O pianista jamaicano de jazz Monty Alexandre nasceu exatamente no Dia-D, 6 de junho de 1944, em Kingston,Jamaica e começou a estudar piano com seis anos de idade embora grande parte de seu conhecimenbto tenha desenvolvido por conta propria.

Quando adolescente assistiu em um teatro da cidade apresentação de Louis Armstriong e Nat King Cole que passaram a exercer permanente influência em seu trabalho. Formou a banda “Monty and the Cyclones” no final da década de 50 e participou do grupo “The Skatalites”, primeira banda de Bob Marley.

Foi com a família para os Estados Unidos em 1961. Dois anos depois enquanto tocava em Las Vegas foi descoberto pelo empresário da noite Jilly Rizzo e seu grande amigo Frank Sinatra. Tocou por um bom tempo no Jilly's Club em Nova Yorque onde acompanhou Sinatra e muitos outros famosos freqüentadores da casa. Mas, foi o encontro com o vibrafonista Milt Jackson, que abriu para ele as portas do "jazz business" nas atuações com Charlie Parker e Ray Brown com os quais também gravou algumas vezes.

Os solos de piano no filme “BIRD” de Clint Eastwood são dele.
Imperdível os CDs “Concrete Jungle” de homenagem à Bob Marley e “Calypso Blues” de homenagem à Nat King Cole.

Continua ativo se apresentando em concertos e festivais mundo afora.

Clique e curta Monty ao piano.

http://www.youtube.com/watch?v=Itc_xTuQhcM




In a career spanning five decades, pianist Monty Alexander has built a reputation exploring and bridging the worlds of American jazz, popular song, and the music of his native Jamaica, finding in each a sincere spirit of musical expression. In the process, he has performed and recorded with artists from every corner of the musical universe and entertainment world: Frank Sinatra, Tony Bennett, Ray Brown, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Clark Terry, Quincy Jones, Ernest Ranglin, Barbara Hendricks, Bill Cosby, Bobby McFerrin, Sly Dunbar, and Robbie Shakespeare, among others.

Born on D-Day (June 6, 1944) and raised in Kingston, Jamaica, he took his first piano lessons at age six, although he is largely self-taught. As a teenager, he witnessed concerts by Louis Armstrong and Nat “King” Cole at Kingston’s Carib Theater. These artists had a profound effect on Alexander’s aspirations. He formed Monty and the Cyclones in the late 1950s and also recorded on sessions with the musicians who would catapult Jamaican music to international recognition as The Skatalites (Bob Marley’s first backing band).

Alexander and his family came to the United States at the end of 1961. Less than two years later, while playing in Las Vegas with Art Mooney’s orchestra, he caught the eye of New York City club owner Jilly Rizzo and his friend, Frank Sinatra. Rizzo hired the young pianist to work in his club, Jilly’s, where he accompanied Sinatra and others. There he met Modern Jazz Quartet vibraphonist Milt Jackson, who hired him and eventually introduced him to former Charlie Parker collaborator and legendary bassist Ray Brown. Alexander recorded and performed with the two jazz giants on many occasions. Jazz’s greatest luminaries welcomed Alexander to their “musical fraternity” in the mid-1960s. Among these earliest enthusiasts for his playing were none other than Duke Ellington, Count Basie, and Miles Davis.

To this day, Alexander maintains an active touring schedule, from intimate jazz clubs to concert halls and jazz festivals around the globe. His collaborations span multiple genres, styles, and generations. His projects have been as varied as assisting Natalie Cole in her tribute album to her father, Nat “King” Cole in 1991 (the resulting album, Unforgettable, won seven Grammy awards), performing George Gershwin’s “Rhapsody in Blue” under the direction of Bobby McFerrin at the Verbier Festival in Switzerland, and recording the piano track for the film score of Clint Eastwood’s Bird, a movie about the life of jazz titan Charlie Parker.

Tradução - Humberto Amorim

SHE'S GOT WHAT IT TAKES IN A JAZZY WAY.

A cantora de jazz canadense Emilie-Claire Barlow nasceu em Toronto no dia 6 de junho de 1976 filha do baterista de jazz Brian Barlow que deu a ela, desde a tenra idade, régua e compasso para o jazz, levando-a a conhecer vários instrumentos como piano, violino, cello e clarineta e por cima incentivo à cantar. Aos sete anos já atuava em comerciais da televisão e radio.

Tornou-se uma das mais ativas artistas de jazz na área de Toronto, e em 1997 com seu pai, formou o Barlow Group, um octeto acústico que contava entre os integrantes com o trombonista Russ Little e e o saxofonista John Johnson. Ela foi co-produtora de seu primeiro disco “Emilie Claire Barlow Sings” em 1998 e em 2000, quando fez 24 anos, lançou o disco “Tribute”.

Por ser uma cantora do Canadá, alguns apreciadores de jazz americanos a comparam a Diana Krall. A bem da verdade, Barlow não tem nada a ver com a Krall. Basta ouvir o disco dela para se perceber com clareza a enorme diferença entre as duas, principalmente no quesito estilo. Outro ponto a considerar é que Barlow é de Toronto e lá passou sua vida inteira, onde está até hoje fazendo o bem, enquanto canta e encanta maravilhosamente os privilegiados da noite da bela cidade.

Infelizmente, continua totalmente desconhecida no Brasil.

Ouçam os CDS “The Very Thought of You” e “Like a Lover”, e aposto que não conseguirão, não me dar toda razão.

Clique para ouvi-la e relaxe.

http://www.youtube.com/watch?v=EDKGtrEbeEA



Because Emilie-Claire Barlow is a female jazz singer from Canada, some American jazz enthusiasts have inevitably compared her to Canada's most famous jazz export: Diana Krall.
But truth be told, Barlow doesn't sound anything like Krall. While Krall's performances have a sultry, dusky, very nocturnal quality, Barlow's singing has favored a youthful, girlish sweetness. That isn't to say that Barlow's bop-oriented work is unswinging -- in fact, she has no problem tackling complex arrangements, high-speed scat singing, and vocalese.
Besides, Barlow is from Toronto, not western Canada (where Krall grew up). Barlow has spent her entire life in Toronto, where she was born on June 6, 1976. Her father is jazz drummer Brian Barlow, who has also gone by Brian Leonard and is best-known for his work with the Boss Brass (a Canadian big band led by trombonist Rob McConnell). Not surprisingly, the drummer instilled an appreciation of jazz in his daughter and encouraged her to sing. Brian Barlow also encouraged her to study several instruments, including piano, violin, cello, and clarinet. By the time she was seven, Emilie-Claire Barlow was singing for television and radio commercials.

She went on to become quite active on Toronto's jazz scene, and in 1997, Emilie-Claire Barlow and her father formed the Barlow Group -- an acoustic-oriented octet whose soloists have included trombonist Russ Little and saxman John Johnson. The singer co-produced her first album, Emilie-Claire Barlow Sings, with her father in 1998 before recording Tribute (also co-produced with Brian Barlow) in 2000 (when she turned 24). Both albums were released independently in Canada on the Rhythm Tracks label. Alex Henderson.

Note from Blogger -I highly recommend your listening to her most recent CDs “The Very Thought of You" and “Like a Lover”

Sit back, relax and enjoy Emilie-Claire jazzing it all up.

http://www.youtube.com/watch?v=EDKGtrEbeEA


Tradução Humberto Amorim

Pianist Misha Mengelberg was born in Kiev, june 5th, 1935 - the son of a Dutch composer/conductor/pianist and a German harpist - but is a lifelong resident of Amsterdam, where he teaches counterpoint at the Sweelinck Conservatory.

Crucial early influences include jazz pianists Thelonious Monk and Herbie Nichols, the composer John Cage, whom he heard lecture at Darmstadt in 1958, and the absurd-art movement Fluxus, with which he was involved in the 1960s. Mengelberg graduated from the Royal Conservatory in the Hague in 1964. The same year he made his first issued recording, Eric Dolphy’s “Last Date“.

That album also features drummer Han Bennink, with whom Misha has had a longstanding duo.
In 1966 Mengelberg’s quartet appeared at the Newport Jazz Festival in the USA. The following year Mengelberg, Bennink and Willem Breuker founded the Instant Composers Pool, a landmark in the development of an independent Dutch improvised music, which draws on jazz but does not restrict itself to any one style or aesthetic. (By the time of its 30th anniversary in 1997, ICP Records was the longest “ running musician-owned label in improvised music.

In the ‘80s Mengelberg presented many music theatre productions and embarked on repertory projects exploring the music of Herbie Nichols, Thelonious Monk and Duke Ellington, and quintets with Bennink and saxophonist Steve Lacy, heard on the albums “Regeneration“ and “Change of Season“ (Soul Note).

