forma, exclusivamente para o mercado externo, onde a arte de Jacob é muito apreciada.

Seu filho, o compositor Sérgio Bittencourt, homenageou-o no samba "Naquela Mesa" ("tá faltando ele/ e a saudade dele/ tá doendo em mim"), sucesso de Elizeth Cardoso, cantora que ele descobriu.

Em 1997 a professora Ermelinda Paz lançou o livro "Jacob do Bandolim", pela editora Funarte.

Jacob do Bandolim "Saia do Caminho"

http://www.youtube.com/watch?v=pNWHi772ANU

Fonte - Choro e Samba

MACEO PARKER

O cantor e saxofonista de soul, funk e jazz Maceo Parker, nasceu no 14 de fevereiro de 1943, em Kinston, Carolina do Norte. Desde a tenra idade foi cercado por um ambiente totalmente musical, sua mãe e seu pai cantavam em uma igreja e seus irmãos eram músicos, tocavam tambor e trombones.

Maceo e seu irmão Melvin, entraram para a banda de James Brown em 1964, com várias dificuldades, Maceo saiu da banda e retornou em 1973. Em 1975 alguns membros sairam da banda como Maceo Parker e Fred Wesley entrando para banda funk George Clinton's Parliament.

Maceo mais uma vez com dificuldades em se manter na banda, saiu do Parliament e voltou para a banda de James Brown permanecendo de 1984 a 1988. Em 1990 ele finalmente seguiu carreira solo produzindo mais de sete discos.

Maceo plays "Let's Get it On"
http://www.youtube.com/watch?v=JawQn7gKdJo

CDs recomendados

1990 Roots Revisited
1991 Mo' Roots
1992 Life on Planet Groove
1994 Maceo
1998 Funk Overload
2003 Made By Maceo
2007 Roots & Grooves

Fonte - Wikipédia

STEFANO DI BATTISTA

O aclamado saxofonista Italiano, Stefano Di Battista, nasceu no 14 de fevereiro de 1969, em Roma. Trocou sua base na Itália por Paris onde se estabeleceu como um grande nome do jazz contemporâneo, desenvolvendo carreira musical bem sucecedida.

Stefano é enfático ao realçar a influência de Art Pepper em sua música. Já esteve no Brasil onde se apresentou no Tim Festival, fazendo grande sucesso junto ao público brasileiro apreciador de jazz.

O CD " Trouble Shootin' " é destaque de sua carreira e foi lançado em 2007 pela renomada Blue Note. Altamente recomendado!!!

Stefano plays "The Work Song"

http://www.youtube.com/watch?v=HhuuIJDyHQI

Fonte - Jazz Music

CURTA METRAGEM, AQUI JAZZ.

Clique para assistir um curta metragem interessantíssimo do diretor Fabrício Cantanhede. A historinha "Aqui Jazz" foca sobre o personagem principal Felizardo, aficionado pelo jazz e que tem uma mãe que não o deixa em paz, fazendo de sua vida um tormento. O toque de humor te aguarda no final. Desfrute.

Ficção De Fabricio Catanhede 2006 8 min Com Claudio Poli, Ivar Mangoni, Nadia Mendes . Conflitos na relação entre uma mãe e seu filho maluco por jazz.

AQUI JAZZ.

http://www.youtube.com/watch?v=u0hdr9qUJak

ROB McCONNELL

Canadian jazz valve trombonist, composer, arranger,music educator and recording artist Robert Murray Gordon (Rob) McConnell, was born on February 14, 1935, in London, Ontario. Rob took up the valve trombone in high school, and began his performing career in the early 1950s, performing and studying with Don Thompson, Bobby Gimby, and later, with fellow Canadian Maynard Ferguson. In 1968 he formed "The Boss Brass", a big band that would become his primary performing and recording unit through the 1970s and 1980s.

In 1988, McConnell took a teaching position at the Dick Grove School of Music in California, but gave up his position and returned to Canada a year later. In 1997, McConnell was inducted into the Canadian Music Hall of Fame, and in 1998 was made an Officer of the Order of Canada.

Since that time he has remained active, touring internationally both as a performer and educator, running clinics around the world and performing as both a leader and a guest artist. The newly formed Rob McConnell tentet has been quite successful, producing three major records, The Rob McConnell Tentet (2000), Thank You, Ted (2002), and Music of the Twenties (2003).

McConnell assembled the original Boss Brass from Toronto studio musicians. The instrumentation of the band was originally 16 pieces, consisting of trumpets,trombones, french horns, and a rhythm section, but no saxophones. McConnell introduced a saxophne section in 1970, and expanded the trumpet section to include a fifth trumpet in 1976, bringing the total to 22 members.

Over the years, Rob McConnell & The Boss Brass became one of Canada's most popular jazz ensembles, performing live and recording for Concord Jazz and a variety of other labels. Mel Thormé has said, of his first recording session with the Boss Brass in 1987, "Making this record was one of the two or three greatest musical experiences in my long and checkered career."