His recordings in the ‘90s include two acclaimed trio CDs taped in New York with drummer Joey Baron, “Who’s Bridge“ (Avant) and “No Idea“ (DIW); the solo piano recital “Mix“ (ICP) and a duo recording with Bennink, “MiHA“ (both on ICP), and “Jubilee Varia”, a 1997 recording by the ICP Orchestra (Hatology). He also participated with improvised meetings with various European and American musicians, for several labels.

Click here to enjoy Improvisation by Micha and Han.

http://www.youtube.com/watch?v=k0A8ekpTgng

Reference: BV Haast

O saxofonista americano Kenneth Bruce Gorelick conhecido mundialmente como Kenny G, nasceu no 5 de junho de 1956 em Seatlle,Washington.

Seu envolvimento com a música começou quando ele ainda era pequeno. Sua primeira apresentação ao vivo como profissional ocorreu nos anos 70 acompanhando Barry White. O bom desempenho o incentivou a seguir adiante, e a carreira solo se iniciou na década de 80.

Seu primeiro álbum de sucesso, Duotones (1986), atingiu o top 10 nos Estado Unidos, e mostrou as suas armas: um som instrumental com fortes pitadas de Rhythm and blues moderno, melodias românticas e sempre uma ou outra faixa com vocalistas convidados do naipe de Smokey Robinson, Peabo Bryson e Michael Bolton. Um dos grandes vendedores de discos na área instrumental, ele quebrou recordes até mesmo com seu primeiro disco natalino, Miracles: The Holiday Album (1994), por sinal seu único CD até hoje a atingir o primeiro lugar na parada de álbuns americana. Ele se apresentou ao vivo no Brasil na década de 90, com grande presença de público.

É um dos poucos instrumentistas de "sopro" que consegue tocar e respirar ao mesmo tempo, sem interrupção no som, respiração circular. Seu som é admirado em todo o mundo por diversas culturas. Lançou diversos CDs, com músicas ecléticas, e com vários intérpretes de toda parte do mundo.

É, sem dúvida, o músico instrumental mais vendido do mundo, com um número espantoso de mais de 80 milhões de discos vendidos.

Click to enjoy Kenny G e Satchmo.

http://www.youtube.com/watch?v=zJePNFkkvFk

A cantora brasileira Wanderléa Charlup Boere Salim, ou simplesmente Wanderléa, a Ternurinha, como ficou conhecida no Brasil, nasceu em Governador Valadares, Minas Gerais no 5 de junho de 1946.

Tornou-se famosa durante a Jovem Guarda. Fez um grande sucesso na época juntamente com seus amigos Roberto Carlos e Erasmo Carlos. Trabalhou como atriz principal na película brasileira "Juventude e Ternura" (1968), direção de Aurélio Teixeira, bem como contracenou com Roberto Carlos e Erasmo Carlos em "Roberto Carlos e o Diamante Cor-de-rosa" (1968) de Roberto Farias entre outros filmes.
É uma das mais respeitadas vozes da música brasileira, comparada a Janis Joplin.

Aos 9 anos mudou-se para o Rio de janeiro com a família, para se tornar a mais importante cantora da Jovem Guarda. Já aos 10 anos ganhava concursos em rádios e lançou em 1962 o primeiro compacto. No ano seguinte sai o primeiro LP, "Wanderléa", pela CBS. Na gravadora conhece Roberto e Erasmo Carlos, com quem passa a apresentar em 1965 o programa Jovem Guarda pela TV Record de São Paulo. Transmitido nas tarde de domingo, o programa teve uma das maiores audiências da época e lançou diversos artistas. Wanderléa e Celly Campelo foram as primeiras estrelas do rock brasileiro.

Participou de filmes ao lado de Roberto Carlos e, depois de terminada a Jovem Guarda, continuou a carreira como cantora pop.

Um grande sucesso de Wanderléa, "Te Amo", está na trilha sonora nacional da novela Caras & Bocas, da Rede Globo. Ela é tema do casal protagonista, Dafne (interpretada por Flávia Alessandra) e Gabriel (Malvino Salvador).

Vale lembrar que a mesma música já havia entrado para a trilha de uma novela dos anos 90, Pedra Sobre Pedra. Graças a essa romântica canção, Wanderléa voltou a ter destaque na mídia.

Atualmente está muito bem obrigada, continua gravando e se apresenta em shows pelo Brasil cantando seus maiores sucessos, como "Pare o Casamento" (versão de Luís Keller), "Ternura" (Rossini Pinto) e "Prova de Fogo" (Erasmo Carlos).

Clique para desfrutar Wanderléa interpretando "Te Amo"

http://www.youtube.com/watch?v=IeteWlIZQtA

O TREMENDÃO.

O compositor e cantor carioca Erasmo Carlos, parceiro cativo de Roberto Carlos (praticamente todas as músicas que lançam são assinadas em dupla) nasceu no 5 de junho de 1941, é considerado um dos grandes roqueiros brasileiros.

Começou carreira musical em 1958 cantando no grupo "The Sputniks", do qual ainda faziam parte Roberto, Tim Maia, Arlênio Lívio, Edson Trindade e China, todos integrantes da turma roqueira da Rua do Matoso, no bairro da Tijuca. Sem Tim, os Sputniks viraram The Snakes – mais tarde, perderiam Roberto também.

O resultado é que, em 1962, Erasmo estaria cantando no grupo "Renato e Seus Blue Caps", com quem gravou LP homônimo. Seu primeiro grande sucesso viria em 1964, já em carreira solo: “Festa de Arromba”, composta em parceria com Roberto.

No ano seguinte, Erasmo, seu parceiro e a cantora Wanderléa foram convidados para apresentarem o programa de auditório da TV Record Jovem Guarda, catalizador de toda aquela música jovem que estava sendo feita no Brasil.

Rebatizado de “O Tremendão”, Erasmo iniciou uma longa fileira de sucessos: “Você Me Acende”, “Gatinha Manhosa”, “Terror dos Namorados”, “Vou Ficar Nu Para Chamar Sua Atenção”, “Minha Fama de Mau”, “Estou Dez Anos Atrasado”, “Vem Quente Que Estou Fervendo”, “Coqueiro Verde”, “Sentado à Beira do Caminho”, entre outros.

Ator nos filmes “Roberto Carlos e o Diamante Cor de Rosa”, “A 300 km por hora” e “Os Machões”, ele gravou nos anos 70 importantes LPs, como “Sonhos e Memórias – 1941-1972” (das músicas “Mané João” e “Mundo Cão”) e “1990 – Projeto Salvaterra”, dos hits “Sou uma Criança, Não Entendo Nada” e “Cachaça Mecânica” (de surpreendente êxito no mercado holandês).

Voltaria ao sucesso esporadicamente nos anos 80, com as músicas “Mulher” (parceria com a mulher, Narinha), “Mesmo Que Seja Eu”, “Pega na Mentira” e “Close”. No final dos anos oitenta, Erasmo regravou sua “A Carta” em dueto com Renato Russo, da Legião Urbana. Em 1997, foi homenageado junto com Roberto Carlos pelo conjunto da obra, no XVII Prêmio Shell para a Música Brasileira.

Continua gravando e se apresentando em shows pelo Brasil.

Clique e curta Erasmo em "Mesmo que seja eu"

http://www.youtube.com/watch?v=dSUoaMN0M7Q

SOCIEDADE BRASILEIRA DOS AMIGOS DO VINHO - AMAZONAS: SEIS ANOS LIQUIDOS E CERTOS. Diretor de Eventos e Harmonização Edson Costa.

Prezado Presidente Humberto Amorim, Confrades, Confreiras e Convidados


Eu passei esta terça e quarta feira em São Paulo, reunido com as maiores lideranças da indústria da comunicação do Brasil, que movimentou, em 2008, mais de 53 bilhões de reais, utilizando pra isso um contingente de mais de 600 mil pessoas.

E dentre eles, pude rever um colega publicitário, o criativo Alexandre Gama, de quem pincei uma citação em um interessante artigo publicado na Revista DiVino que tem muito a ver com esta noite. O Alê, como é conhecido no meio, disse o seguinte

Existem muitas formas de prazer na vida, mas quase todas podem ser agrupadas em duas categorias: o prazer de conhecer e o prazer de reconhecer.

O prazer de conhecer é aventureiro, o de reconhecer tem gosto de voltar para casa.

O prazer de conhecer é surpreendente, o de reconhecer é reconfortante.


Pois é, nesta noite especialíssima para nós da Gestão Bolsa Vinho estas palavras têm tudo a ver.

Eu explico melhor.

Neste CD que vocês estão recebendo estão contidos números que nos enchem de orgulho e confirmam aquilo que dissemos na primeira saudação que fizemos em junho de 2007, no Restaurante El Toro Loco, quando aconteceu nossa primeira Festiva.

Naquela oportunidade nós falamos o seguinte:

Nós entendemos que uma das funções mais nobres de todo sommelier é abrir garrafas e entendemos também que a função da SBAV é abrir portas. Por isso, durante esta gestão nossas Festivas serão itinerantes. Estaremos presentes em todos os restaurantes que estiverem dispostos a nos acolher com a qualidade e a gentileza que almejamos e achamos que merecemos.

Daquela data até hoje, nós já estivemos em 13 restaurantes diferentes. Em alguns deles, voltamos mais de uma vez.

E hoje, também pela primeira vez, aqui estamos na Churrascaria Búfalo no nosso amigo Honório Dalbert. Com isto fechamos com chave de ouro nossa gestão à frente da Diretoria de Eventos.

Em junho de 2007 eu disse ainda:

Outra novidade que teremos é uma ficha de avaliação sobre a Festiva. São perguntas de múltipla escolha e fáceis de responder. Elas nos indicarão se os vinhos agradaram, assim como a harmonização com os pratos, o serviço dos garçons e, no final, haverá um espaço para sugestões. Aqueles que quiserem exercer ainda mais seu direito democrático, esta é a chance. Não hesitem em criticar. E em elogiar também.

Sem considerar a noite de hoje, já realizamos 20 Festivas que receberam 641 participantes – uma média superior a 32 pessoas por evento.

15 pesquisas foram realizadas e 539 questionários foram respondidos. A tabulação e analise foram realizadas sem custo algum para a SBAV pelos nossos competentes amigos Afrânio e Flavia da Action Pesquisa e Marketing. Vale salientar que as respostas e o preenchimento foram realizados de forma anônima e individual

Até hoje, em nossas Festivas, 877 garrafas de vinho foram degustadas sendo 188 espumantes, 204 garrafas de vinho branco, 366 de vinho tinto e 119 de vinhos generosos ou de sobremesa como preferem alguns.


Fomos muito além do Brasil, Argentina, Chile, Itália, Portugal e Espanha. Conhecemos vinhos de 13 países diferentes. Alguns inusitados como Grécia e Líbano. Mas estivemos também na Áustria, Hungria, Austrália, e África do Sul.

Também não paramos nas Cabernet Sauvignon, Merlot, Pinot Noir e Malbec. Conhecemos também as Mourvèdre, Carignan e Grenache e a fantástica grega Mavrodaphne

Nas castas brancas as descobertas foram ainda maiores: além das tradicionais Chardonnay, Sauvignon Blanc, Riesling e Semillon, conhecemos a Furmint, Bianchetta, Verdisio e a Harslevelu dentre tantas outras.

No universo dos vinhos, o conhecedor e bom apreciador gosta de todos os tipos: tintos, brancos, roses, secos, doce ou espumante. Todos têm sua hora e seu lugar.

Até porque não existe vinho melhor ou pior. Existe o diferente.

Hoje em dia, para apreciar um grande vinho e a diversidade do mundo, acho que não basta abrir a garrafa e a boca. É preciso abrir a mente!

Pensem nisso a partir de agora quando tiverem o prazer de reconhecer os vinhos e as uvas que já degustaram e perceber como isto é reconfortante.


Para finalizar gostaria de registrar meus sinceros agradecimentos a todos os colegas desta Diretoria da Gestão Bolsa Vinho: Ernesto, Edmar, Pedro Stenio, Helio, Celio e Moisés Sabbá.

Sempre recebi deles todo o apoio e força que precisava para desenvolver a contento minhas tarefas.

E mais dois agradecimentos especiais.

O primeiro vai para o presidente Humberto Amorim que na verdade foi um grande irresponsável ao me convidar para assumir esta Diretoria. Mas, feito isso, sempre me apoiou e incentivou. Espero que não tenha se arrependido.

E a Karen, colega de trabalho da Oana e que empresta sua competência e profissionalismo para manter organizadas as informações e os números da SBAV do Amazonas.

Sei que ainda há muito a se realizar. Mas como diz nosso presidente, quem sabe se o melhor ainda está por vir...


Para esta Festiva, foram reservadas 54 garrafas de vinho. 10 Champagnes Brut da Deutz, 12 Brancos da uva Viognier, 12 Tintos Pinot Noir da Campolargo, 12 tintos Brunellos Banfi da Toscana e 8 Espumantes Demi Sec. Quantidade que certamente garantirá o prazer de todos.


Como manda a regra por nós estabelecida, ao final do jantar, os vinhos não consumidos, serão disponibilizados para compra pelos presentes, pelo preço de custo.


Bom apetite a todos e... Desfrutem...



Edson Gil Costa
Diretor de Eventos e Harmonização
SBAV/AM – Gestão Bolsa Vinho
Churrascaria Búfalo
Manaus 28/05/09

NOTA DO BLOG - Saudação proferida pelo Diretor de Eventos e Harmonização Edson Costa, arquiteto e maestro dos grandes momentos de confraternização entre os enófilos, permeados e regados sempre, por iguarias saborosamente formidáveis e vinhos inesquecíveis (foto) como na última Reunião Festiva da Gestão Bolsa Vinho da Sociedade Brasileira dos Amigos do Vinho - SBAV-AM (2007/2009) realizada com a participacão de autênticos apreciadores na Churrascaria Búfalo em Manaus.

Longa vida para a Sbav-Am. Parabéns aos confrades e confreiras pelo dia de hoje e obrigado pelo apoio durante a nossa gestão.

O MELHOR AINDA ESTÁ POR VIR.

Humberto Amorim - Presidente

Moisés Sabbá - Vice-Presidente

Edson Costa - Diretor de Eventos e Harmonização

Edmar Costa - Diretor de Comunicação

Ernesto Costa - Diretor Financeiro

Pedro Stenio - Diretor Secretário

Célio Cruz - Diretor Adjunto

Hélio Uchoa - Diretor Assuntos Internacionais.

Fotos - Humberto Amorim

O saxofonista e clarinetista Paquito D'Rivera nasceu em La Havana, Cuba, no 4 de junho de 1948 e equilibrou sua carreira entre o jazz latino e incursões na música clássica, como compositor e performances junto a orquestras sinfônicas.

Com a idade de cinco anos começou a aprender teoria musical com seu pai. Com a idade de sete anos ele se tornou o músico mais jovem a tocar um saxofone Selmer. Três anos depois, ele tocou com a Orquestra de Teatro Nacional de Havana. Embora ele tocasse sax-soprano inicialmente, D'Rivera o trocou pelo contralto depois de aprender a tocá-lo através do método Jimmy Dorsey.

Depois de desenvolver seu conhecimento musical e suas técnicas de execução, D'Rivera começou a estudar no Conservatório de Havana de Música em 1960. Em 1965, D'Rivera se tornou um solista destacado na Orquestra Sinfônica Nacional de Cuba. Depois de tocar na banda do exército cubano, D'Rivera se uniu ao pianista Chucho Valdez para fundar a Orquestra de Musica Moderna Cubana. D'Rivera se tornou maestro da banda durante dois anos. D'Rivera se uniu a oito membros da Orquestra para formar a banda Irakere, em 1973. O grupo, que fundia jazz rock, música cubana clássica e tradicional, se tornou o primeiro grupo pós-Castro a assinar com uma gravadora americana. Junto com a banda, D'Rivera viajou por todo o mundo, que se tornou um conjunto de jazz de alto nível.

Em 1981, D'Rivera fugiu de Cuba e se mudou para os Estados Unidos. Não demorou muito, ele já estava tocando com músicos americanos do nível de um Dizzy Gillespie, David Amram e Mario Bauza. De acordo com Bauza, D'Rivera é "o único músico que eu conheço que toca um jazz latino verdadeiro, todos os outros estão tocando jazz afro-cubano".

O seu álbum de estréia foi "Paquito Blowin", lançado em junho de 1981, e o seguinte foi "Mariel", um ano depois. Em 1988, D'Rivera foi convidado a se tornar compositor do grupo de Gillespie, a United Nations Orchestra. No mesmo ano, ele foi solista convidado da National Symphony Orchestra para tocar "David Street Blues" em sua primeira performance mundial no John F. Kennedy Center.

D'Rivera continuou se envolvendo com uma variedade de projetos. Além de tocar na Paquito D'Rivera Big Band, no Paquito D'Rivera Quintet, no grupo de música de câmara Triangulo e numa banda de calipso e salsa, o Caribbean Jazz Project, ele começou a aceitar trabalhos para compor para grupos de câmara e orquestras. Em 1989, ele compôs "New York Suite" para o Gerald Danovich Saxophone Quartet. Cinco anos depois ele compôs "Aires Tropicales" para o Aspen Wind Quintet. Essa peça foi executada subseqüentemente por pelo menos quatro quintetos.

Em 1997, o álbum "Portraits of Cuba", recebeu o Grammy como "Best Latin Jazz Performance". Durante o verão de 1999, D'Rivera colaborou com a Orquestra de Câmara Werneck da Alemanha numa série chamada "D'Rivera Meets Mozart".

D'Rivera é artista-residente da New Jersey Performing Arts Commission e diretor artístico encarregado da programação de jazz da New Jersey Chamber Music Society.