Rob McConnell & the Boss Brass "The Street of Dreams".

http://www.youtube.com/watch?v=N9BUPvvWk3s

Recommended CDs

The Boss Brass (1968)
Singers Unlimited With Rob McConnell & The Boss Brass (1978)
Atras Da Porta (1983)
Old Friends, New Music (1984)
Mel Tormé/Rob McConnell & The Boss Brass (1987)
Our 25th Year (1993)
Don't Get Around Much Anymore (1995)
Velvet & Brass - Mel Tormé/Rob McConnell & The Boss Brass (1995)
Even Canadians Get The Blues (1996)
Play The Jazz Classics (1997)
Concord Jazz Heritage CD (1998)

Reference - Wikipédia

MANAUS,DOMINGO,MEIO DIA,101,5, JAZZ & BLUES, HENRI SALVADOR, B.B. KING

(A banda "All That Jazz" no palco)



Neste domingo, ao meio dia em ponto, como tem acontecido nos últimos 15 anos, pelas ondas da Radio Amazonas 101,5 (http://www.amazonasfm.com.br/) no programa "Momentos de Jazz", o melhor do jazz vai se impor como trilha musical da vida dos ouvintes. O programa desta vez traz como diferencial uma homenagem ao bluesman B.B. KING que ja ultrapassou o marco etário dos 80 anos e continua com toda garra do mundo, levando o blues para as grandes platéias. No próximo mês de março B.B. King retorna ao Brasil e a gente aproveita para anunciar com blues a sua ansiada visita.

O compositor e cantor Henri Salvador amava o Brasil e propagava a nossa música pelos cinco cantos da terra. Fã declarado da bossa nova e apaixonado pela Bahia, pouco antes de seu passamento para a eternidade editou o CD "Ma Chère et Tender" inpregnando-o com sua indiscutível musicalidade e romantismo. A participação de Lisa Ekdahl em "All I Really Want is Love" eleva a qualidade da audição.

O pianista de jazz Count Basie e o cantor Sammy Davis Jr. se encontraram em estúdio uma única vez e tornaram em uma peça de colecionador o CD "Our Shining Hour". O CD prima pela escolha do repertório e o swing inconfundível da Count Basie Orchestra. Resultado, jazz no mais puro sentido da palavra. "Teach me Tonight", "You're Nobody Till Somebody Loves You" e "Girl from Ipanema", esta última lida em jazz pela primira vez, se destacam.

Tokyo é considerada a capital do jazz da Ásia. Não é para menos, no distrito boêmio de Shingiku é comum esbarar na apresentação, nos incontáveis clubes de jazz, de Shié Ayado, Akira Onozuka, Hitomi e do saxofonista de jazz Sadao Watanabe, entre tantos outros. A audição será do CD "Basie's at Night" de Watanabe, considerado um dos melhores de sua expressiva carreira.


O melhor ainda está por vir.

Em 2010, quinze anos de jazz.


Humberto Amorim
Produtor/Locutor

NINA SIMONE HAMENAGEADA EM SUA CIDADE NATAL

Uma organização dedicada à memória da falecida cantora Nina Simone estará apresentando uma escultura, que a retrata, em sua cidade natal neste mês. A “Eunice Waymon-Nina Simone Memorial Project (NSP)” foi criada para celebrar a vida e o legado de Simone.

O projeto ambiciona estabelecer bolsas de estudo, criando o “Trans-World Music Festival”, além de bancar a escultura.A figura de aproximadamente 2,5 metros foi criada pelo escultor Zenos Frudakis e fundida na “Laran Bronze Foundry” em Chester, Pa.

A escultura será desvelada no próximo dia 21 de Fevereiro— o 77° aniversário de Simone— durante uma cerimônia , seguida por um concerto em Tryon, N.C , cidade natal de Simone, que será acompanhada pela filha da cantora, que posou como modelo para Frudakis e Stephen Marley.

A escultura servirá como ponto focal para a instalação de uma instituição artística pública no centro da cidade na Nina Simone Plaza. Restos mortais de Nina, doados pela família, serão encerrados na escultura.A bolsa de estudos foi lançada em 2007 após a doação no valor de $25,000 feita por uma firma recicladora de plástico, EcoResin, localizada na Carolina do Norte. Desde então, a Fundação Ghetto Youths pertencente a Stephen, Damien e Julian Marley tem mantido uma parceria com a NSP para a doação de uma bolsa de estudos, com o acréscimo da doação de metade dos lucros do próximo lançamento de um CD de Nina Simone pela NSP por parte de Stephen Marley.

A NSP é responsável anualmente por duas bolsas de estudos por ano, aberta a candidatos de todo o mundo, que devem ser usadas para estudos acadêmicos e oportunidades de enriquecimento cultural. Em 2009 Erica Wilkins e Andrew Fletcher foram selecionados para receber a bolsa de estudos, e cada um recebeu uma remuneração de $1,000 . Durante sua vida Simone dedicou-se à caridade voltada para a pesquisa sobre o câncer, programas de artes, prevenção de abusos domésticos e pesquisas e cuidados com a AIDS.

A NSP busca dar suporte a estas causas em nome de Simone.O objetivo final que a NSP busca realizar é o “Trans-World Music Festival”. O protótipo do festival—inicialmente chamado NinaFest— está previsto para ser lançado em Setembro deste ano em seguida ao 125° aniversário da cidade de Tryon. O festival terá todo tipo de forma musical como um aceno de Simone para quem cruzar o espectro da musica, do clássico ao gospel, para o jazz e rock and roll.

Desenho animado com a música "My Baby Just Cares for Me" assinada por Nina Simone

http://www.youtube.com/watch?v=eYSbUOoq4Vg

Fonte : JazzTimes /Aubrey Everett