Fonte -CDJ

PIANISTA DE 18 ANOS BRILHA NO QUARTETO DE JAZZ.

O saxofonista de jazz Branford Marsalis volta a se apresentar na sexta-feira, 26 de junho com seu quarteto no XX Jazz Winnipeg Festival no Canadá. A ultima vez que o musico de jazz deu o ar de sua graça na cidade foi em 1991 durante a segunda edição do festival com uma banda estelar que contava com a presença de Eddie Henderson, Gary Bartz e o falecido pianista Kenny Kirkland, quando juntos, incendiaram o palco do Centennial Concert Hall numa homenagem à Miles Davis.

Desta vez ele vem com o veterano baterista Jeff "Tain" Watts" que demonstrará novos solos e a grande estrela em ascenção do momento, o jovem pianista Justin Faulkner de 18 anos. Justin é finalista do ensino médio em uma escola da Filadélfia e integrou-se a banda três meses atrás, e tem atraído a atenção da critica especializada, merecendo até artigo publicado no New York Times ( os que lêem em Inglês basta clicar na parte que menciona este fato), fechando o elenco da banda estão o pianista Joey Calderazzo e o baixista Eric Revis.

Não resta dúvidas de que a apresentação do quarteto de Marsalis será a grande sensação durante a celebração dos 20 anos do Jazz Winnipeg Festival.

the_branford_marsalis_quartet - Returns!

Branford Marsalis performed in the 2nd Jazz Winnipeg Festival back in 1991. That night, Branford and an all-star band that included Eddie Henderson, Gary Bartz and the late Kenny Kirkland on piano, burned up the stage at the Centennial Concert Hall in a tribute to Miles Davis.

With long-time drummer Jeff 'Tain' Watts pursuing solo projects, the band has been playing with a rising star in the form of 18-year-old Justin Faulkner. The high school senior from Philadelphia has been playing with the band for less than three months and he's making big waves as this recent New York Times article shows.

Rounding out the band are pianist Joey Calderazzo and bassist Eric Revis.

The Branford Marsalis Quartet performs on Friday, June 26th at the Pantages Playhouse Theatre. This show will undoubtedly be a highlight of Jazz Winnipeg Festival's 20-year celebration.

Until then check out this video of the saxophone giant in action.For more on Branford Marsalis, click here.

Fonte - Canadánews

Tradução - Humberto Amorim

LES PAUL CELEBRA 94 ANOS DE IDADE - LES PAUL 94TH BIRTHDAY CELEBRATION.

Monday June 8, 2009 at 8:00pm – Segunda-feira 8 de junho as 20h00.

Iridium Jazz Club
1650 BroadwayNew York, New York 10019


As apresentações costumeiras do lendário guitarrista de jazz Les Paul, sempre as segundas à noite desde 1995 no "Iridium Jazz Club", têm atraído para platéia músicos de classe internacional e fãs incondicionais de todas as partes do planeta. Paul MacCartney, Keith Richards,Tony Bennett,Steve Miller,George Benson,Jeff Beck, Pat Matheny, Slash e tantos outros famosos constam da lista daqueles que homenageiam o musico com suas presença.

Les Paul é uma lenda viva e ícone da musica mundial. Foi induzido no "Hall da Fama do Rock and Roll" e recebeu inúmeros Prêmios Grammy, pioneiro da moderna guitarra elétrica e inventor de várias técnicas de gravação.

Les Paul também influenciou positivamente, centenas de músicos e guitarristas, e é denominado como “O Pai da Guitarra Elétrica” por ter inventado a guitarra compacta que tornou possivel o som do rock and roll.

Les Paul nasceu no dia 9 de junho de 1915.

Se você estiver em New York na segunda-feira da próxima semana, vai lá.


Les Paul's regular Monday night appearances at "The Iridium Jazz Club" since April 1995 have attract devoted fans from all over the world. World-class musicians like Paul McCartney, Keith Richards, Tony Bennett, Steve Miller, George Benson, Pat Metheny, Jeff Beck, Slash and countless others come to pay homage.

Les Paul is a living legend and an icon of the music world. He was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame, received multiple Grammy Awards, pioneered the modern electric guitar and invented numerous recording techniques.

Les has influenced countless musicians and guitarists and is hailed as "The Father Of The Electric Guitar".

Les Paul (born Lester William Polfuss on June 9, 1915) is an American jazz guitarist and inventor. He is a pioneer in the development of the solid-body electric guitar which "made the sound of rock and roll possible." His many recording innovations include overdubbing, delay effects such as "sound on sound" and tape delay, phasing effects, and multitrack recording

Tradução - Humberto Amorim

No programa "Encontro com o Povo" desta quinta-feira a partir das 19h40 ao vivo pelo Amazonsat Canal 44 (aberto), Net canal 13 (fechado) e internet (http://www.amazonsat.com.br/ o debate será com o advogado José Aparecido dos Santos, Secretário Municipal de Produção e Abastecimento (Sempab) responsável pela organização, fiscalização e gerenciamento da atuação do comércio informal das feiras, mercados e ambulantes clandestinos na cidade de Manaus.

Manaus acaba de ser escolhida como sub-sede dos jogos da Copa do Mundo de 2014 numa época em que a cidade está tomada pela desordem do comércio informal que tomou dos pedrestes as calçadas do centro comercial, flanelinhas que transformaram a área nobre do centro em um grande posto de lavagem de carros e estacionamento particular, vendedores clandestinos de frutas, churrascos e alimentos sem controle sanitário que oferecem risco à saúde pública, em total desrespeito ao código de postura do municipio.

Segundo informes da propria Sempab, em vista do cenário "Casa da Mãe Joana", a idéia é aplicar, o mais rápido possivel, um "choque de ordem" baseado no modelo de organização recentemente aplicado na cidade do Rio de Janeiro, para sanear a bagunça de ilegalidades e irregularidades que tomam conta da cidade personificada por um contingente de 2.167 camelôs fixos e mais 261 ambulantes no centro da cidade, 2.520 fixos e 1.222 ambulantes nos bairros, 543 ambulantes nos terminais, 1.217 ambulantes nos eventos e 441 fixos/ambulantes na aréa da Ponta Negra.

Conto com tua audiência.

Humberto Amorim

Apresentador

Livia Braga

Produtora

JOSEPHINE BAKER, A DEUSA DE ÉBANO.

Josephine Baker nasceu em 4 de junho de 1906, e não foi à toa que ela recebeu os apelidos de "Vênus negra" e "Deusa de ébano" e arrancou elogios de grandes personalidades. Extravagante e sensual, sempre se apresentando em trajes ousados, conquistou Paris e deixou muitos homens e mulheres apaixonados.

Seu nome verdadeiro era Frida Josephine McDonald, filha de Carrie McDonald e Eddie Carson, músico. Teve uma infância pobre, no sul dos Estados Unidos, em Saint Louis, e às vezes dançava nas ruas para ganhar algumas moedas. Como a mãe e a irmã, trabalhou como lavadeira na casa de senhoras malvadas (uma delas chegou a lhe escaldar as mãos porque tinha gasto muito sabão).

Um dia arrumou o emprego de camareira da diva negra Clara Smith, e conseguiu a oportunidade de substituir uma corista. Aos 15 anos, casou- se com William Howard Baker e ganhou seu sobrenome, mas deixou-o dois anos depois, quando saiu de St. Louis, devido à grande discriminação racial que havia na cidade. Aos 19, arrumou uma vaga num show da Broadway. Achavam que ela fazia muitas caretas e que tinha olhos vesgos. Por sorte, foi selecionada para participar de "Revue Nègre" em Paris. Desembarcou na cidade luz no ano de 1925 e na noite de estréia, no Teatro Champs Ellysées, tinha os artistas Léger e Jean Cocteau na platéia.

As atrações do show eram os bailados exóticos e os negros zulus. Josephine fazia uma dança selvagem, com as plantas do pé no chão e as pernas arqueadas, com os seios de fora e uma tanga de penas.

Desbocada e sexy, tornou-se estrela no ano seguinte, no Folies Bergères e no Cassino de Paris, conquistando a fama logo em seguida. Sua primeira performance foi a famosa dança da banana, em que se apresentava vestida somente com uma tanga feita com as frutas. Ela rapidamente tornou-se a favorita da França.

Em 1929, após uma turnê na América do Sul, no navio que levava Josephine Baker - "a mulher mais famosa do mundo" - para a Europa, conheceu o brilhante arquiteto Le Corbusier. Segundo a biografia escrita por Phyllis Rose, os dois talvez tenham sido amantes. É possível, porque o que não faltaram na vida de Josephine foram maridos e amantes. Além de Baker e Abatino, casou-se com Jean Lion, Joe Bouillon e Robert Brady.

A lista de admiradores incluía Georges Simenon, Pablo Picasso, Alexander Calder, E. E. Cummings e outros.A participação de Josephine na Resistência Francesa durante a Segunda Guerra Mundial e sua luta contra o racismo lhe valeu as duas mais altas condecorações da França, a Cruz de Guerra e a Legião de Honra.

A partir de 1950, começou a adotar crianças órfãs durante suas turnês pelo mundo, passando a criá-las em seu castelo, Les Milandes, nas vizinhanças de Paris. Também adotava animais, de todas as raças. Chegou a passear por Paris com um leopardo (Chiquita) que, de vez em quando, escapava da coleira dentro de um teatro, quando ela insistia em levá-lo para assistir a uma peça.

No final dos anos 1960, passou por dificuldades financeiras e parou de se apresentar em 1968.

A princesa Grace de Mônaco ofereceu a ela uma casa no Principado, quando soube dos seus problemas. Baker apresentou-se então em Mônaco, com grande sucesso, em 1974. No mesmo ano fez apresentações em Nova York.

Estava se preparando para comemorar, em Paris, os 50 anos de palco, quando entrou em coma e morreu aos 68 anos, em 12 de abril de 1975. Seu funeral foi em Paris e ela foi enterrada em Mônaco.

Josephine Baker esteve no Brasil pela primeira vez em 1929. Apresentou-se no Teatro Cassino, no Rio de Janeiro. Voltou em 1952 e contracenou com Grande Otelo no show "Casamento de Preto", onde cantava "Boneca de Piche" em português.

Em 1963 fez uma temporada no Copacabana Palace e apresentou-se no Teatro Record, em São Paulo. Esteve pela última vez no Brasil em 1971, no Rio de Janeiro, em Belo Horizonte e em Porto Alegre.

Fonte - Wikipédia

KOKO TAYLOR, MORRE AOS 80 ANOS. Koko Taylor, considerada a "Rainha do Blues" morreu nesta quarta-feira em Chicago aos 80 anos.

Wang Dang Doodle Song deu a Koko Taylor projeção no mundo do blues. Na época em que foi descoberta trabalhava como faxineira e a noite, substituia cantores nas bandas de blues de Chicago. Wang Dang foi seu primeiro sucesso e também a ultima canção que cantou um mês atras, ao receber o seu vigésimo nono Prêmio Musica Blues.

Os preparativos do funeral estão em andamento.


The Queen of the Blues, Koko Taylor, has died. She passed away this Wednesday at Northwestern Memorial Hospital in Chicago from complications following surgery. She was 80.

Wang Dang Doodle Song"Wang Dang Doodle's" the song that gave Koko Taylor her big break. She was working as a cleaning lady. She also sitting in with various blues bands in Chicago when she was discovered. This was her first big hit, and the last song she performed about a month ago while picking up her 29th Blues Music Award.


Marc Lipkin was her long-time publicist and friend at Alligator Records once said that a lot of people say B.B. King can play one note on his guitar, and Koko could immediately say, 'Yeah, that's B.B. King.'

Koko Taylor's possibly the only person I've ever met who can sing one note and you'd immediately go, that's Koko Taylor. She can do one growl, one of her patented, 'Oh yeahs,; and you'd immediately know that was Koko Taylor.

Lipkin says Taylor was such a powerful presence, the label named one of her albums, Force of Nature.

Funeral arrangements are pending.

Reference - All Blues

DIA DOS NAMORADOS - VALENTINE'S DAY

AMO - TE - Reserva - Safra 2004 (2004) Terras do Sado - Tinto Regional Português das castas Castelão, Alicante Bouschet, Cabernet Sauvignon - grau alcoolico 13,5% - R$51,00 (cinquenta e um reais) ou 15,00 Euros.

Na minha modesta opinião de enófilo de carteirinha e tudo mais que tenho direito, eis ai uma grande pedida para presentear ou degustar no Dia dos Namorados (Valentine's Day) a ser celebrado aqui no Brasil no 12 de junho do corrente.

Este vinho com nome pra lá de sugestivo, se encaixa perfeitamente com o clima romântico que deve porevalecer durante todos os momentos da grande celebração em nome do amor, está sendo comercializado pela internet tanto na Europa quanto no Brasil (http://www.vinhosweb.com/ ou www.vinhosweb.blogspot.com , segundo os dados a seguir, vale a pena arriscar.

Apresenta-se de cor intensa e atraente, com aromas doces e apaixonantes. O seu sabor é envolvente e de textura aveludada, fruto de um encontro perfeito entre as castas referidas e companheiras. Para beber ouvindo Boz Scaggs "Do Nothing Till You Hear from Me", George Harrison "While My Guitar Gently Sleeps" e Frank Sinatra "Body and Soul" ou com o cantor (a) da preferencia dos pombinhos "deeply in love" no Dia dos Namorados, todos os dias a qualquer momento!

"Ouço dizer que os amantes do vinho serão castigados no inferno. Se os que amam o vinho e o amor vão para o inferno, o paraíso deve estar vazio."

Omar Khayyan (Do livro Rubaiyat)

Enófilo Humberto Amorim

Presidente da Sociedade Brasileira dos Amigos do Vinho -Sbav-Am

Gestão Bolsa Vinho - 2007/2009

An excellent and flexible avant-guard jazz, hard bop trumpeter, Ted Curson born June 3, 1935 , will always be best-known for his work with Charles Mingus' 1960 quartet (which also included Eric Dolphy and Dannie Richmond).

He studied at Granoff Musical Conservatory; moved to New York in 1956; played in New York with Mal Waldron, Red Garland, and Philly Joe Jones; and recorded with Cecil Taylor (1961).

After the 1959-1960 Mingus association (which resulted in some classic recordings), Curson co-led a quintet with Bill Barron (1960-1965), played with Max Roach, and led his own groups. He spent time from the late '60s on in Europe (particularly Denmark) but has had a lower profile than one would expect since his return to the U.S. in 1976.

Ted Curson has led sessions for Old Town (1961), Prestige, Fontana, Atlantic, Arista, Inner City, Interplay, Chiaroscuro, and several European labels, but has barely been on records at all since 1980.

Reference - AAJ

DAKOTA STATON - THE LATE, LATE SHOW.

A cantora de jazz Dakota Staton nasceu no 3 de junho de 1930 na periferia de Pittsburgh na Pensilvânia, e por um tempo, adotou o nome Aliyah Rabia. Dakota fez sucesso internacional com a sua definitiva canção assinatura, “The Late, Late Show” em 1957.

Começou cantando em vários clubes da cidade com a orquestra de Joe Wespray, muito popular na época. Depois alternou apresentações em clubes de Detroit, Indianápolis, Cleveland e St. Louis.

Foi para New York onde, enquanto cantava em um clube chamado Baby Grand, chamou a atenção do produtor artístico Dave Cavanaugh da gravadora Capitol. Contratada, gravou alguns discos compactos que levaram a “bíblia” do jazz, a revista Down Beat, a apontá-la como a Cantora Revelação de 1955.

No final da década de 50, inicio dos anos 60, lançou vários discos incluindo o álbum “The late, late,show ”, “ In the Night” na companhia do pianista inglês George Shearing, ambos em 57, “Dynamic” em 58 e “Dakota ao vivo no Storyville” em 61, gravado em um famoso clube de Boston.

Em meados dos anos 60, Dakota foi morar na Inglaterra e desfrutou de uma semi-aposentadoria.Continuou se apresentando e gravando esporadicamente, sempre, com a marca inquestionável do gospel e do blues em seu estilo.

Dakota faleceu em abril de 2007.

Dakota Staton born June 3rd,1930 in the Homewood neighborhood of Pittsburgh, Pennsylvania, also known by the Muslim name Aliyah Rabia for a period, was an American jazz vocalist who found international acclaim with the 1957 hit, "The Late, Late Show".

She started performing regularly in the Hill District a jazz hotspot, as a vocalist with the Joe Wespray Orchestra, a popular Pittsburgh orchestra. She next spent several years in the nightclub circuit in such cities as Detroit, Indianapolis, Cleveland and St. Louis. While in New York, she was noticed singing at a Harlem nightclub called the Baby Grand by Dave Cavanaugh, a producer for Capitol Records. She was signed and released several singles, her success leading her to win Down Beat magazine's "Most Promising New Comer" award in 1955.

She released several critically acclaimed albums in the late 1950s and early 1960s, including: The Late, Late Show (1957), whose title track was her biggest hit, In the Night (1957), a collaboration with pianist George Shearing, Dynamic! (1958) and Dakota at Storyville (1961), a live album recorded at the Storyville jazz club in Boston. Staton moved to England in the mid-1960s.

She continued to record semi-regularly, her recordings taking an increasingly strong gospel and blues influence.

Dakota Staton died in April, 2007.

Clique para ouvir Dakota toda swing cantando "The Late, Late Show".

http://www.youtube.com/watch?v=am2oKRJdGwU

Tradução – Humberto Amorim

"DEDICATED TO YOU" DE KURT ELLING, ESTÁ CHEGANDO NAS PRATELEIRAS.

O peso pesado do jazz, saxofonista tenor John Coltrane gravou entre dezembro de 62 e janeiro de 63 o disco "John Coltrane & Johnny Hartman" em parceria com o cantor Johnny Hartman e participação especial de McCoy Tyner, Jimmy Garrison e Elvin Jones, que se tornou antológico.

O cantor Kurt Elling, várias vezes indicado ao Grammy, com muita visão, acatou a idéia que um amigo lhe deu, partindo deste registro musical histórico e resolveu gravar um album baseado no encontro dos dois grandes artistas.

O resultada o cd "Dedicated to You: Kurt Elling Sings the Music of Coltrane and Hartman" está chegando às lojas de todo mundo no dia 23 de junho, e é o oitavo album na carreira deste formidável cantor.

As tomadas ao vivo foram feitas no mês de janeiro em Manhattan, como parte da série American Songbook do Lincoln Center.

São doze faixas apoiadas por um elenco de grandes músicos incluindo-se o saxofonista Ernie Watts, The Laurence Hobgood Trio e o Quarteto de Cordas Ethel.

O repertório inclui a clássica "All or Nothing at All", que de saida, devido a perfeita sintonia de conversação entre o vocal de Elling e o sax d Ernie Watts, remete o audiente imediatamente, para os momentos da mais pura musicalidade igual aqueles registrados no passado, que só poderiam ter sido criados pela genialidade de John Coltrane e a voz de Johnny Hartman.

Este album de Kurt Elling ratifica o bom gosto de quem o adquirir.

Disponivel na http://www.amazon.com/

Grammy nominated and critically-acclaimed vocalist Kurt Elling will release Dedicated to You: Kurt Elling Sings the Music of Coltrane and Hartman, his eighth overall album and second release on Concord Jazz. The live collection was recorded in January 2009 in Manhattan as part of Lincoln Center's American Songbook series.

The 12-track release features an all-star cast of musicians including saxophonist Ernie Watts, the Laurence Hobgood Trio and the string quartet, Ethel.

Throughout his eclectic career, Kurt Elling has roved freely across vocalese, transformed instrumental music, tunes from the Great American Songbook, poetry, theatre, dance and more. His new project began in his home town "as an idea suggested by my friends at the Chicago Jazz Festival," recalls Elling. "They gave me a call and asked me essentially to reiterate the John Coltrane/Johnny Hartman material for a bill they were planning. I'm always happy to have an idea like that. But it didn't interest me quite as much to simply reiterate the material. So I asked if I could do it my own way."As the program morphed through various phases, one aspect was consistent - Elling's desire to place the music in the setting of a string quartet, first with acoustic bass, and later with a complete jazz trio led by Laurence Hobgood, his long-time musical companion, pianist, who also provided most of the arrangements.

Kurt recruited Ernie Watts on saxophone and Ethel, and the group began touring with the project. The response to the program was wonderful and Kurt decided to record the set live in New York at the Allen Room in Lincoln Center.

"Dedicated to You: Kurt Elling Sings the Music of Coltrane and Hartman" is a stunning spectrum of music, both vocal and instrumental. The album opens with an introductory interpretation of the American Songbook classic, "All or Nothing At All," in which the interconnectedness between Elling's vocal and Watt's tenor saxophone calls up immediate references to the Coltrane/Hartman source.

The transformative interpretations of songs such as "Autumn Serenade," "Nancy With the Laughing Face" and "You Are Too Beautiful" are definitive examples of how to remain true to the inner essence of a song."When you hear any of those great masters - like Coltrane - and realize the incredible gift from God that is given to those people, you can't overstate their importance to the jazz world, to the world in general. And we were very much aware of that fact as we put all this together," remarked Elling.

Since Elling has been touring with "Dedicated To You", the project has received critical praise. The Chicago Tribune called it "...some of the best ballad singing being performed today." The New York Times said, "Mr. Elling has proved his finesse as a Hartman-like melodist...accessing both Coltrane and Hartman, he sounded like no one but himself."

Throughout his career Elling has earned eight Grammy nominations, top spot placement in the Down Beat Critics' and JazzTimes Readers' polls, four Jazz Journalists Association wins for Best Male Vocalist and the Prix Billie Holiday from the Academe du Jazz in Paris.

Shop The Kurt Elling Store at amazon.comBest selling smooth jazz at amazon.comJazz from Amazon.com

Tradução - Humberto Amorim

VALAIDA SNOW, THE LITTLE LOUIS.

The jazz singer and trompeter Valaida Snow born on June 2, 1904, Chattanooga, Tennessee was an African American jazz musician and entertainer. Raised on the road in a show-business family with her sister Lavaida Snow, she learned to play cello, bass, banjo, violin, mandolin, harp, accordion, clarinet, trumpet, and saxophone at professional levels by the time she was 15. She also sang and danced.

After focusing on the trumpet, she quickly became so famous at the instrument that she was named "Little Louis" after Louis Armstrong, who used to call her the world's second best jazz trumpet player besides himself. She played concerts throughout the USA, Europe and China.

Her most successful period was in the 1930s when she became the toast of London and Paris. Around this time she recorded her hit song, "High Hat, Trumpet, and Rhythm." She performed in the Ethel Waters show, "Rhapsody In Black", in New York. In the mid-30s she made films with her husband, Ananais Berry, of the Berry Brothers dancing troupe. After playing New York's Apollo, she revisited Europe and the Far East for more shows and films.
Later she became addicted to morphine.

While touring through Denmark in 1941, she was arrested and sent to a Concentration camp by the Nazis, where she was held from March until May 1942 before being released on a prisoner exchange. According to jazz historian Scott Yanow, "she never emotionally recovered from the experience". In the 1950s, she was unable to regain her former success.

Valaida Snow died of a brain hemorrhage on May 30, 1956 in New York City.

Literature:

Valaida Candace Allen (London: Vertigo 2004)Valaida is a novel based on Valaida Snow's life story.
Noire, la neige Pascal Rannou (published in French in 2008 by Editions Parenthèses, Marseille)

Noire, la niege is inspired by Valaida's life, but is more fictitious than strictly biographical.

High Hat, Trumpet and Rhythm: The Life and Music of Valaida SnowMark Miller(The Mercury Press, Toronto, in 2007) Biography. Both the Allen and Miller books contradict the assertion that Snow was held by the Nazis and instead place her in Danish custody at a Copenhagen prison.

"Valaida"John Edgar Widemanin Fever: Twelve Stories(Henry Holt and Co, 1989)Valaida Snow appears as a fictional character who threw herself on top of the protagonist when he was a child to shield him from a beating at the hands of the Nazis in a concentration camp.

Snow is depicted as a strong, generous woman who proudly recalls that “They beat me, and [expletive] me in every hold I had. I was their whore. Their maid. A stool they stood on when they wanted to reach a little higher. But I never sang in their cage, Bobby. Not one note” (28).

Reference - Wikipédia

MARTHA J., O JAZZ ITALIANO

A cantora italiana de jazz Martha J. nasceu no 2 de junho de 1964, e infelizmente, apesar de todo seu talento e musicalidade contagiante é totalmente desconhecida nos circulos de jazz mais densos, fora da Italia.

Começou a cantar em Milão, onde nasceu, e em 1990 participou do Festival de San Remo com uma banda chamada "Proxima" com a qual ela gravou dois discos. Desde 1999 sua carreira está focada na jazz musica, apresentações em em clubes, festivais e eventos outros no norte da Italia.

Ano passado ela lançou dois albuns totalmente recheados com classicos do jazz: "That's It" e "No One but You" os quais eu recomendo sem piscar.

In 1986 I began performing in clubs in my hometown, Milan (Italy). In 1990 I took part in Sanremo Music Festival with a group called Proxima, with whom I released 2 CDs. From 1999 on, I have been concentrating myself almost exclusively to jazz music, singing in jazz clubs, festivals and events in Northern Italy and abroad. In 2008 i released 2 CDs dedicated to jazz standards: 'That's it!' e 'No one but you'.

TAKE LOVE EASY, LANÇAMENTO MUNDIAL.

Hoje 2 de junho, grande dia para o mundo da música. A maravilhosa e talentosa cantora Canadense de Jazz Sophie Milman lança o seu terceiro e tão esperado cd "Take Love Easy" nos Estados Unidos e Japão simultâneamente.

O disco já teve lançamento antecipado no Canadá no dia 5 de maio. A partir de hoje está sendo disponibilizado nas lojas americanas e japonesas, e para o restante do mundo através da amazon.com.

No final da postagem clique para degustar um aperitivo da apresentação que ela fez da musica título do album na TV Canadense no dia do lançamento em maio e terá uma idéia de que tanto a seleção musical , acompanhamento primoroso e interpretação impecável da cantora tornam o trabalho num "must have".

Sophie Milman - Take Love Easy (Koch)Released - May 5, 2009 (Canada) June 2, 2009 (US)

There’s a lot to like about this third release from Sophie Milman, the Canadian singer whose steady rise through North America continues to gain momentum. Appearances at the Kennedy Center and the Hollywood Bowl last year; you can find her DVD “Live In Montreal” in the racks at “Best Buy,” for heaven’s sake.

This release should continue the upward trajectory for Ms. Milman. There’s everything to like about her delivery, which sits somewhere the intersection of swing and seduction. That requires not only good production (thanks, Steven MacKinnon), but also the talent to pull it all off. Ms. Millman continues to mature as an artist - and as much as I liked her earlier two discs, this one is her best yet.

“Take Love Easy” topped the iTunes Jazz chart in Canada right after its release last month, and there’s no reason that this one won’t take off in the US, as well. The title track is the one that’s pushed as the first single from this disc - Duke Ellington’s “Take Love Easy.”

The disc is heavy on covers of pop tunes; yet Ms. Milman’s silky styling and the new arrangements put a slightly different point on many of these familiar tracks. Among them - Bruce Springsteen’s “I’m On Fire,” Bonnie Raitt’s “I Can’t Make You Love Me,” and Paul Simon’s “50 Ways To Leave Your Lover.”

I’d worry about the market for this kind of pop-tinged jazz; it seems to be shrinking a little, with the demise of so many “Smooth Jazz” radio outlets. On the other hand, I don’t get paid to worry about those things - I simply enjoy the music. And there’s much to enjoy about this one. Highest recommendation.

Ms. Milman’s Canadian management company, Linus Entertainment has made one of the tracks from “Take Love Easy” available for download. It’s “That Is Love,” an original, penned by Ms. Milman’s pianist, Paul Shrofel. It’s available here.

Tradução - Humberto Amorim

http://www.youtube.com/watch?v=lABULgZv-ZI

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O DISCO DIVISOR DE ÁGUAS DA MUSICA POP MUNDIAL.

Há exatos 42 anos, no dia 1º de junho de 1967 , os Beatles lançavam na Inglaterra o álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", oitavo disco da carreira do famosos grupo musical, com o qual mudaram a música moderna e influenciaram toda uma geração.

(Lyrics/Letra)

It was twenty years ago today,
Sgt. Pepper taught the band to play
They've been going in and out of style
But they're guaranteed to raise a smile
So may I introduce to you
The act you've known for all these years
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
We're Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
We hope you will enjoy the show
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Sit back and let the evening go
Sgt. Pepper's lonely,
Sgt. Pepper's lonely
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
It's wonderful to be here
It's certainly a thrill
You're such a lovely audience
We'd like to take you home with us
We'd love to take you home
I don't really want to stop the show
But I thought that you might like to know
That the singer's going to sing a song
And he wants you all to sing along
So let me introduce to you
The one and only Billy Shears
And Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band




Gravado na véspera do "verão do amor", no início da era hippie, "Sgt. Pepper" rompeu os limites da música pop e conseguiu fazer com que um disco deixasse de ser uma simples reunião de canções para se transformar em uma obra de arte com identidade própria."Quando o observa através da perspectiva atual, se vê que 'Sgt. Pepper's foi como um ícone.


Foi o disco daquela época e provavelmente mudou a forma de gravar, mas não o fizemos de forma consciente", afirma George Martin, produtor dos álbuns dos Beatles, na autobiografia do grupo, "Antologia".As gravações do disco começaram no dia 6 de dezembro de 1966.
No entanto, para compreender o processo criativo do álbum é necessário voltar alguns meses atrás - para o dia 29 de agosto do mesmo ano, data na qual os Beatles realizaram seu último show antes da composição desta obra prima. Sem os compromissos de viagens, o quarteto de Liverpool pôde concentrar suas atenções para o estúdio e dedicar nove meses à gravação de seu novo disco.Com a inestimável ajuda de George Martin, que antes trabalhou com música eletrônica, os Beatles deram liberdade à imaginação nos estúdios de Abbey Road de Londres.


Todas as vozes e os instrumentos que estão no disco foram submetidos a algum tipo de manipulação técnica e muitos efeitos foram acrescentados às canções para criar um som único."Sgt. Pepper" demorou mais de 700 horas para ser gravado e custou cerca de US$ 75 mil, números inéditos naquela época.



Apenas quatro anos antes, os Beatles haviam gravado seu primeiro álbum, "Please Please me", num único dia. Foi Paul McCartney quem propôs a seus companheiros que se "transformassem em outro grupo" e sugeriu o nome de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (A Banda do Clube dos Corações Solitários do Sargento Pimenta, em tradução livre), inspirado nas bandas que surgiam nos Estados Unidos naquela época.



Gravaram a faixa título do álbum, uma canção que começava com o ambiente de um concerto - instrumentos sendo afinados, o barulho do público - e que emendava com "With a little help from my friends", a segunda faixa do disco.Esta foi outra novidade de "Sgt. Pepper": as canções se sucediam de forma contínua, sem interrupções.A partir da terceira música - a composição de John Lennon "Lucy in the sky with diamonds" -, as faixas deixaram de ter uma ligação temática. "O disco ia transcorrer como uma ópera, mas depois dissemos: 'Ah, que se dane!'", declarou Ringo Starr.



"Sgt. Pepper" acabou se tornando um diversificado cardápio de canções, algumas tão afastadas do rock clássico como "Within you without you", de George Harrison, gravado com um grupo de músicos da Índia e uma pequena orquestra de cordas. A faixa que dá nome ao álbum volta a tocar numa versão mais rápida quase no fim do disco, que termina com "A day in the life", uma das parcerias de Lennon e McCartney.



Para apresentar as canções, os Beatles encomendaram a Peter Blake uma montagem fotográfica na qual os quatro integrantes do grupo aparecem vestidos com uniformes de guerra de cores chamativas e cercados por vários personagens. É a capa mais famosa da história.



Aparecem na capa apenas quatro mulheres, Marilyn Monroe, Mae West, Marlene Dietrich e Carol Dors. Marlon Brando, Bob Dylan, Edgar Allan Poe, D.H. Lawrence, Karl Marx, Johnny Weismuller, Stan Lauren e Oliver Hardy são algumas das celebridades que acompanham os Beatles na fotomontagem, da qual foram eliminados Hitler e Gandhi.



A contracapa do álbum foi outro marco: pela primeira vez, as letras das canções apareciam impressas num disco. A mudança com relação aos álbuns anteriores dos Beatles foi radical para os fãs dos Beatles, era preciso escutá-lo várias vezes para aceita-lo."Sgt. Pepper" foi muito bem recebido pela crítica - o escritor britânico Kenneth Tynan afirmou que o disco representava "um momento decisivo na história da civilização ocidental".



Em um mês, o álbum vendeu 500 mil cópias no Reino Unido, e em três meses, 2,5 milhões nos Estados Unidos. Desde então, não deixou de liderar as listas de melhores discos do rock e, quando completa 42 anos, continua sendo uma referência cultural.



Em 2003 a revista especializada em musica Rolling Stone colocou o disco no topo da lista de 500 melhores albuns de todos os tempos. O disco recebeu quatro Grammys entre eles o "Album do Ano".

Várias canções do álbum com letras influênciadas por drogas levou a BBC a vetá-las, assim tornando-as proibidas de serem tocadas.
A BBC baniu a canção "A Day in The Life", alegando que poderia "incentivar uma atitude permissiva para consumo de drogas". Lennon e McCartney negaram que a canção foi feita sobre qualquer tipo de droga, alegando que a letra se tratava de um sonho.
A canção "Lucy in the Sky with Diamonds" também se tornou alvo de especulações quanto ao seu significado, muitos acreditaram que as letras inicias de seu título foi um código de LSD. A BBC teve isso como base para a proibição da canção nas rádios britânicas.
Mais uma vez, John Lennon negou que a letra fosse sobre LSD. Porém, em uma entrevista concedida em 2004, Paul McCartney confirma que "Lucy in the Sky with Diamonds" foi feita à base de LSD.
O debate sobre o assunto continua entre críticos e fãs da banda. Alguns alegam que o uso das drogas é a peça principal para a realização de todo o álbum.


Clique para ouvir os Beatles em "LSD"
http://www.youtube.com/watch?v=rGFlkcnZRFI

Clique para curtir com "The Beatles" uma rara gravação promo de Sgt. Pepper's lançada pela Apple no lançamento do disco.

http://www.youtube.com/watch?v=fv8FMGnLPWA


Fonte - Wikipédia/Site Uol

NELSON RIDDLE, A SWINGIN' AFFAIR WITH MUSIC.Nelson Riddle was born on june 1st 1921 ,Oradell, New Jersey, and became one of the most admired and versatile arranger/composers of the post-war era, with major radio, television, film, and recording successes to his credit.

Inspired by his father's amateur band, he learned piano and trombone and joined Charlie Spivak's orchestra after graduating from high school. Over the next few years, he moved on to work with Bob Crosby and Tommy Dorsey's bands, first as a musician and then doubling as an occasional arranger. After serving in the Army during World War II, he hired on with NBC Radio as a staff arranger.

In 1949, Les Baxter hired him to write some arrangements for a Nat King Cole album. Although Riddle wrote them, Baxter took credit for the highly successful arrangements of "Too Young" and "Mona Lisa"--even Baxter's obituaries attribute them to him. Cole hired Riddle as his lead arranger, and they worked together on over 15 Capitol LPs over the next 10 years. In the early 1950s, Capitol also signed Riddle as an independent artist.

Riddle was known as one of the best arranger for singers, and backed many of Capitol's vocalists, including Margaret Whiting, Dean Martin, Peggy Lee, and Frank Sinatra on his swinging albums ("Songs for Swingin' Lovers," "A Swingin' Affair," "Sinatra's Swing' Session") and others. Sinatra said, "Nelson had a fresh approach to orchestration and I made myself fit into what he was doing." Many consider these albums each man's best work.

Riddle's own recordings from this period aimed for the same audience as Jackie Gleason, and other "mood music" artists, with titles like "Love Tide," "Sea of Dreams," and "Hey, Let Yourself Go."
His biggest hits, though, were lighter pieces. Riddle had a knack for making his point through understatement that eluded Gleason. The first, "Lisbon Antigua," was brought to his attention by the sister of Nat "King" Cole's manager, and came out at the height of the wave of European covers. His recordings never quite brought Riddle the success he was looking for, though. His earnings as an arranger paled compared to Henry Mancini's royalties from originals like "Moon River" and "Days of Wine and Roses," and Riddle felt something of a rivalry with Mancini throughout their careers.

Riddle also wrote for a number of television shows, including "The Untouchables," and his theme for the series, "Route 66," was released as a single and made it into the Top 40 in 1962. He also scored a number of films, including the Rat Pack classics "Ocean's Eleven" and "Robin and the Seven Hoods," as well as "Harlow," "Red Line 7000," "The Maltese Bippy," "Lolita," "Batman," "A Rage to Live," and "El Dorado." Although Neal Hefti wrote the hit theme for "Batman," Riddle wrote the "zow"-ey arrangements for the actual episodes.

He served as musical director of "The Smothers Brothers Comedy Hour" and later, "The Julie Andrews Show." He retired in the mid-1970s, but came back when asked to arrange some songs for an album of torch songs Linda Ronstadt was recorded.

Riddle commented that he didn't do songs, he did albums, and Ronstadt's producer hired him for the whole album. Riddle's lush arrangements on Ronstadt's "What's New," "Lush Life," and "For Sentimental Reasons" gave the recordings a tremendous boost and helped reintroduce the style that Harry Connick, Jr. and others subsequently imitated to great success.

Riddle also arranged and conducted for the inauguration balls for John Kennedy and Ronald Reagan.

Nelson died in October,1985 in Los Angeles,California.

Find out more at the Nelson Riddle website: http://www.nelsonriddlemusic.com/.

MARILYN MONROE, QUANTO MAIS QUENTE MELHOR.

A atriz e cantora americana Norma Jeane Mortenson, que ficou mundialmente famosa como Marilyn Monroe, nasceu no dia 1º de junho de 1926, em Los Angeles, Califórnia, filha de Gladys Baker. Como a identidade de seu pai era desconhecida, ela foi batizada como Norma Jeane Baker.

Marilyn Monroe personificou o glamour hollywoodiano com incomparável brilho e energia que encantaram o mundo. Apesar de sua beleza deslumbrante, suas curvas e lábios carnudos, Marilyn era mais do que um símbolo sexual na década de 50. Sua aparente vulnerabilidade e inocência, junto com sua inata sensualidade, a tornaram querida no mundo inteiro. Ela dominou a Era das grandes estrelas e, sem dúvida, foi a mulher mais famosa do século 20.

Norma Jeane passou grande parte de sua infância em casas de família e orfanatos até que, em 1937, ela mudou-se para a casa de Grace Mckee Goddard, amiga da família.

Infelizmente, em 1942, o marido de Grace foi transferido para a costa Leste, e o casal não tinha condições financeiras para levar Norma Jeane, na época com 16 anos. Norma Jeane tinha duas opções: voltar para o orfanato ou se casar.No dia 19 de julho de 1942, ela casou com Jimmy Dougherty de 21 anos, com quem estava namorando há seis meses. “Ela era uma menina doce, generosa e religiosa” disse Jimmy. “Ela gostava de ser abraçada”. Até então Norma Jeane amava Jimmy e eles estavam muito felizes juntos, até que ele entrou para a marinha e foi transferido para o Pacífico Sul em 1944.

Alguns meses depois, o fotógrafo Davis Conover a viu enquanto tirava fotos de mulheres, que estavam ajudando durante a guerra, para a revista Yank. Ele não acreditou na sua sorte. Ela era um “sonho” para qualquer fotógrafo. Conover a utilizou para a seção de fotos e começou a lhe enviar propostas de trabalho como modelo. As lentes adoravam Norma Jeane, e em dois anos ela tornou-se uma modelo respeitável e estampou seu rosto em várias capas de revistas.

Ela começou a estudar o trabalho das lendárias atrizes Jean Harlow e Lana Turner, e inscreveu-se em aulas de teatro sonhando com o estrelato. Assinou seu primeiro contrato com a Twentieth Century Fox em 26 de agosto de 1946. Ela ganhava $125 por semana. Pouco tempo depois, tingiu seu cabelo de loiro e mudou seu nome para Marilyn Monroe (Monroe era o sobrenome de sua avó). O resto, como dizem, virou história. O primeiro papel de Marilyn em um filme foi uma participação, em 1947, em "The Shocking Miss Pilgrim". Fez pequenas atuações até 1950, quando conseguiu um pequeno, mas influente papel no thriller de Jonh Houston "The Asphalt Jungle". Ainda naquele ano, a atuação de Marilyn no papel de Claudia Caswell em "All About Eve" (estrelando Bette Davis) a rendeu muitos elogios.

A partir daí, participou de filmes como: "Let's Make It Legal", "As Young As You Feel", "Monkey Business" e "Don't Bother to Knock". No entanto, foi sua performance em "Niagara", 1953, que a tornou estrela. Marilyn fez o papel de Rose Loomis, uma jovem e bela esposa que planeja matar seu velho e ciumento marido (Joseph Cotten).O sucesso de Marilyn em "Niagara" a rendeu os papeis principais em "Gentlemen Prefer Blondes" (com participação de Jane Russell) e How to Marry a Millionaire (com participação de Lauren Bacall e Betty Grable). A revista Photoplay votou Marilyn como melhor atriz iniciante de 1953, e aos 27 anos de idade ela era sem dúvida a loira mais amada de Hollywood.

No dia 14 de janeiro, 1954, Marilyn casou com o jogador de baseball Joe DiMaggio, em São Francisco, Califórnia. Infelizmente a fama de Marilyn e sua figura sexual tornaram-se um problema em seu casamento. Nove meses depois, no dia 27 de outubro de 1954, Marilyn e Joe se divorciaram. Eles atribuíram a separação a “conflitos entre carreiras”, e permaneceram bons amigos.

Em 1955, Marilyn estava pronta para livrar-se da imagem de furacão loiro. Isso tinha dado a ela o estrelato, mas agora que ela tinha a oportunidade e a experiência, Marilyn queria seguir com seriedade a carreira de atriz. Ela mudou-se de Hollywood para Nova York para estudar na escola de atores de Lee Strasberg. Em 1956 Marilyn abriu sua própria produtora, Marilyn Monroe Productions. A empresa produziu Bus Stop e "The Prince and the Showgirl" (com participação de Sir Laurence Olivier). Esses dois filmes serviram para Marilyn mostrar seu talento e versatilidade com atriz. Marilyn foi reconhecida pelo seu trabalho em "Some Like It Hot",1959, e venceu o Golden Globe de melhor atriz em uma Comédia.

Lamentavelmente, o pior aconteceu na manhã do dia 5 de agosto de 1962, aos 36 anos Marilyn faleceu enquanto dormia em sua casa em Brentwood, Califórnia. O mundo estava em choque. O brilho e a beleza de Marilyn faziam parecer impossível que ela tivesse deixado a todos. No dia 8 de agosto de 1962, o corpo de Marilyn foi velado no Corridor of Memories, nº 24, no Westwood Memorial Park em Los Angeles, Califórnia.

Hoje o nome “Marilyn Monroe” é sinônimo de beleza, sensualidade e glamour. Ela continua sendo uma inspiração para todos aqueles que lutam pelos seus ideais e superam os obstáculos.

Clique aqui para ve-la ainda mais maravilhosa cantando "Diamonds are a girl's best friends"

http://www.youtube.com/watch?v=PluRW3_FEt0

Fonte - Marilyn's Web Page